|
|
Rocío Aceves
Universidad
de Colima
La casa de Elena Garro Con
bastante frecuencia, la casa de Elena Garro —la de la infancia—,
suele ser revisitada en su narrativa, ya sea en los cuentos de La
semana de colores,
o en el ambiente y los espacios de la novela Los recuerdos del
porvenir. Este trabajo no pretende
acercarse a la comparación entre la biografía espacial de la
autora mexicana y su literatura, sino más bien tomar la
palabra "casa" como la gran metáfora de una literatura
fantástica e innovadora en su temática, y en su aspecto formal
ajena a toda moda y grupo de generación. Elena
Garro es su propia generación literaria. Con
la hermenéutica de Paul Rocouer,
sus conceptos de Mímesis I, II, y III, la narrativa de Elena Garro
no nos entrega el misterio de la escritura —ociosa búsqueda—,
pero sí pequeños haces de luz sobre la temporalidad espacial en su
obra. Dos aspectos fundacionales e
indisolubles en su obra que habrán de reflejarse en el estudio
de la autora, en su narrativa y que se concreta en el lector
cumpliendo así la tríada propuesta por Rocouer: las tres esferas
del tiempo. Rafael Aguilera Portales Universidad Autónoma de Nuevo León Literatura y ética de la resistencia (reflexiones en torno a Diario del dolor de María Luisa Puga La escritura parte del lenguaje como experiencia figurativa, creadora y recreadora del mundo, donde no sólo somos sus narradores, sino también narradores de nosotros mismos. Toda narración lleva una trama o intriga, al igual que la vida. De esta forma, la escritura permite indagar en mi experiencia de dolor como experiencia límite. Diario del dolor
no habla del causado por la violencia de los hombres; se centra más
bien en una exploración vivencial y reflexiva del dolor humano y
universal que sentimos todos, producto y consecuencia de la
contingencia, la fragilidad y finitud de la vida humana. El dolor,
que expresa y digiere nuestra autora, es el dolor por el que todos,
tarde o temprano, tenemos que pasar.
La literatura de María Luisa Puga ve también el dolor como exploración metafísica, introspección analítica, fenomenología personal e íntima, erótica que nos envuelve y con la cual dialogamos. Milan Kundera hacía girar el gran género moderno de la novela sobre el problema de la existencia humana. Sebastiao Guilherme Albano da Costa Universidad de Brasilia Pedro Páramo:
50 años de semiosis infinita. Homenaje a los cincuenta años
de la publicación de Pedro Páramo
en México (1955). Investigación acerca de la variedad formal que
constituye la obra de Juan Rulfo, especialmente Pedro
Páramo. No sería exagerado suponer que el lector desavisado de
aquel entonces, 1955, tuvo serias dificultades para alcanzar el
entendimiento del texto. El programa narrativo que la obra contiene
alude a una serie de códigos no canónicos para la época, y
promovió una habilitación vagarosa en la aproximación al texto.
Es en la actualidad cuando los lectores pueden disfrutar de las
operaciones formales que el autor utilizó para sintetizar una miríada
de contenidos; ya que en la época en que la obra fue publicada
pocos eran los que lograban sintetizar los mecanismos de producción
de sentido propuestos en la construcción textual. Ese hecho se debe
a que dispone desde inspiraciones de los modelos narrativos de cine,
hasta claves críticas de la Revolución Mexicana. Es de esa manera
que Pedro Páramo se
antoja como un horizonte de sentidos, cuya racionalización en una
economía textual se constata en la formalización que emprende de
contenidos que hasta entonces no habían sido plausibles de ser
expresados en un discurso literario. Tal hecho se revela, por
ejemplo, en la proliferación de estudios sobre la obra, y que
pueden ser acotados en tres fases básicas: una de corte
impresionista; otra estructuralista y una tercera, y actual, con
lastre en la teoría de la recepción. La ponencia, de tal manera,
versará aun sobre la fortuna crítica suscitada por los paradigmas
teóricos ceñidos a los tiempos o a las modas epistemológicas, y
su desdoblamiento para la comprensión especializada de la novela.
Iliana Alcántar University of California-Los Ángeles Cielos de la Tierra
de Carmen Boullosa: Revalorización de mestizaje, género, y etnia en el marco de la identidad nacional Este estudio propone dilucidar
en qué manera la obra narrativa de Boullosa, mediante la utilización
de conceptos como mestizaje, género y etnia, propone la inclusión
de los mismos dentro del marco de la identidad nacional. De acuerdo
a Homi Bhabha, una nación se construye a través de sus narrativas,
pero según él, existe una diferencia entre el lenguaje de quienes
las elaboran y las vidas de quienes las viven. En el caso de México,
en el siglo veinte, la identidad es el tema por excelencia en las
letras. Sin embargo, su punto de origen y su método de enunciación
han sido prácticamente los mismos y no termina por concretarse al
no encontrar recepción más allá de los campos exclusivistas de la
intelectualidad. Desde Ramos, Reyes, Vasconcelos, y por supuesto
Paz, la construcción de la identidad del mexicano ha provenido de
un selecto grupo que por el hecho de pertenecer a una minoría
intelectual, predispone resultados hegemónicos y excluyentes. En su
novela, Boullosa cuestiona estos discursos al ofrecer una visión
contemporánea y apocalíptica de las identidades que no se
circunscriben a este proyecto de nación. Cielos
de la Tierra demuestra que los conceptos de etnia, género y
mestizaje, previamente ignorados y menospreciados por los discursos
intelectuales del siglo pasado, merecen una revisión exhaustiva y
la inclusión dentro de la definición ya no de una
identidad nacional, sino de las identidades de la nación. José Ramón Alcántara Mejía Universidad Iberoamericana Lacuarain o la teatralidad de la memoria Flavio Gonzáles Melo es el autor de dos de las obras más exitosas del teatro mexicano contemporáneo (sin menoscabo de la integridad dramática): 1822, el año en que fuimos imperio, y Lacuarain o la brevedad del poder. En ambas, González Melo realiza una reflexión que recupera aquella que realizara Rodolfo Usigli, en los inicios del teatro mexicano moderno, sobre la teatralidad de historia política del país. En una dramaturgia esmerada, el autor concentra tanto los códigos de una teatralidad tradicional como los de aquella que se gestan en la posmodernidad, a la vez que fusiona lo que hasta ahora había sido llamado teatro histórico con otra fórmula conocida como teatro político. El resultado no es sólo una teatralidad original, si bien no sin antecedentes, cuyo análisis es el objeto de este trabajo. Lídice Alemán University of Missouri-Columbia Ramón López Velarde: Caja de Resonancia de El Testigo
Para un poeta es siempre una experiencia atrayente —aunque no novedosa—, el leer una novela de ficción, y descubrir a la poesía, o a un legendario representante de ésta, como personaje protagónico, incluso como testigo, prueba fehaciente de los supuestos milagros del autor, que si no tuvo méritos para ser canonizado, le sobraron para iniciar la nueva poesía mexicana: Ramón López Velarde. La ponencia, que llevará por título “Ramón López Velarde: Caja de Resonancia de El Testigo de Juan Villoro”, propone un análisis del tejido narrativo de El Testigo, de Juan Villoro. La inclusión, excesiva para algunos críticos, de textos de López Valverde, “reconciliador de la identidad nacional”, como dijera el autor de esta obra literaria. Se valorará, igualmente, la importancia de dicho aspecto como elemento narrativo de una novela que presenta a un intelectual mexicano que decide marcharse a Europa (en donde ha vivido 24 años). Su área de investigación es la poesía de Velarde, lo cual servirá de cebo para interesarlo en un proyecto que incluye a este poeta. Así, veremos la utilización de la poesía como caja de resonancia, la figura de Ramón López Velarde y sus textos como uno de los temas de la novela (que abarca 33 capítulos replicando la edad del poeta —y de Cristo— al morir), las razones de la popularidad de la que ha disfrutado el poeta, y su propuesta de canonización, entre otros aspectos. Silvia Álvarez-Olarra Temple University La
incertidumbre del signo amoroso en La
más fuerte pasión, de Luis Zapata No cabe duda de que la narrativa de Luis Zapata se caracteriza por su naturaleza transgresora. Temas, personajes y aun técnicas narrativas parecen unirse en todos sus textos para transgredir los moldes sociales, morales y literarios de lo que podríamos denominar una concepción tradicional del mundo. Como señala Alejandro Cortázar (2003), la narrativa de Zapata, en cuanto escritura utópica, presenta “un mensaje crítico, simbólico o subversivo, que evoca (...) actitudes y comportamientos rechazados y marginados, o que por alguna razón no caben dentro de la dinámica social de la ideología imperante.” (132) En
este sentido, su novela de 1995, La
más fuerte pasión, no resulta una excepción. En ella, Zapata
confronta al lector con una historia amorosa construida a partir de
lo que podríamos denominar un arsenal de elementos subversivos: la
pasión que expresa Santiago por Arturo no sólo es el inicio de una
historia homosexual, sino que también debe ser vista como el hilo
utilizado por Zapata para explorar, de manera más o menos indirecta,
temas como la pedofilia, la prostitución, los ritos de iniciación
e incluso el incesto. La estructura dialogada, el lenguaje coloquial,
lo explicito de ciertas imágenes son asimismo técnicas y recursos
que intensifican ese elemento rompedor propios de los textos de
Zapata. Sin
embargo, es en el recurso contrario en el que, a mi modo de ver,
radica toda la fuerza de esta novela. El diálogo entre Santiago y
Arturo, que constituye la totalidad del texto, provoca, pese a todas
sus transgresiones, un constante estado de suspensión provocado por
la incertidumbre inherente a todo discurso amoroso. Como indica
Barthes (1982), “ya sea que quiera probar su amor o que se
esfuerce por descifrar si el otro lo ama, el sujeto amoroso no tiene
a su disposición ningún sistema de signos seguro” (221). Es el
escepticismo o inseguridad de Santiago hacia el amor que Arturo
siente por él, así como la actitud crítica hacia el lenguaje que
se deriva de la imposibilidad de comprobar dicho amor más allá de
las palabras, lo que justifica y hace factible que tanto la relación
amorosa como la escritura continúen de manera interrumpida,
obligando al lector a aceptar el inevitable final abierto del libro. Carlos
Amador University of Texas at Austin Trauma and
History in the Contemporary Mexican Historical Novel Conference
Abstract The early
Mexican historical novel, most critics agree, reflected the hopes
and aspirations of the developing Mexican national identity, in
spite of the often violent and difficult vicissitudes of
nineteenth-century history. Following Doris Sommer’s reading,
those nineteenth-century historical romances were filled with
hopeful and reconciliatory framings of Mexican national identity and
desire, despite the historical context of Mexican political violence
and instability. The
contemporary literary landscape, beginning with Nellie
Campobello’s Cartucho and continuing on with Ignacio Solares’ most recent
novel, La invasión,
however, radically deviates from the positive, progressivist content
of prior novels. Recent
critics have argued that the critical timbre of modern historical
novels is a response to the tragic violence of 1968 and the failure
of international leftism. I argue instead that the reevaluation of
Mexican history within current historical novels reflects the
testimony about a collective trauma—the trauma of a political and
social landscape scarred by multigenerational stories of violence
and crushed promise. My paper will argue that a series of
contemporary Mexican historical novels—La
invasión, El seductor de
la patria, El fin de la
locura, and El asesino
solitario—are incidences of what trauma theorists call
postmemory—active interventions into the historical archive that
reconfigure the perception of historical events and provide new
shape and expression to the painful realities of Mexican history. I further
hope to argue that the novelization of the historical archive in the
Mexican context opens a question little addressed by trauma theory:
the durability of traumatic memories and myths available to
be novelized and interpreted as acts of public memory.
Guadalupe Angeles Oscar de la Borbolla, escritor mexicano, afirma en su “Manual de Creación Literaria” (publicado por la editorial Nueva Imagen en el año 2002) que una imagen, cualquiera que sea (da ejemplos visuales en su libro), con el solo hecho de encontrarse frente a nuestros ojos, invita a reflexionar sobre ella, y así, genera la creación de una historia, partiendo de su posible título. Alberto Chimal, va más lejos de esta propuesta con la inclusión de Las láminas de Kadousï en su libro “Gente del Mundo”, las cuales constituyen un dispositivo que potencia significaciones con la descripción de un dibujo, lo cual es posible gracias a la conjunción del título, de la imagen y su descripción. Extrae gran parte de su obra de la imaginación más pura, y hacia ella nos invita: lugares donde las piedras hieren a voluntad y las estaciones prodigan alegría con toda intención, es de ese modo que (adoptando para su trabajo las palabras de Roland Barthes): “marca el campo de una verosimilitud que develaría lo posible en el mismo momento en que lo designaría como falso” Demetrio
Anzaldo Long
Beach City College Anverso
y reverso de la memoria histórica: Las hojas muertas.
En
la escritura de Las hojas muertas,
de la escritora Bárbara Jacobs (México, D. F., 1947) pulsa
intensamente el acontecer nacional mexicano de los ochenta, con toda
su estela de desilusiones ante el fracaso de los grandes movimientos
revolucionarios del siglo XX. Esta
novela, publicada en 1987, surge en primer lugar por el crecimiento
literario de la propia escritora, que la ofrece como homenaje a un
ser querido (en la novela se la menciona como papá
de todos nosotros), que forma parte de una comunidad inmigrante
de origen libanés que proyecta las tendencias mexicanas ante la
inminente apertura e inclusión en el plano internacional.
En segundo lugar, es también una respuesta ante el gran vacío
nacional creado por el triunfo aplastante de un modelo económico
oligárquico que ha sustentado su poderío basándose en la
violencia y en la muerte. La
población mexicana, por su parte, se presenta ante el lector para
denunciar las grandes injusticias nacionales.
De esta manera, se puede apreciar cómo, retomando la figura
emblemática de un padre de familia, Bárbara Jacobs propone una
revisión a los grandes ideales revolucionarios nacionales e
internacionales de principios de siglo y a las consecuencias que el
fracaso de tales acontecimientos provocaron en el medio nacional e
internacional. Esta
escritora mexicana, valiéndose de las técnicas de la poesía, la
novela y el ensayo, hace uso de una memoria proteica que muestra la
transformación física, intelectual y espacial del padre y de las
condiciones sociales en el México de “La década perdida” en
Latinoamérica. En
esta primera interpretación en torno a la prosa vibrante y sublime,
también se describe el anverso y reverso de la vida del personaje,
se enunciará el fracaso vivido durante el pasado siglo, en especial
la derrota de La República Española y la de La Revolución
Mexicana. Para
esta propuesta ensayística e interpretativa de Las hojas muertas,
tomaré como punto de partida las reflexiones que en torno al exilio
se presentan en la novela, así como las que han hecho tanto
Angelina Muñiz-Huberman en El canto del peregrino y
“Reconciliación” como Edward Said en Reflections on Exile.
Asimismo, en mi estudio intercalaré imágenes poéticas de El
sentimiento del sentido, en postrero homenaje al maestro
Saúl Yurkievich, para ir descubriendo el anverso y reverso de la
memoria histórica vertida en Las hojas muertas. Emilia Arce University of Texas at Austin Generar
el espacio principal: protagonismo femenino en dos novelas
juveniles: Auliya y El fuego verde, de la
escritora mexicana Verónica Murguía El
rol de la literatura infantil en la formación de los valores
culturales y sociales del niño está fuera de cuestionamiento.
Desde hace años, padres, escritores y educadores han comenzado a
replantearse los contenidos de los libros de cuentos tradicionales
para niños. Entre los
valores expuestos en los libros para chicos, los roles sexuales
ocupan un lugar importante. En la construcción de estos personajes tanto masculinos como femeninos existe una clara atribución de características que derivan de su condición de género. Tal como afirma la crítica Lidia Díaz “Es así que cuento tras cuento, se han ido transmitiendo y preservando moralejas que han resultado ser funcionales para el operativo de inculcar aquellos valores que el sistema considera convenientes como reflejo del “deber ser”, y donde se suele proponer como natural una imagen de niña-mujer bonita, pasiva, sumisa y en lo posible no-pensante”. En
las novelas Auliya y El Fuego Verde de
la escritora mexicana Verónica Murgía, las protagonistas
transgreden la pasividad atribuida a su género. En este análisis
nos centraremos en los dos personajes principales: Auliya y Luned
(de El fuego verde) y la
construcción de los mismos desde una perspectiva de género. Luis Alberto Arellano Universidad Autónoma de Querétaro Bíblica
de José Javier Villarreal y las Notas sobre poesía de José
Gorostiza En sus Notas sobre poesía, José Gorostiza vierte algunas ideas sobre lo que es la poesía, lo que debería ser el poema y lo que espera sea la función del poeta. Texto revelador de una de las conciencias más lúcidas y atrevidas de su época, que ya no es la nuestra, y uno de los documentos torales sobre la construcción poética en lengua española. Gorostiza desarrolla tres grandes verdades. Estas verdades son, en primer lugar, la imposibilidad del poeta de generar un discurso articulado sobre la poesía y esa disposición humilde a contentarse con ideas sobre el poema. La segunda es la estrechísima relación que hay entre poesía y canto y cómo el entorno humano afecta esta relación, es decir, cómo es que la estrechez o la dilatación de la unión poema-musicalidad son una determinante histórica. La tercera es la necesidad de que el poema se construya de acuerdo a una correspondencia necesaria y precisa entre la parte y el todo. Que el verso sea tan poético como lo es el poema. No sin amargura dispara la denuncia contra sus años por vivir bajo el imperio de la lírica, es decir, que la poesía y su relación con el poema han cedido recursos e intereses a otros géneros literarios y a otras experiencias verbales. Dentro de este apretado marco conceptual se puede leer una preceptiva que ha marcado los rumbos de la poesía en México en los últimos cincuenta años. Bíblica de José Javier Villarreal pretende ser leído con este marco conceptual para entender algunos de los puentes reflexivos que se dan entre el autor de Muerte sin fin y nuestro poeta a partir de la concepción de lírica que sostiene Gorostiza. Evidentemente este término ha pasado por distintos significados en el transcurso de la historia occidental. Es claro que para Gorostiza su carácter es denotativo. Pretendo realizar un análisis literario de la manera en que está articulado el poemario, las relaciones intertextuales que guarda con la tradición literaria en lengua española y los modos en que la construcción formal puede ser tomada como una metaforización de la realidad que al poeta le circunda. Cómo es que los arriesgues formales y sus resultados dan cuenta de la lectura que el poeta hace de su época y de su mundo. Y cómo estas dimensiones se pueden leer bajo el amparo de una concepción de lírica vigente y distinta a la enarbolada por Gorostiza. Clara Irene Armendáriz Armendáriz Instituto Politécnico Nacional de México- UPIICSA Luces y sombras de la historia: la ironía El objetivo primordial de este estudio es señalar las ocasiones en que la ironía se emplea en Los pasos de López (LPL) de Jorge Ibargüengoitia y El seductor de la patria (ESP) de Enrique Serna, para conseguir la desmitificación de los caudillos. Tanto la historia del héroe como la del antihéroe, encierran dentro de sus narraciones ironía verbal e ironía situacional y, muy frecuentemente, la combinación de ambas. La ironía verbal es también llamada intencional o instrumental y en ella se detecta la presencia de un ironista. La ironía situacional u observable, es intencionada y se suscita por algún hecho visible. De estos dos tipos de ironías se desprende toda una gama de matices como la subversión de un hecho histórico conocido por todos; la presentación de una verdad contundente que luego se contradice; la incongruencia; el contraste entre apariencia y realidad; la dualidad en el discurso como en los hechos; la ruptura del sistema y el contraste de valores argumentativos, entre otros. En LPL el uso de la ironía casi siempre va encaminada a la desacralización, deslucimiento o minimización de Periñón-Hidalgo y de los acontecimientos en los que el caudillo se ve involucrado. La novela de Serna también es enormemente irónica, pero contrariamente a lo que sucede en LPL, la mayor parte de la ironía de ESP se encamina a retratar a Santa Anna como a un antihéroe de cuerpo entero. No obstante, en esta novela existen momentos irónicos en los que Serna explica, dramatiza o contextualiza las circunstancias en las que actúa Santa Anna, por lo que su figura aparece menos satanizada y hasta un tanto reivindicada. A estas escenas se refiere principalmente este análisis, a las ocasiones en las que el autor se introduce en el revés del mito establecido del villano. Martha Bátiz
Zuk University of Toronto El teatro de Carmina Narro
La antología titulada "El Nuevo Teatro II", editada por El Milagro en el año 2000, contiene once obras de teatro escritas por jóvenes dramaturgos mexicanos. Entre ellas, aparece publicada "Ay, mi vida, qué tragedia", de la sinaloense Carmina Narro, que se estrenó en el Foro Teatro Contemporáneo el 26 de abril de 1997, bajo la dirección de la misma Narro y con escenografía de Juan José Gurrola. En mi presentación, me propongo analizar esta obra de teatro en contexto con el resto del trabajo de dramaturgia de Narro (quien ha escrito y dirigido sus obras desde 1992, y en mayo de este año presentó su primera ópera y una parte de su trilogía "Químicos para el amor" en el Actor´s Studio de Nueva York), y hablar acerca del tratamiento recurrente del amor y la ironía con que plasma las relaciones humanas, especialmente en la clase media mexicana. En "Ay, mi vida" aparece, además, la fantasía del incesto, que Narro maneja con un sentido del humor rara vez relacionado con este tema, y cuyo tratamiento me propongo analizar con mayor profundidad.
Anadeli Bencomo University of Houston Revisitando/reescribiendo la crónica mexicana contemporánea: Carlos Monsiváis y José Joaquín Blanco En este trabajo analizaré los libros de crónicas más recientes de Carlos Monsiváis (“No sin nosotros”. Los días del terremoto 1985-2005, 2005) y de José Joaquín Blanco (Álbum de pesadillas mexicanas, 2002). La idea es confrontar estas crónicas recientes con el análisis del género, y de estos autores en particular, que desarrollé en mi libro Voces y voceros de la megalópolis. Me interesa entonces revisitar la producción más reciente de estos cronistas a partir de las conclusiones de mi trabajo que hablaban de un cierto declive de un tipo de crónica que tanto Monsiváis como Blanco habían popularizado en las décadas de los 70 y 80. En este sentido, deseo indagar en las temáticas, el estilo y las propuestas que estas dos compilaciones de crónicas están presentando al lector actual y, a la vez, al público familiarizado con la obra de estos dos autores. ¿Son estas crónicas renovadoras de una propuesta anterior?, ¿cómo se articulan estos textos recientes a la panorámica del género en México en las últimas décadas?, ¿cuál es el lugar de la crónica en el campo discursivo mexicano de comienzos de milenio? Estas son algunas de las interrogantes que me llevan a leer estos dos textos y a ubicarlos dentro de una historiografía reciente del género cronístico en México. Gerardo Francisco Bobadilla Encinas Universidad de Sonora La identidad de la máscara en la novela mexicana contemporánea En 1958, Carlos Fuentes publicó La región más transparente, estableciendo la ciudad como un tiempo-espacio simbólico que interactúa y condiciona tensamente los valores y las dinámicas de significación del mexicano contemporáneo. La prefiguración artística de esta entidad simbólica detona y revela la imagen ética y estética de la identidad de la máscara que subyace al proceso de significación de la cultura mexicana. Por lo anterior, a partir del análisis de textos concretos, con el presente trabajo se busca dar seguimiento a las diversas realizaciones novelescas que ha tenido la identidad de la máscara dentro de la tradición narrativa mexicana, como un motivo e imagen poética recurrente. Juan Bruce-Novoa University of California- Irvine Esther Seligson: la fuente
onírica Desde su primera novela, Otros son los sueños (1973), Esther Seligson se ha convertido en una de las autoras mexicanas más consistentes en su producción y calidad de su ficción. Esta ponencia propone el análisis de su primera novela para identificar las relaciones generacionales que aparecen y las características de su proyecto intelectual que establecen la base de su carrera. Resalta de su primera novela un afán de crear la sensación de la fluidez, de lo flotante tanto en el ambiente como en los personajes mismos. Con esta falta de solidez que infecta e informa todo, aun la voz narrativa, la autora declara sus relaciones con los artistas y escritores de la Ruptura, como explicaré. Gerardo Bustamante Universidad Nacional Autónoma de México Este tiempo clausurado que no me pertenece… Los años falsos Josefina Vicens Josefina Vicens es una de las autoras mexicanas del Siglo XX que a lo largo de su carrera permaneció al margen de cualquier grupo o generación literaria, sin embargo su reducida obra narrativa deja en claro sus preocupaciones temáticas: la forma de vida de la clase media de la ciudad de México después de la década de los cincuenta; el papel de la educación masculina-femenina, las exigencias sociales y de género, así como la hegemonía del sexo masculino a nivel familiar y social; todas estas problemáticas aparecen en su novela Los años falsos (1982). A lo largo de este trabajo aplico el concepto de patriarcado y oposiciones binarias (Butler) a una sociedad que se dedica a crear mujeres y hombres arquetipos que reproducen modos de vida –impuestos o aprendidos–. La asignación cultural de los roles de género en la novela de Vicens no es cuestionada por los personajes, aunque inconscientemente se presente como un no deseo y un displacer que desemboca en la frustración. Me interesa particularmente señalar que la función de las mujeres –la madre, en este caso–, consiste en ser la que “asigna” al varón las responsabilidades y libertades masculinas, contribuyendo de este modo a una educación machista que se continúa. Mario Calderón Benemérita Universidad Autónoma de Puebla El nombre propio en la narrativa mexicana Un aspecto que no ha sido estudiado en la literatura mexicana es el nombre de los personajes, que se constituye como símbolo y crea polisemia al establecerse coincidencia entre su significado y la función que desempeña en el discurso narrativo. Este recurso, que ha sido utilizado para tornar el texto más artístico, empleado en México desde Don Catrín de la Fachenda de Fernández de Lizardi y la novela de folletín del siglo XIX ha determinado un carácter y una situación social para facilitar la lectura. Durante el siglo XX, este recurso fue utilizado por la mayoría de los grandes narradores, ente ellos Juan Rulfo, Juan García Ponce y Jorge Ibargüengoitia. Otro aspecto interesante, digno de reflexión, es la coincidencia del significado del nombre de algunos escritores con la temática de su obra y su personalidad como narradores. Algunos ejemplos son Mariano Azuela, cuyo significado de nombre y apellido es “hombre marcial que asola”, escritor de la más popular novela de la revolución, Los de abajo, y José Revueltas, que significa “acrecentador de revueltas o motines” y que es un narrador que creyó siempre en la narrativa de compromiso social para despertar la conciencia del pueblo y promover luchas para obtener la justicia social. Cristina
Carrasco University of Texas at Austin La influencia de Sergio Pitol en la literatura española reciente El
gran escritor mexicano Sergio Pitol publica recientemente El
mago de Viena (2005), el tercer volumen de sus memorias
noveladas. Aquí menciona y alaba a escritores jóvenes como Mario
Bellatin, Cesar Aira o Enrique Vila-Matas. En
este ensayo me propongo analizar la influencia de Sergio Pitol en la
literatura peninsular del momento, en particular en la obra del
escritor catalán Enrique Vila-Matas para mostrar la estrecha relación
literaria que existe en la actualidad entre España e Hispanoamérica.
Vila-Matas comenta en muchas ocasiones que se siente más cercano a
la tradición de la literatura hispanoamericana que a la española
ya que su literatura posee una libertad creativa más propia de
escritores hispanoamericanos que españoles. En
este trabajo me referiré en particular al juego autobiográfico que
ambos autores llevan a cabo en obras como El
mago de Viena y París no
se acaba nunca (2003), donde el escritor barcelonés narra sus años
de aprendizaje en París. Maria
Cavazos University of Texas at Austin Análisis literario de dos
obras de la literatura infantil y juvenil: La
peor señora del mundo y La
fórmula del doctor Funes, de Francisco Hinojosa Dentro de la literatura
infantil y juvenil en México nos encontramos ya con un gran número
de autores dedicados a la producción de la narrativa infantil.
Encontramos también un sinnúmero de panorámicas del género. Uno
de mis autores favoritos es Francisco Hinojosa, autor de poesía,
cuento, novela y además autor de literatura infantil. Es mi intención
hacer un análisis literario de dos textos de Francisco Hinojosa, La
peor señora del mundo y La
fórmula del doctor Funes, examinando las relaciones de poder no
sólo como represor sino también como productor de la verdad. El
primero, La peor señora del
mundo, es un libro “para los que están aprendiendo a leer”
en donde la narración nos pone de lleno en el problema que un
colectivo, un pueblo norteño, tiene que solucionar: combatir a la
señora “más malvada de las malvadas”. El segundo libro, La
fórmula del doctor Funes, y que es “para los que leen bien”
nos lleva por una narración fantástica hacia la búsqueda de la fórmula
de la eterna juventud. Para el análisis de ambas obras usaré básicamente,
pero no exclusivamente, las teorías de Michael Foucault. Hilda Chacón Nazareth College Género
y sexualidad en La hermana secreta de Angélica María de
Luis Zapata Mi
ponencia analiza la propuesta de género y de sexualidad en la
novela La hermana secreta de Angélica María (1988) del
escritor mexicano Luis Zapata. Con el característico humor que
distingue a su narrativa, Zapata presenta en este texto un profundo
cuestionamiento de los roles de género y de sexualidad aceptados
como “normales” por la sociedad mexicana contemporánea. Esta
obra destaca el papel de los medios de comunicación en la
articulación de los roles de género, y ridiculiza los
comportamientos sexuales que todos damos por “aceptables”. Jon
Ward afirma en su artículo “The Nature of Heterosexuality”
(1987) que el concepto de “naturalidad” con respecto a la
sexualidad y a los roles de género, ha sido un constructo cultural
que se ha modificado a través de la historia. En
El nuevo arte de amar. Usos y costumbres sexuales en México
(1994) el periodista y crítico cultural mexicano, Carlos Monsiváis,
asegura que en el México “moderno” o contemporáneo, “…en
lo básico, y ya incluso en las zonas rurales, la vida sexual
corresponde de lleno al ámbito secular” (170). Es en esta nueva
nación secularizada, como afirma Monsiváis, en la cual los roles
de género que antes patrocinaba la iglesia católica, son ahora
difundidos por los medios de comunicación masiva en un proceso,
lleno de contradicciones –según el análisis que propongo. En
este texto, Zapata hace un llamado al análisis de la moral sexual y
a las prácticas de género difundidas por los medios de comunicación
masiva. Mi trabajo propone que los medios electrónicos se
convierten en la nueva autoridad normalizadora de la sexualidad y de
los roles de género en la sociedad mexicana secular contemporánea,
y esta premisa aparece en el texto de Zapata de una manera más bien
conflictiva y contradictoria. Fidel Chávez
Pérez Instituto Tecnológico de Monterrey Las revelaciones del cuerpo en
dos novelas de Margo Glantz: Apariciones
y El rastro En este trabajo se analiza el acto de escritura como un tema recurrente en ambas novelas. En Apariciones se enfatiza en la presencia del cuerpo dentro de un juego discursivo entre lo carnal y lo espiritual. Se analizan los dos espacios íntimos que surgen del deseo de escribir, de las visiones o apariciones sobre la vida de una monja que entrega su cuerpo a Cristo y una mujer que entrega su cuerpo al amante. Dos formas de amor, dos revelaciones del cuerpo en el cuerpo de la escritura. En El rastro se analiza el significado de la muerte del cuerpo cuando el corazón deja de latir. Nora García recupera el pasado a través de la mirada, el recuerdo y la memoria en un ejercicio donde se funden el ensayo y la novela. El arte, la música, la literatura como parte esencial de los momentos vividos adquiere sentido frente al cuerpo exangüe de Juan y en el espacio de la escritura que se identifica en tres pasajes del texto, como parte de la historia que se está escribiendo. Irma Chávez-Robinson University of Nebraska at Lincoln Dos
mundos conectados en El libro de los pájaros de Alberto
Blanco Una
vez se le preguntó al gran maestro Hiakajo sobre su definición del
Zen, y contestó: “si tienes hambre, come, si estas cansado
descansa y si tienes sueño duerme”. Y el alumno dijo: “Maestro,
¿no es esto lo que todo el mundo hace; no es esto lo que tú haces?”
Y Hiakajo dijo: “Oh no, esto no es lo que hacen, cuando tienen
hambre no sólo comen, sino que piensan toda clase de cosas; cuando
están cansados no sólo descansan y duermen, sino que sueñan toda
variedad de sueños”. En
este estudio, trabajaré con El libro de los pájaros (1990),
y haré uso de los conocimientos de la filosofía china y del
Budismo Zen para plantear el equilibrio que existe entre el poeta místico
y la naturaleza. Utilizaré las palabras antípodas que a simple
vista dan un aspecto de dualidad y que el poeta relaciona con el yin
– yang. Blanco inunda su poesía con palabras antagónicas para
probar la armonía que existe en el universo. Además, muestra a
través de estos antónimos que nada está separado y que todo forma
parte de algo más Grande. Para
mostrar lo antes mencionado, he seleccionado los poemas “Los
pericos”, “Los búhos”, “El cormorán”, “La golondrina”,
“Los petirrojos”, “La primavera”, etc. Comienzo con un
recuento histórico sobre el Budismo Zen en el cual Blanco está
inspirado (es gran seguidor). También daré una interpretación del
tiempo que según el Zen es circular, y que se cree que el principio
y el fin del tiempo están situados en el presente. “En el Zen,
tanto como en la realidad nuestra, el único tiempo que
verdaderamente existe es el ahora” (Romano 113). El poeta hace una
reflexión de sí mismo y nos muestra que no está separado de las
cosas naturales sino que son idénticas a él. Y con el lenguaje de
dualidad siempre hay una unión, por medio de una imagen o una
palabra que hace que la dualidad desaparezca y así logra el
equilibrio necesario para obtener la libertad, la ilustración y el
“satori”. M. Isela Chiu De identidades y géneros: La
cresta de Ilión de Cristina Rivera Garza Después de su galardonada obra, Nadie me verá llorar, la escritora mexicana, Cristina Después de su Rivera Garza continúa cosechando elogios tras la publicación de su novela, La cresta de Ilión, publicada por Tusquets Editores en marzo del 2002. La trama de la obra, si es que entra dentro del concepto de trama, es la historia de un hombre que recibe en su casa a dos mujeres misteriosas e inasibles quienes al pasar el tiempo siembran en él la incertidumbre de su realidad y su identidad. Conforme ellas se apoderan de su espacio, el hombre entra poco a poco en un proceso de cuestionamiento de sus huéspedes y de sí mismo. La riqueza lingüística de la prosa de Rivera Garza describe un ambiente en el que se borra la línea entre realidad y fantasía, entre muerte y vida, un ambiente que cuestiona hasta lo más íntimo del ser. Según la escritora, lo que le interesaba “era explorar nuevas estrategias y establecer ese diálogo con la obra de la escritora Amparo Dávila” cuyo nombre lleva una de las personajes. En
este estudio trataremos de analizar esas nuevas estrategias que
Rivera Garza utiliza para crear ese mundo tan intangible y cambiante
como las identidades de sus personajes. Lola Colomina-Garrigós College of Charleston
La lucha por el espacio de la enunciación en El seductor de la patria de Enrique Serna Por medio de su formato epistolar, El seductor de la patria (1999) de Enrique Serna, usa diversas estrategias discursivas que intentan legitimar las intervenciones de cada uno de los narradores dentro del relato. La novela se concentra fundamentalmente en el proceso de escritura y reescritura que sufren las memorias del dictador decimonónico mexicano Antonio López de Santa Anna a manos de tres personajes que, a su vez, son narradores: el principal narrador y autor de sus memorias, Santa Anna; el ex coronel, secretario y transcriptor de las memorias del ex dictador, Manuel María Jiménez; y el hijo de Santa Anna y biógrafo oficial de dichas memorias, Manuel. Común a todos estos narradores será su intento por legitimar y validar su versión histórica particular y por conseguirse así un lugar en la enunciación. Sin embargo, la yuxtaposición de las distintas versiones históricas así como una serie de recursos retóricos de que se valen los narradores en sus discursos respectivos delatan un interés particular que acabará desautorizándolos. La ponencia analizará las diferentes estrategias de legitimación y verosimilitud de la autoridad discursiva en esta reciente novela de Serna y cómo dichas estrategias discursivas sirven para reincidir en la carga de parcialidad implícita en todo texto historiográfico. Elizabeth
Corral Universidad Veracruzana Alberto
Chimal o la Encarnación de lo Imaginario Como cultivador de la narración fantástica, Alberto Chimal crea universos verosímiles partiendo de los elementos del mundo que todos conocemos y palpamos, ése que se contempla en los espejos, para arribar a realidades alternas perturbadoras. Extrae gran parte de su obra de la imaginación más pura, y hacia ella nos invita: lugares donde las piedras hieren a voluntad y las estaciones prodigan alegría con toda intención, es de ese modo que (adoptando para su trabajo las palabras de Roland Barthes): “marca el campo de una verosimilitud que develaría lo posible en el mismo momento en que lo designaría como falso” Paula Dejanon Bonilla e Ilana Marek Broid Universidad Iberoamericana Poesía visual: Huella, Imagen y Memoria Dentro
del marco de la poesía se encuentra un terreno casi inexplorado: la
poesía visual. Esta apela a la intersección desde diferentes
puntos entre la imagen y la palabra. En esta investigación
trataremos de dar cuenta de un grupo de poetas visuales
experimentales mexicanos, que recorren estas intertextualidades
desde la rememoración como huella visual expuesta tanto por la
imagen como por la palabra. Tenemos así a Raúl Renán, Jesús Arellano y Víctor Toledo, poetas de diferentes generaciones y con propuestas artísticas que nos permiten establecer vínculos de permanencia y de reconfiguración del tiempo como fragmento y como transcurrir discursivo. Lidia Díaz The University of Texas at Brownsville El humor desacralizador en la literatura infantil mexicana contemporánea El humor, más que cualquier otro instrumento al servicio del escritor, se constituye en un poderoso recurso cuando se quiere decir algo ya dicho, pero de manera diferente. La presente propuesta intenta reflexionar sobre ese decir diferente, construido en el entramado de un discurso paródico e iconoclasta, que parte de la lectura de algunos textos de la literatura infantil mexicana contemporánea que actualizan situaciones y personajes de la literatura infantil universal, desacralizándolos mediante el eficaz mecanismo del cuestionamiento humorístico. Estas versiones que modernizan protagonistas y vicisitudes de los cuentos de origen popular del acervo tradicional, se plantean una recreación de los textos originales a través de un operativo jocoso e irreverente que ofrece lecturas alternativas La función transgresora se construye, entonces, agenciada por la libertad provocadora de un humor insurgente; un humor que establece otras reglas del juego con el sustrato de los cuentos tradicionales, como una manera de reinventar su urdidumbre invitando al lector a la fiesta de una lectura particularmente cuestionadora. El humor instaura en la reelaboración de estos textos nuevas posibilidades de interpretación, creando espacios desprejuiciados y locuras escriturales, barriendo muchas veces con trillados lirismos y alentando, a través de las relaciones intertextuales de la parodia, que el texto se abra a una relectura de las convenciones. Magda Díaz y Morales Universidad Veracruzana
El relato especular en la narrativa de Juan García Ponce
En la narrativa de Juan García Ponce, reiteradamente, confluyen dos géneros artísticos propios de la llamada mise en abyme: la literatura y la pintura. Me interesa trabajar, en esta oportunidad, las conexiones entre la escritura y la imagen y, a través de ellas, cómo puede la imagen representar el ser del lenguaje y la escritura representar al ser de la imagen. Rosa María Farfán Benemérita Universidad Autónoma de Puebla Acercamientos a la poesía mexicana reciente En el número XXVIII de la revista Alforja, una de las publicaciones más importantes de México dedicadas a la poesía, el joven crítico, narrador y expoeta Heriberto Yépez introduce al paisaje literario nacional el concepto de McPoema. Derivado de la concepción sociológica de la Mcdonalización de la cultura (es decir, de la entrada del neoliberalismo como visión de mundo hegemónica en el arte, el gusto estético y el modo de escribir y entender a la poesía), el McPoema es la constante, según Yépez, de la actual poesía mexicana. La visión del crítico fronterizo supone que en nuestro país se escribe una poesía intrascendente e incluso sostiene que “Después de Paz no se puede escribir poesía en México”. Para Yépez, desde Gorostiza, Octavio Paz, Efraín Huerta y Eduardo Lizalde no hay avance. Todo, más allá de estos poetas, es una tierra baldía y yerma, un territorio estéril donde domina la McPoesía. Pero ¿por qué entonces llamamos poesía a esos versos que actualmente se producen y publican en México? ¿Cuáles son los elementos que permiten lo literario o artístico en la poesía contemporánea? ¿Qué es lo literario en el McPoema? Y finalmente ¿Es válida la noción de McPoesía? En la respuesta a estas interrogantes se centrará mi ponencia. Guadalupe Flores Universidad Veracruzana La configuracion de lo femenino en Luis Arturo Ramos En la extensa producción literaria de Luis Arturo Ramos se puede localizar una serie de constantes narrativas que permean a lo largo de sus narraciones: el exilio, basado en la puesta en juego de mundos opuestos, reales e imaginarios, espaciales o temporales que conducen al personaje al enfrentamiento consigo mismo; por lo regular, sus protagonistas son individuos marginados, aislados, cuyo entorno es un reflejo de sus propios miedos, inquietudes y desolación; son figuras sin una vida interior conmensurable con el mundo exterior. Si en su apariencia, maneras, acciones, son sujetos comunes a su época, en su vida interior convergen hacia un solo tipo: el Hombre pronto desilusionado que encuentra la vida repelente y asquerosa y que muere por dentro mucho antes de hacerlo físicamente. Hombres y mujeres se mueven en planos narrativos que hacen percibir la realidad como un juego fantasioso donde lo cotidiano de inmediato salta a la vista. Mujeres que responden a los roles culturalmente establecidos para su género: mujer esposa, madre, hija, amante y aquélla que intenta transgredir el patrón al querer ser Dios. Mujer-madre que carece de un aspecto esencial y necesario en la existencia humana: el amor y la pasión sexual; representa una persona despojada de toda manifestación afectiva, como mujer, como madre y como amiga. La tragedia de la mujer-madre es que ella no ha experimentado en carne propia el ardor del deseo o la emoción del amor, salvo en la locura; nuevamente como una trasgresión de la realidad. Mujer- hija y mujer-amante que, aunque por motivos diferentes convergen en un punto común: la subordinación. Su vida gira en torno al principio de autoridad generador de reacciones diversas, resultado de algo hasta entonces ausente en el asfixiante mundo femenino que las rodea, pero tan poderoso como ellas mismas; para una el contexto familiar y, para la otra, el deseo sexual que despierta. Mujer-Dios viene a superar la dicotomía entre los dos mundos –el visible y el invisible- que yacen en el corazón de la novela de Ramos. Felipe Galván Universidad Autonoma de Puebla/Universidad Iberoamericana Abigael Bohórquez, dramaturgo y poeta, underground y trascendencia Aída Nadi Gambetta Chuk Benemérita Universidad Autónoma de Puebla Victorias y derrotas de Guadalupe Victoria en Victoria (2005) de Eugenio Aguirre El género novela y la historiografía han compartido siempre fronteras lábiles e inestables y han manifestado acuerdos y disensos. Las neonovelas mexicanas son textos literarios singulares, publicados en la segunda mitad del siglo XX y lo que ha transcurrido del siglo XXI que, como textos “segundos” alegorizan y re- alegorizan el texto “primero” de la Historiografía Mexicana (tanto la legitimada de manera oficial como las versiones actuales de los historiadores que la cuestionan ), ofreciendo inéditas versiones críticas de la Historia de México, acudiendo para ello, tanto a las voces vivas acalladas como a las voces de ultratumba, logrando versiones históricas diferentes y alternativas o, al menos, suscitando dudas razonables en la recepción de los lectores. Esta ponencia reflexiona sobre esta problemática histórica y ficcional, en torno a la última novela publicada de Eugenio Aguirre (México D.F., 1944), que se intitula Victoria (Joaquín Mortiz, México, 2005). Esta seductora neonovela de quien ha trabajado ya con el tema de la inscripción de la Historia en la novela – en Gonzalo Guerrero (1980) – biografía la vida del legendario duranguense José Miguel Ramón Adaucto Fernández y Félix (1786 - 1843), más conocido como Guadalupe Victoria, nombre que adoptara en 1814, desde la orfandad de su infancia hasta verlo convertido en el primer presidente de México, en 1824. Eugenio Aguirre pasa revista, con mirada crítica y discurso ágil y trazos de humor negro, a toda la vida militar de insurgente de Victoria, cercado por los celos y la envidia de sus enemigos y a sus aventuras amorosas, pero también a sus sueños, a sus secretos deseos, hasta su muerte solitaria en San Carlos de Perote. La versión histórica alternativa del novelista, en esta extensa novela tetrapartita, rellena los huecos, con su imaginación histórica y novelesca, tal como quiere Ricouer. Además es puesta en interlocución, hábilmente, por el mismo autor, con su nutrida “Bibliografía consultada”, en dos páginas y media, que incluye el Archivo General de la Nación, amén de los agradecimientos a historiadores mexicanos que le auxiliaron en su investigación. Teresita
García Díaz Universidad Veracruzana “Only
Connect”, en El Mago de Viena, de Sergio Pitol Si
cada sujeto es una suma de máscaras, un creador resulta un
coleccionista de innumerables rostros.
En la construcción de sus universos ficticios acude a su
imaginación y a referentes reales para perfilar rasgos faciales,
transmitir emociones, dibujar gestos, intercambiar dicciones, con
sus respectivos maquillajes y disfraces. ¿Qué pasa entonces cuando
un autor decide cobrar presencia en sus propios textos? Para
responderme esta pregunta acudiré a El
Mago de Viena, último libro de La
Trilogía de la Memoria, para intentar un acercamiento a la
creación del temperamento y de la figura del escritor Sergio Pitol,
a través de su memoria, su escritura y su propia autoficción de
Sergio Pitol. Observaré
entre líneas, fragmentos y conjeturas, a ese “Yo” que revisa de
manera explícita, al interior del discurso, algunas de las
relaciones que la autobiografía trama entre sujeto y vida; memoria
y lenguaje. Sin olvidar
que en sus textos todo es intensidad, desmesura, y todo se funde en
esa díada vida y literatura porque todo es todas las cosas.
Todo pudo ser así o pudo ser de muchísimas maneras, o pudo
no ser. En
mi lectura me guiaré por el epígrafe de E. M. Forster que abre el
texto “Only connect…”
a través de los incipit que sostienen la estructura del libro. Gerardo García
Muñoz Southwest Minnesota State University La narrativa del estrangulador en Días de combate
La novela Días de combate (1976) de Paco Ignacio Taibo II, contiene elementos propios del “whodunit” clásico. El más evidente es la solución del enigma y el castigo del criminal. El diario del estrangulador (enmascarado detrás del seudónimo “Cerevro”) narra sus hechos criminales con la finalidad de desafiar a su único lector: el detective Héctor Belascoarán Shayne. “Cerevro” despliega una narrativa que lo emparienta con el tema frecuentado por Rodolfo Usigli en Ensayo de un crimen: el asesinato como una de las bellas artes. Además, los ecos intertextuales entre Días de combate y la novela de Agatha Christie Ten Little Indians (1939) afirman los vasos comunicantes con el modelo clásico. Pedro García-Caro University of Oregon “La
identidad liminar mexicana: manuales de uso” La frontera de cristal de Carlos Fuentes e Instrucciones para cruzar la frontera de Luis Humberto Crosthwaite. Este
ensayo analiza los posicionamientos críticos sobre la frontera
entre México y Estados Unidos de dos colecciones de relatos
recientes. La novela en nueve cuentos La
frontera de cristal (1995) de Carlos Fuentes, investiga de
manera compleja y con múltiples focalizaciones las conflictivas
relaciones étnicas y culturales de la frontera entre Estados Unidos
y México, al tiempo que busca una redefinición de la sociedad
fronteriza mexicana tras el Tratado de Libre Comercio de 1994. Las
historias de Fuentes llevan a cabo una crítica de la renovada
dependencia económica y cultural de Estados Unidos siguiendo las líneas
que ya había apuntado en su ensayo Nuevo
tiempo mexicano, publicado ese mismo año. Inmigrantes,
maquiladoras, y el magnate fronterizo Barroso, conforman las nuevas
dependencias sociales y económicas de un panorama neo-colonial
donde la identidad nacional pasa a percibirse en parte como una
“cultura residual”, siguiendo la definición de Raymond
Williams. Pero mientras esta existencia fronteriza enfatiza la
relación desigual entre los dos países, Fuentes no busca refugio
en esta cultura nacional mexicana residual. La
frontera de cristal
más bien intenta explorar las alianzas y los espacios privados como
lugar de resistencia en el contexto de la creciente homogeneización
cultural. Lo nacional no es, por lo tanto, un discurso renovado de
identidad solidaria o de subversión, sino en parte otra de las dinámicas
de control que la propia cultura neo-colonial fronteriza promueve.
Para el escritor tijuanense Luis Humberto Crosthwaite en Instrucciones
para cruzar la frontera (2002) lo mexicano es sólo en parte una
serie de códigos culturales residuales heredados que dificultan o
impiden el cruce fronterizo. Los elementos cómicos, en este caso,
parodian tanto la obsesión con el “otro lado” como la
implacable labor represiva de las instituciones estatales
estadounidenses. Ambos
escritores rompen con el silencio literario del sur de la frontera
sobre el masivo proceso migratorio mexicano a Estados Unidos con una
revisión satírica de la dependencia mexicana y de las frágiles
relaciones interculturales. Estos textos literarios se sitúan en la
frontera entre Estados Unidos y México, entre lo americano y lo
hispanoamericano, al tiempo que se producen en el campo de la
literatura mexicana. Su estudio cuestiona tanto las limitaciones
administrativas y culturales impuestas por la frontera entre México
y Estados Unidos como las delimitaciones de las disciplinas y
departamentos que pueden adoptarla en su “lista de lectura” y
hacerlas parte de su tradición. Karla González The University of Texas at Austin Madero, el otro: la autopsia de la imagen muerta de un héroe y la reivindicación de un hombre olvidado en la historia Varios han sido los textos que nacen de sucesos importantes dentro de la historia de México, especialmente aquellos que toman de contexto la Revolución de 1910. A casi 100 años del inicio de tan crucial evento, los autores de los últimos años que continuamente recurren a la temática de la Revolución, así como de algunos otros eventos históricos, ahora emplean nuevas estrategias de ficcionalización histórica que cada vez varían más de los conceptos tradicionales del discurso historiográfico. Basando una investigación en la novela Madero, el otro de Ignacio Solares, tengo como fin analizar las características de la ficcionalización histórica en este autor contemporáneo y su interpretación acerca del pasado histórico, su repercusión en el presente, y la importancia de personajes cruciales en el proceso histórico. A través de su novela, Solares hace un acercamiento al personaje de Francisco I. Madero y su intento de no sólo al héroe sino también al hombre. Samuel Gordon Universidad Iberoamericana La
Estrategia Confesional en la Poesía de Enriqueta Ochoa María Enriqueta Ochoa Benavides nació el 2 de mayo de 1928 en Torreón, Coahuila; hija de Macedonio Ochoa ―originario de Guadalajara, Jalisco―, y de Cesárea Benavides, oriunda de Monterrey, Nuevo León. Su obra podría catalogarse, en contra de lo que todas las corrientes formales y estructuralistas estarían dispuestas a aceptar, como una autobiografía poética, puesto que acompaña a casi todos los avatares de su trayectoria vital. Sus amores y temores, las personas y lugares entre los que ha transcurrido su vida, sus arraigos y desarraigos, sus viajes y, más allá de todo ello, su profunda soledad. El presente trabajo revisa algunas de las concepciones teóricas y artísticas en que se fundamenta esta poesía ―revisando la mayor parte de su producción― para hallar las improntas, trayectoria y evolución en una obra muy poco conocida dentro y, naturalmente, casi desconocida fuera de México. Nora Guzmán Instituto Tecnológico de Monterrey El
noreste mexicano frente al Siglo XX. La construcción de su
imaginario en Setenta veces siete de Ricardo Elizondo A
partir de la saga de dos familias, el narrador entrecruza el gran
relato del Porfiriato y de la Revolución Mexicana, con la historia
privada, intima del noreste. El cromatismo, la oralidad y el humor
son cómplices estratégicos para dibujar el discurso de la naciente
Modernidad, así como las marcas de la línea fronteriza y los usos
y costumbres de una sociedad que busca definir su identidad, el
rescate de la patria intima. La
ponencia pretende analizar la narrativa de Elizondo como punto de
partida para la creación de un imaginario representativo del
noreste mexicano. Robert Harland Mississippi State University El
librito rojo de la selva: Don
Durito de la Lacandona, por Subcomandante Marcos El análisis de este libro se enfocará en el uso muy hábil de la figura del Subcomandante Marcos en el cuento folclórico y la “fábula de animales”, para dar voz a su propaganda de una manera entretenida e interesante. Se analizarán sus elementos de parodia, así como se comparará con otros ejemplos de tales historias, tal como las fábulas de Esopo, y obras mas recientes, por ejemplo, La granja de los animales del izquierdista británico Orwell, la epopeya Watership Down de Richard Adams, las parábolas del Nuevo Testamento y hasta los dibujos animados de Hollywood. Octavio Paz hizo una distinción entre los fines de los Zapatistas – efectivamente, los de siempre de la revolución mexicana – y sus métodos ultramodernos. Aquí se ve un ejemplo provocativo de lo que se podría llamar con cierto cuidado literatura “posmoderna”, escrita por uno de los oradores políticos modernos más originales, enigmáticos y excepcionales de la historia reciente de México. Merece consideración no sólo como obra de literatura sino como un folleto político serio a pesar de su estilo superficialmente infantil y chistoso, un libro que ilumina ciertas facetas interesantes del carácter de su escritor. Sandra Lorenzano Universidad Autónoma Metropolitana El alfabeto es la materia del
universo: Memoria y escritura como señas de identidad A partir de la frase de Gershom Scholem sobre la Cábala y su relación con el lenguaje esta propuesta busca trabajar sobre algunos textos vinculados a la experiencia judía en obra de cuatro importantes escritoras mexicanas contemporáneas: Margo Glantz, Esther Seligson, Myriam Moscona y Sabina Berman. La búsqueda de una identidad propia a partir del cruce entre lo judío y lo mexicano las lleva a explorar diversas estrategias de la escritura (la fragmentariedad, el trabajo con otras lenguas, lo poético...), a través, fundamentalmente, del rastreo de las huellas de la memoria tanto individual como familiar y colectiva. Beatriz Loyola El cuerpo femenino como mercancía en la era del neoliberalismo en Demasiado amor, de Sara Sefchovich
América Luna Martínez Universidad Nacional Autónoma del Estado de México/Universidad Iberoamericana Amparo Dávila. La feminidad contrariada La propuesta del siguiente trabajo es tratar de mostrar como el horror que se desarrolla en las narraciones de Amparo Dávila es una forma de manifestar una rebelión a los roles femeninos impuestos por el patriarcado, en una época en que el ser y deber ser de las mujeres estaba predominantemente enfocado a las labores como madres y esposas. Sin embargo, el modelo económico, impulsado por la élite en el poder en la década de los años cincuenta comenzó a requerir de una mayor incorporación femenina al mercado de trabajo. Este contradictorio proceso, despertó un inquietante malestar en las mujeres de esas generaciones, ya que miles de obreras, secretarias, maestras o enfermeras se sintieron las más de las veces imposibilitadas para armonizar sus deberes ancestrales con los roles impuestos por la modernidad.. De ahí el cuestionamiento de escritoras como Amparo Dávila, Inés Arredondo, Enriqueta Ochoa, Rosario Castellanos, quienes desde la narrativa o la lírica abordaron los conflictos femeninos en un mundo cambiante. Por lo que no es extraño encontrar en los cuentos de Dávila, a mujeres, que enloquecen ante la posibilidad de consumar un matrimonio no deseado como ocurre a la Señorita Julia, y a María Camino (protagonista de La celda). La insatisfacción de la vida hogareña lleva a otra personaje, en medio de sus quehaceres domésticos y maternales a recurrir a la violencia, como ocurre en El huésped. Y es de lo que nos ocuparemos en las siguientes líneas. Amparo Dávila, nació en Pinos Altos, Zacatecas en 1928. En su juventud escribió varios libros de poesía: Salmos bajo la luna (1950), Meditaciones a la orilla del sueño (1954), y Perfil de soledades (1954). En 1959, el Fondo de Cultura Económica le publicó Tiempo destrozado, recibiendo elogiosos comentarios de Julio Cortázar y en 1977, Amparo Dávila recibió el Premio Xavier Villaurrutia por su libro Árboles petrificados. Rocío Maciel Universidad Nacional Autónoma de México Memoria de una comunidad en vilo en La Creciente de Armida de la Vara Armida de la Vara Robles es uno de los casos paradigmáticos de mujeres nacidas en provincia en el primer tercio del siglo XX, que terminó su manuscrito en el segundo tercio y que, no fue sino hasta 1979, en la ciudad de México, cuando vio publicada su primera obra. En La Creciente rescata facetas de historia regional, en especial de su pueblo, Opodepe, ubicado en medio del desierto sonorense. Para conseguirlo se basa tanto en su propia memoria como en la historia oral que escuchaba de la gente y también en la historia escrita acerca de la fundación del pueblo, la génesis del nombre, testimonios consignados por misioneros sobre los primeros pobladores, etc. Considero que esta obra resulta relevante en el desarrollo de la literatura mexicana del norte ya que muestra el impacto de la migración y los efectos que provoca en sus pobladores y en las relaciones sociales. En la mayoría de casos migración inevitable, a causa de las cosechas perdidas (sequía) o las fuentes de trabajo locales cerradas (las minas). Además nos permite adentrarnos en el mundo masculino y en el femenino mediante el discurso contrastante década uno. Emilio Gerzaín Manzo Lozano Universidad de Colima Impertinencias de mujer: metáforas de lo femenino en la poesía de Coral Bracho Este trabajo tiene como
intención interpretar el proceso con el que Coral Bracho (México,
1951) construye la imagen de lo femenino en su poesía, a través de
la revisión de los diferentes momentos en su creación literaria
como El
ser que va a morir
y Peces de piel fugaz,
entre otros, para llegar a establecer la visión metafórica de la
mujer, que se nombra en términos de cuerpo, líbido, deseo y
conducen a la construcción de diversas dimensiones en el concepto
‘mujer’. El eje del análisis se realiza desde los postulados de
Paul Ricoeur quien ve implícita la trasgresión y la impertinencia
del lenguaje en la metáfora materializada en una visión
descriptiva a través de la palabra y el texto poético, como un
acto de creación y desdoblamiento referencial de lo que la
humanidad percibe como universo. Ilana Marek Broid y Paula Dejanon Bonilla Universidad Iberoamericana Poesía visual: Huella, Imagen y Memoria Dentro
del marco de la poesía se encuentra un terreno casi inexplorado: la
poesía visual. Esta apela a la intersección desde diferentes
puntos entre la imagen y la palabra. En esta investigación
trataremos de dar cuenta de un grupo de poetas visuales
experimentales mexicanos, que recorren estas intertextualidades
desde la rememoración como huella visual expuesta tanto por la
imagen como por la palabra. Tenemos así a Raúl Renán, Jesús Arellano y Víctor Toledo, poetas de diferentes generaciones y con propuestas artísticas que nos permiten establecer vínculos de permanencia y de reconfiguración del tiempo como fragmento y como transcurrir discursivo. Raquel Mosqueda Rivera Universidad Nacional Autónoma de México En busca de la Generación Diversa: El cuento mexicano en la era Posmoderna ¿Cómo llamar a la generación de cuentistas donde se ubica a autores tan distintos entre sí como Agustín Monsreal, cuyo humor pleno de melancolía contrasta con el humor cruel de Enrique Serna; o a Juan Villoro, quien pone fin al influjo “ondero” e inaugura una nueva narrativa a medio camino entre la nostalgia y el escepticismo; o a Guillermo Samperio que lleva a cabo la nada fácil tarea de hacernos reír de nuestros miedos? ¿Dónde ubicar por ejemplo, los cuentos de Luis Arturo Ramos, signados por la crudeza y el escepticismo? ¿Con qué nombre distinguir también a esa corriente constituida por creadores como Héctor Manjarrez, Francisco Hinojosa y Óscar de la Borbolla, quienes infringen rupturas sistemáticas al discurso e, incluso, a la realidad? En el ámbito de la crítica literaria se ha venido escuchando, cada vez con mayor frecuencia, el uso del término "diversidad" como una suerte de marca distintiva capaz de agrupar a los narradores mexicanos nacidos entre 1940 y 1959. De inmediato surgen diversas interrogantes: ¿qué significa ser diverso?, ¿cuáles son los alcances y límites de esta expresión?, ¿quiénes y de qué manera se integra la diversidad? Frente a tantas cuestiones, concordamos con la propuesta de Luis Arturo Ramos: “Los conceptos de “generación, “época”, “grupo”, tienen mucho de laberinto cuando aparecen aislados de elementos que los definan y ubiquen; el gancho de abordaje cae en el vacío y lo que de este acercamiento resulta se pierde en la ambigüedad y la inconsecuencia. De ahí que desentrañar el problema, o establecer cuando menos el marco referencial que encuadre los ejemplos, los explique ya como causa o como efecto y les imprima su real peso específico, aparece, a estas alturas, como imperativo insoslayable”. Me parece que, de entre los elementos que pueden configurar un cierto "gancho de abordaje", es decir, que pueden dotar de rostro a la diversidad, se encuentra el empleo de signos narrativos característicos de la posmodernidad; me refiero al humor, el erotismo y la violencia. Explorar en qué consisten y cómo se engranan tales factores en la conformación de la "Generación Diversa", constituye la propuesta del presente trabajo. Mario Muñoz Universidad Veracruzana La narrativa de Norma Lazo El tema de la ponencia es la narrativa de la joven escritora veracruzana Norma Lazo. El texto que presentaré constará de cuatro partes. La primera tiene como finalidad resumir el perfil de la autora. En la segunda parte me avoco a comentar su primer libro de cuentos: Noches de la ciudad perdida. La tercera y cuarta partes estarán dedicadas a valorar sus dos novelas: Los creyentes y El dolor es un triangulo equilátero. Osvaldo Ogaz Instituto Chihuahuense de la Cultura Selfa Chew: el discurso de la subalternidad en una poética fronteriza. “No hay en Azogue en la raíz un discurso metafórico paralelo a los avatares sociales sino que (Selfa Chew) los busca y los traspasa porque se halla enraizada en ellos”. Estoy totalmente de acuerdo con la postura de Saúl Ibargoyen en su presentación del poemario mencionado y para complementar su análisis, me propongo analizar esta colección de poemas tomando en cuenta la teoría del “border thinker”, desarrollada por Walter Mignolo. El teórico argentino de la subalternidad define a los border thinkers como aquellos intelectuales que se desplazan entre las comunidades dominantes y las marginadas a fin de generar un proceso de liberación intelectual, económica y social. Los textos de Selfa Chew, emergen desde ese punto nómada de insurrección: la poeta es una pensadora de la frontera quien ubica sus versos en el contexto de la descolonización propuesta por Mignolo. Tras de situarlos, lanza sus textos con la rebeldía de su idiosincrasia en un intento de anular el movimiento global opresor. Existe una multiplicidad de fronteras inherente al espacio histórico y geográfico que ocupa la escritora y un afán de representar a una minoría dentro de otra minoría. Esta toma de conciencia de su subalternidad le permite solidarizarse con otras propuestas anti universales. “A menor extensión mayor comprensión y viceversa”. Desde su visión local, la autora se permite contemplar procesos simultáneos de pos, des y recolonización que producen el discurso de una supuesta posmodernidad ante la cual la poeta no se rinde en nombre propio ni en el de su comunidad. “Nada de estos mundos y de estas fronteras parece resultarle ajeno” a Selfa Chew, afirma Ibargoyen. Sin embargo, la autora (sino-mexico-americana) consigna este pensar íntimo fronterizo para, tal como lo establece Mignolo, desarrollar una poética que, en su sincretismo, intenta invalidar la imposición y la mera existencia de valores universales, sean literarios o sociales. José
Fernando Olascoaga Texas Tech University Complejidad
y ambigüedad en La voluntad del ámbar de Coral Bracho Este
trabajo analiza el uso de los principios de complejidad y ambigüedad
en el poemario La voluntad del ámbar como un recurso estético.
Se examina cómo la autora emplea la complejidad formal a través
del uso libre de las reglas gramaticales y sintácticas, de un
vocabulario culto y de afirmaciones contradictorias o paradójicas.
Este recurso a la complejidad impide una interpretación
lineal y exacta del discurso poético y a la vez abre muchas
interrogantes. La ambigüedad interpretativa del discurso se ve
reforzada por la abundancia de metáforas y analogías que
transmiten y presentan la experiencia interior de la autora a través
de ricas imágenes espacio-temporales y sensoriales de parámetros
indefinidos. Los principios de complejidad y ambigüedad invitan al
espectador-lector a descifrar el contenido de un lenguaje
polivalente en un proceso de descubrimiento continuo e inconcluso. Daniel Orizaga Doguim Universidad Autónoma de Querétaro Un profeta del silencio: la poética de Francisco Cervantes Cantado para nadie semeja la introspección del poeta frente a sus contemporáneos, de la generación alrededor de 1970, en la poesía mexicana. Cuando las tendencias pugnan por la democratización o franca vulgarización de los criterios estéticos en la creación y en la crítica, la voz de Francisco Cervantes confronta y las desafía según los parámetros de la tradición. Encontramos en el autor una forma de agonía, como la propone Harold Bloom, en tanto revaloración artística y ética frente al mundo moderno a través de la literatura canónica. Francisco Cervantes enlaza su propuesta en el periplo que lo lleva al diálogo con otros poetas, especialmente con Fernando Pessoa. La actualización del poeta lusitano propicia la cristalización del sistema poético en el cual se inserta el pensamiento de nuestro escritor: el del movimiento mesiánico conocido como Sebastianismo, la posibilidad de recuperar la gloria histórica del pasado portugués y la instauración del Quinto Imperio anunciado por un nuevo Camoes y las posibilidades de redención del mundo posmoderno. Cantado para nadie (título de la obra completa) recupera la confluencia de voces lejanas aunque presentes en ese discurrir de las imágenes desde Berceo a Vallejo y Paz; de Saint John Perse y el Orfismo, la Poesía Concreta y demás vanguardismos en lengua lusitana. Efrén Ortiz Universidad Veracruzana La Colección Ficción de la Universidad Veracruzana Gabriel García Márquez, Juan García Ponce, Álvaro Mutis, Jaime Sabines, Rosario Castellanos, Rosa Chacel, José Revueltas, Elena Garro constituyen apenas unos cuantos nombres tomados al azar, de escritores que conforman el catálogo de la Colección Ficción, orgullo editorial de la Universidad Veracruzana. Medio siglo atrás, bajo la conducción de Sergio Galindo, nuestra Máxima Casa de Estudios abrió un capítulo de especial relevancia para la cultura latinoamericana, al dar cobijo y difusión a obras y autores que, con el tiempo, se han convertido en paradigma del pensamiento, el arte y la cultura de los países de habla hispana. Por ello, la ponencia invita a colaborar en un proyecto que pondere la importancia de dicha colección, reflexione acerca de la valía de dichos títulos en relación con la producción total de los escritores, describa los temas relevantes, así como su inserción en el tiempo y el medio social que los ve surgir, y que estudie los efectos y el alcance conseguidos respecto del público lector. La Colección Ficción de la Universidad Veracruzana es, a medio siglo de existencia, un importante tema de investigación que estimula el trabajo colectivo e interinstitucional. Su especial valor, su trascendencia, constituyen el mejor ejemplo de impacto de la universidad pública en la sociedad contemporánea. Judith Páez Universidad Veracruzana El doble perfil de Tánatos Las letras mexicanas han dejado atrás los tiempos en que se consideraba al cuento un apéndice de la novela o un sendero, más o menos cierto, para llegar a ésta. Muchos han sido los autores y las obras, los teóricos y los críticos empeñados en forjar un lugar propio al género breve en el mapa literario, y en el trayecto, éste ha recorrido la vasta y diversa geografía nacional. Hoy día, es posible admitir que el cuento, “hendedura de sueño por donde vemos el mundo”, ha acompañado el devenir histórico de este país y, a partir de las últimas décadas del siglo XX, ha logrado ampliar sus horizontes de producción y reconocimiento, con la veta de escritores nacidos o fraguados en el norte y, en especial, en las áreas colindantes con los Estados Unidos, tal es el caso de Rosario San Miguel y Eduardo Antonio Parra, autores de Callejón Sucre y otros relatos y Nadie los vio salir, respectivamente. A partir de los noventa, ambos publican una obra que si bien recupera literariamente los espacios y modos de vida fronterizos, escapa a denominaciones tales como “narrativa del desierto” o “narrativa fronteriza” pues, lejos de caracterizar esta producción, tienden a circunscribir su universo a tópicos geográfico-referenciales, que reflejan muy parcialmente la complejidad identitaria y cultural de los márgenes méxico-estadounidense: en el norte hay un devenir muy distinto al que registra la historia del resto del país; una manera de pensar, de actuar, de sentir y de hablar, derivadas de ese mismo devenir y de la lucha constante contra el medio y contra la cultura de los gringos, extraña y absorbente. Para aludir a la literatura septentrional mexicana, y de San Miguel y Parra en particular, es conveniente tener en cuenta la forma en que las identidades crean representaciones simbólicas que trascienden la convergencia geográfica y evidencian, tanto en la vida como en la literatura, la existencia de vínculos que aportan unidad y sentido de pertenencia a quienes comparten una visión de mundo y se debaten, a diario, entre la mismisidad y la otredad. Max Parra San Diego State University Notas sobre la memoria en Un soplo en río de Héctor Aguilar Camín
Juan Pascual Gay Universidad de Guanajuato Géneros híbridos en Sarta de Abalorios La ponencia versaría sobre este texto de Francisco Segovia, publicado en 2003, por Ediciones sin nombre y Conaculta. Se trata de un libro que es continuación de Abalorios y otras cuentas (1996). En éste, los textos participan de un género híbrido que algo tienen de relato, poema y ensayo; un libro que combina el hallazgo genérico a través de la ironía y el humor. Sigue, en parte, la tradición de Alfonso Reyes, Julio Torri, Octavio Paz y Juan José Arreola. Este género, Francisco Segovia lo ha bautizado como "abalorios"; es decir, joyería de fantasía con la que se puede jugar. Federico Patán Universidad Nacional Autónoma México La cuentística de Daniel Sada Conocido sobre todo como novelista, Daniel Sada (Mexicali, 1953) ha publicado a la fecha cuatro libros de cuentos, uno de los cuales (Registro de causantes, 1992) le valió el premio Xavier Villaurrutia. Por lo tanto, esta ponencia tiene como propósito examinar dicha producción cuentística, adentrándose en los temas que la mueven, las técnicas narrativas que le dan soporte, el tipo de personajes que la habitan, en qué lenguaje se la expresa, agregándose consideraciones como la generación a que pertenece el autor y la variante cultural que lo formó. Alfredo Pérez Pavón Universidad Veracruzana Del orden al caos familiar en La Rueca de Onfalia de Juan Vicente Melo Se muestra cómo el orden familiar burgués de La Rueca de Onfalia, fundamentado en la autoridad del marido, la subordinación de la mujer y la dependencia de los descendientes, se quebró a partir del mal uso del poder patriarcal y de la emergencia de la voluntad femenina para castigar los excesos y equívocos del varón. Dentro de este proceso, además, se observa cómo los vástagos, marginados del centro de poder familiar, se convierten en virus que corroe los cimientos de una estructura planeada para sujetarlos. En fin, se afirma que La Rueca de Onfalia, de Melo, muestra cómo cayó socialmente la familia burguesa mexicana. Helena Pereira Universidade Presbiteriana Mackenzie-Brasil Cultura de massa, fragmentarismo e esvaziamento de sentido na narrativa contemporânea Muitas das narrativas escritas nos últimos decênios na América Latina recriam, ficcionalmente, situações do cotidiano nas metrópoles. Uma das peculiaridades do mundo urbano contemporâneo é a invasão da cultura de massa que, embora já ocorresse desde os anos 50, hoje se intensifica e se multiplica em níveis assustadores. Apresentam-se em boa parte das narrativas recentes tanto os produtos da cultura de massa que podem ser arrolados em campos artísticos, como filmes e músicas, quanto os componentes do mundo da publicidade e da propaganda, como slogans, comerciais de televisão, merchandising e tantas outras formas dessa invasão já impossível de ser contida. Com base em tais considerações, este estudo focaliza elementos da cultura de massa inseridos em algumas narrativas escritas nas décadas 1960-70, de autores como o mexicano José Agustín e os brasileiros Ignacio de Loyola Brandão e Rubem Fonseca. São relatos ficcionais que, embora permeados de referências à cultura de massa e ao mundo do consumo, estão bem longe de reproduzir uma visão ingênua, inteiramente falsa, segundo a qual os bens de consumo contribuiriam para a felicidade de todos. Esses escritores adotam a ironia, a sátira, o fragmentarismo e outros recursos, para proporcionar aos leitores uma visão desencantada e pessimista dos resultados da massificação. Expõem muitas vezes, com fragmentos desconstruídos e quase caóticos, seu inconformismo face à perda de referências e de identidade de indivíduos intensamente expostos ao bombardeio da mídia, para quem os valores estéticos, éticos, religiosos ou políticos não têm mais significado algum. Rodrigo Pereyra Texas A&M University La representación de la mujer y el homosexual en Un mundo Infiel La novela Un mundo Infiel de Julián Herbert, encuentra su originalidad tanto en la técnica narrativa como en los temas de la violencia, el sexo y los sueños, temas poco conocidos y tratados en la novela tradicional mexicana. La novela se caracteriza por presentar en los personajes principales un deseo por encontrarse y entenderse a sí mismos en un juego doble y continuo de realizar y huir de las escenas vividas en sus sueños, escenas acompañadas por una marcada ansiedad, por el terror, por los engaños y por la violencia. Un mundo infiel es a la vez, una obra que perpetúa el binarismo heterosexual homofóbico donde la mujer se objetiviza y el homosexual se presenta como algo enfermizo dentro de un mundo reprimido. En el presente trabajo expongo los momentos de la obra que multiplican estos binarismos analizando cada uno de los personajes victimizados y marginados en un mundo que no logra escapar de la construcción tradicional patriarcal. Genaro J. Pérez Texas Tech University Rastreando a Dante y Beatriz en La obediencia nocturna (1969) de Juan Vicente Melo
Este estudio analiza una miríada de intertextos que incluyen a Dante y Beatriz. Dichos intertextos contribuyen a que la novela se convierta en un tour de force donde varios temas universales se presentan al lector: La búsqueda por un sentido de la vida; la vida intelectual; la locura divina, como lo llamó Sócrates, que afecta al escritor. También es notable el juego de narradores que tejen y destejen el texto convirtiendo la novela en un típico texto posmoderno. Como es de esperar, una novela tan hermética requiere cuidadosas lecturas que desaniman al lector poco sofisticado y amante de novelas decimonónicas. Las obras de Juan Vicente Melo son difíciles de leer y requieren un lector paciente y consciente de la narrativa posmoderna. En el prólogo a La rueca de Onfalia (1996), Guillermo Villar rememora sobre la noche en que un supuesto periodista alababa exageradamente a Melo y Villar le sugirió que hablaran sobre: “. . . Los muros de agua o La obediencia nocturna, por ejemplo. El tipo, mirándome furioso me contestó: “Usted no es otra cosa que un majadero, y no vamos a hablar de esos libros porque son insoportables, traté de leerlos y terminé tirándolos a la basura” El designio del presente estudio es esclarecer y analizar los demonios que Juan Vicente Melo ha desatado en La obediencia nocturna. Janet Pérez Texas Tech University Realismo, Magia y Fantasía en el teatro de Norma Barroso Norma Barroso (nacida en Veracruz en 1964) estudió dirección escénica en la Escuela de Arte Teatral del Instituto Estatal de Música, Teatro y Cinematografía en Leningrado cuando era la antigua URSS. Luego ha participado en el taller de creación dramática de Vicente Leñero y ha seguido diversos cursos con Abraham Oceransky, Eugenio Barba y Ludwig Margules. Como actriz ha participado en varias producciones y además colabora con críticas teatrales y reseñas en diversas revistas y suplementos culturales. Ha dirigido una veintena de obras y ha escrito por lo menos una docena de piezas teatrales, de las cuales ha dicho Vicente Leñero —respecto a las primeras ocho publicadas— que muestra "las exigencias y las posibilidades de una dramaturgia muy seriamente concebida. Es importante: [solapa de Por no ir a Michigan, 2000, de Norma Barroso). Este trabajo se propone estudiar dichas ocho obras de Norma Barroso, casi todas breves, con atención a su uso de recursos como el monólogo o los silencios, como también la presencia de los elementos citados en el título (realismo, magia, fantasía). Se examinarán además los temas repetitivos, aspectos característicos de su lenguaje y otras constantes de su dramaturgia. Guadalupe
Pérez Anzaldo University
of California, Irvine Diáspora
y memoria: las escritoras judíomexicanas y las identidades múltiples En
esta propuesta se analizarán tres novelas enfocadas en la noción
de identidad: Las Genealogías
(1981) de Margo Glantz, La
bobe (1990) de Sabina Berman y Novia
que te vea (1192) de Rosa Nissán.
En dichas novelas autobiográficas, las escritoras recurren a
la memoria para narrar historias y sagas familiares que presentan
una realidad vista desde una perspectiva diferente, a través de la
cual se cuestiona la legitimidad de la autoridad del sujeto
masculino. Al mismo
tiempo, en esta narrativa escrita por ellas, se pone de manifiesto
el conflicto de identidad que surge con la integración de ambas
culturas, en este caso, la mexicana y la judía.
Al re-crear ese pasado perdido en el tiempo logran penetrar
en la tradición fortaleciendo y ‘esparciendo’ tanto su historia
personal como la de los sujetos diaspóricos de herencia judía;
resaltando, por supuesto, la importancia de la participación de la
mujer dentro de la sociedad mexicana.
En esta búsqueda de sus orígenes, ellas no sólo intentan
reafirmar su doble herencia cultural, sino que también desean (re)conocerse
en esa mezcla de signos culturales, múltiples, contradictorios y
cambiantes que, como dice la reconocida dramaturga, poeta, guionista,
directora y novelista Sabina Berman, “les hace partícipes de dos
destinos”. Lorena Piña Instituto Tecnológico de Monterrey La arquitectura estética en El amante de Janis Joplin: ¿Literatura de Narcos? Entre la carne y el espíritu: la bala Las arquitecturas estéticas de los últimos años, han venido a revolucionar el campo de la recepción, dado que el lector tiene un papel mucho más dialéctico, entre él, el autor y las indeterminaciones que el texto mismo presenta. En esta ponencia, se realizará un análisis de la novela de Elmer Mendoza, El amante de Janis Joplin, a la luz de estas propuestas estéticas del lector activo. Un lector modelo y abierto, que sabe construir sus imaginarios sobre las arquitecturas de lo cotidiano, de una realidad que es avasallante, dado que se crea a partir también de las configuraciones de los medios. Se explorará la estética de lo narco, como una nueva realidad y/o mundo posible que se ha creado como una tematización en las literaturas del norte. Elmer Mendoza es uno de los representantes vivos más importantes que construye o reconstruye esta realidad a partir de la ficcionalización literaria. Entre la carne, el espíritu y la bala, la literatura es el puente entre lo imaginarios de la cultura del narco y lo catastrófico que puede ser esta realidad. Sara Poot Herrera University of California-Santa Barbara Frankenstein a la(s) mexicana(s) Un hombre a la medida, antología recién publicada, en la que once escritoras mexicanas nacidas en la década de los años sesenta construyen una imagen del ser hecho —pregunto— ¿a su imagen y semejanza?
Brian Price University of Texas at Austin ¿Los momentos estelares? Reconstruyendo el siglo XIX de México Carlos Monsiváis ha declarado que los momentos estelares de la historia mexicana tienden a ser grandes fracasos. ¿En qué consiste el fracaso? ¿Cuáles son las consecuencias de un fracaso—o múltiples—en la historia de una nación? ¿Qué papel juega el fracaso en la historiografía mexicana? ¿Cómo utilizan el fracaso los escritores mexicanos al reconstruir el pasado? Las narraciones del fracaso cuentan con una larga historia en las letras mexicanas. Incluyen a autores como Alamán, Lizardi, Vasconcelos, Zea, Azuela, Guzmán, Rulfo, Paz y Fuentes, entre otros. Propongo que las narraciones del fracaso son una estrategia retórica que intentan justificar, embellecer, poetizar, explicar, aminorar, exponer o expurgar desaciertos históricos. El presente se ocupa de un estudio de aquellos narradores de ficción que emplean el fracaso en su reconstrucción del siglo XIX. Al aproximarse el segundo centenario de la independencia, la novela histórica tiende cada vez más hacia la génesis de la nación mexicana a partir de sus primeros pasos fallidos en 1810 hasta su culminación violenta en 1910. Presento como ejemplos Los pasos de López (1982) de Jorge Ibargüengoitia, La corte de los ilusos (1995) de Rosa Beltrán, La invasión (2005) de Ignacio Solares, Noticias del imperio (1987) de Fernando del Paso y El seductor de la patria (1999) de Enrique Serna. Analizaré cómo estas novelas constituyen narraciones del fracaso y cuál es el contexto histórico, político y social que los engendra. Veremos que las narraciones del fracaso no ocurren en un vacío sino que participan en debates contemporáneos sobre el significado de la historia en el ámbito contemporáneo. Luis Quintana Universidad Autónoma del Estado de México La narrativa de Federico Patán a través de Bitácora de extravíos La narrativa breve de Federico Patán requiere ser revalorada a la luz de las numerosas aportaciones que brinda en el marco de la literatura mexicana contemporánea. Nos proponemos analizar su obra Bitácora de extravíos y dentro de ésta —de manera particular— los cuentos “Elena”, “Una idea que me vino” y “Demasiado prosaico”. Consideraremos no sólo a los personajes y su idiosincrasia, sino también aquellos elementos que integran el estilo de una obra madura y elaborada con un conocimiento profundo de los recursos que utiliza. Entre estos últimos nos detendremos particularmente en los factores intertextuales, en la historia contada, en el narrador y sus diversas posibilidades, en fin, en todos aquellos aspectos que nos permitan resaltar la riqueza de una producción seria y profunda. Dolores Rangel Georgia Southern University Muñiz-Huberman: neomisticismo,
exilio y memoria en Morada interior Morada interior es una obra que se considera dentro de lo que Muñiz-Huberman llama neomisticismo, ya que aborda el fenómeno místico en conexión con una estética particular. Ética y estética se relacionan a través del eje que es el de la experiencia individual. Este análisis aborda la problemática del misticismo a través del personaje principal, Teresa de Cepeda y Ahumada o Santa Teresa, y los móviles y conflictos que padece como posible conversa. Para ello, utilizaremos como base de argumentación las aproximaciones teóricas que hace la propia autora en El siglo del desencanto y en Las raíces y las ramas respecto a los temas del exilio, la memoria como superviviencia, las raíces judías y el vacío existencial. Jennifer Rathbun Ohio State University Ambivalencias hacia los Estados Unidos en la poesía actual mexicana: Leticia Luna, Armano Alanís Pulido, y Juan Armando Rojas Joo A partir del 11 de septiembre de 2001 los norteamericanos empezaron a cuestionar la mala imagen de los Estados Unidos en el resto del mundo. Alan McPherson en su libro sociopolítico Yankee No, subraya la importancia de este cuestionamiento sobre todo en lo que atañe a las relaciones Estados Unidos - América Latina.. McPherson confirma que cada país latinoamericano demuestra una compleja naturaleza de antiamericanismo y señala la ambivalencia de amor/odio de los latinoamericanos hacia los Estados Unidos. Yankee No se concentra principalmente en Cuba, Panamá y la República Dominicana; sin embargo, si se extiende esta misma línea de investigación o pensamiento a México, el investigador se enfrentará con una vasta gama de sentimientos en contra y a favor de los Estados Unidos prevalecientes en las referencias sociales culturales y literarias. El presente trabajo tiene como propósito analizar estas reacciones en la obra de tres poetas mexicanos nacidos en los años 60, Leticia Luna (1965), Armando Alanís Pulido (1969), y Juan Armando Rojas Joo (1969). Tomás Regalado James Madison University El
cuerpo como signo: erotismo y metaficción en Farabeuf, de
Salvador Elizondo Farabeuf
(1965), de Salvador Elizondo, constituye un ejemplo único en la
tradición narrativa mexicana por la complejidad de su discurso
metaficticio y por su original acercamiento al deseo, el erotismo y
la muerte. Concebida la novela como un inmenso signo hermético e
indescifrable, el cuerpo femenino emerge como metáfora de la
realidad textual en su condición de depositario de enigmas ontológicos
y único espacio narrativo posible. Partiendo de El erotismo
de George Bataille y El laberinto de la soledad de Octavio
Paz, la ponencia repasará las analogías entre cuerpo y texto en Farabeuf:
cómo la celebración de eventos ritualísticos realizados sobre el
primero llegan a convertirse en metáforas del proceso escritural de
la novela. Bladimir Reyes Córdoba Universidad Veracruzana Una aproximación a Estas ruinas que ves de Jorge Ibargüengoitia Hablar de Jorge Ibargüengoitia es hablar de un gran dramaturgo y narrador cuyas presencias narrativas (teatro, novela, cuento y periodismo) representan la crítica a la narrativa de adulación y mentira que el poder y el dinero propiciaron en la literatura mexicana. Además, como dice Juan Villoro: “Ibargüengoitia es un desmitificador de tiempo completo” que buscó los vínculos “entre la alcoba y el poder, los vapores de la cocina y el Palacio Nacional”. “Leer a Ibargüengoitia significa compartir una zona íntima, donde los móviles de los sucesos son a un tiempo caseros y misteriosos: nada tan clandestino como la vida diaria”. En sus novelas utiliza de manera magistral las técnicas de la ironía, la parodia, el humor, el sarcasmo, etc. Y por supuesto detrás de estas técnicas está el crítico implacable que fue. En relación con Estas ruinas que ves, escrita en 1974 y ganadora al año siguiente del Premio Internacional de Novela México. Con esta narración Ibargüengoitia inaugura una entidad imaginaria, “El Plan de Abajo”, que viene siendo su estado natal Guanajuato. El texto se encuentra entre la nostalgia y la ironía, y representa una sucesión festiva y alegre de anécdotas, bajo una atmósfera provinciana. El protagonista y narrador Paco Aldebarán es un hombre que después de vivir mucho tiempo en la capital regresa a su ciudad natal, Cuévano, para hacerse cargo del puesto de profesor de literatura en la universidad. Su relato es la evocación de un intelectual de pueblo con sus parrandas y días de campo, pleitos de cantina y su vinculación con inquietantes mujeres, algunas idealizadas y otras magníficamente carnales. A lo largo de las peripecias amorosas de Paco Aldebarán, en toda la novela encontramos referencias al dinero y enigmas por resolver, lo cual nos lleva al binomio Eros-Enigma como una de las bases argumentales de la novela. El caso de Gloria se presenta como un enigma que sólo admite una solución previsible inventada por Malagón a Paco: la enfermedad del corazón que padece ella, provocará su muerte en el primer orgasmo. Aldebarán ha creído lo que Malagón, ha inventado, a pesar de que en el relato vamos encontrando datos que desacreditan la mentira. Es interesante que el personaje de esta narración no tenga historia, pues no se sabe nada de su infancia, ni de su familia y desde el inicio hasta el final de la novela todo le ocurre en el presente. En la novela en cuestión hallamos una recurrencia temática en torno al erotismo y por lo mismo consideramos importante analizar en el presente trabajo algunos elementos del erotismo y la función que desempeña la ironía en el tratamiento del mismo, lo cual nos permite abordar la narrativa en cuestión de Ibargüengoitia desde una perspectiva que enriquece el análisis literario de su obra.
Óscar
Robles University of Indiana-Bloomington Arte poética y
poeta impersonal en El cardo en la voz (México, 1991) de
Jorge Esquinca Este ensayo analiza el poema
de Esquinca como un arte poética que construye el paradigma
del poeta impersonal, diferente al poeta personal, inspirado y
visionario del romanticismo, que fue retomado por el surrealismo y
sublimado por Pablo Neruda y Octavio Paz en varios de sus
poemas centrales, durante la primera mitad del siglo XX.
En El cardo y la voz, Esquinca crea un hablante poético
impersonal como un reflejo o “eco” de la poesía misma, y la
poesía es una “matriz” primigenia de imágenes de la naturaleza.
Este hablante lírico es casi imperceptible, sin identidad física y
psicológica, contrario al poeta iluminado y al “solitario en
muchedumbre”, protagonista central de la poesía occidental de la
primera mitad del siglo
XX (Paz, La otra voz 42). De este modo, el acto poético como
proceso creador se convierte en una fuente original, transhistórica,
en el poema de Esquinca. Este acto poético constituye lo que Octavio Paz llama
“la otra voz”, “la de allá, la del comienzo”, “la
que se oye con los oídos” (133, 134). En este sentido, El cardo en la voz revela ante todo “las realidades ocultadas y enterradas
por el hombre moderno” (Paz 135, 138). Es la poesía como una
esencia original que existe desde los orígenes de la humanidad. Miguel G. Rodríguez Lozano La cuentística de Patricia Laurent Kullick
Juan Armando Rojas Joo Ohio Wesleyan University La desnudez poética, un acercamiento a la obra de Ricardo Yánez En la última edición de Literatura hispanoamericana, Enrique Anderson Imbert indica algunas voces de la poesía escrita en castellano que deberían de observarse y tomarse muy en cuenta para próximos estudios. Dentro de su estudio panorámico, Anderson Imbert nombra al poeta mexicano Ricardo Yáñez (Guadalajara, 1948). Dicho esto, la propuesta de mi ponencia reside en el estudio de los elementos de la construcción poética de Yáñez, un autor fecundo que ha sido poco estudiado y que en los últimos años ha contribuido con diversos libros a la literatura mexicana, entre ellos: Ni lo que digo, Dejar de ser, Antes del habla, Prosaísmos, Si la llama, Estrella oída y El alfabeto en la neblina. Entre las características de la obra de Ricardo Yáñez que pretendo estudiar resalta su costumbre por expresarse en un lenguaje y un ritmo tan claros como sencillos, revelándose de este modo el intento por transmitir la brevedad y la rapidez con que la poesía se presenta en los momentos cotidianos del ser. En la obra de Yáñez las palabras actúan con brevedad, de una manera casi muda, casi con ganas de no ser y casi dejar de existir, dicho de otro modo, desnudas. Esta desnudez en las palabras, cese de toda complicación lingüística y barroquismo, deviene en un bello canto. Sus versos se forman con soltura y mediante el buen uso de la enunciación y la expresión. Las pausas, cesuras y la reproducción o congelamiento del “tiempo” se presentan como elementos líricos que logran comunicar la experiencia que Ricardo Yáñez busca transcribir en el poema: CIELO piel extendida de ocelote (Estrella oída, 93) La poesía de Ricardo Yáñez, un brevísimo y bello canto que aparenta no concretarse, sin embargo, ocurre, se da, como diría Gastón Bachelard, en la intuición del instante. Juan J. Rojo Texas Christian University Rojo Amanecer and the
Interpellation of History Following
the student massacre of Tlatelolco on October 2nd 1968
there is a surge of literary production related to the tragic
events. Film production, however, is non-existent with the exception
of a single documentary of which only two copies were known to
exist. Jorge Fons’s
1989 film Rojo Amanecer is the first feature film to deal with Tlatelolco.
This study explores the way in which negativity is used to (re)present
Mexican History. The
film acts as a visual record of the experience of a family beginning
the day of the student massacre in Tlatelolco and concluding the
morning after. They are
witnesses to the events that unfold outside their window.
The audience, however, is only a witness to their witnessing
of said events, making the protagonists interpellators of the
history of Tlatelolco. With
their death, the opportunity the audience has to access the
historical record is symbolically terminated.
The lone survivor is a little boy who beyond not being fully
aware of the events, is in hiding during the climax of the film in
which the audience finally witnesses an act of violence.
This study examines the way in which the official historical
record in fact interpellates the bodies of the dead of Tlatelolco
and how the film subversively mirrors that discursive operation.
Alicia Rueda
Acedo University of Texas at Arlington Lola
Álvarez Bravo. Los últimos
fogonazos de la Revolución: la entrevista como crónica y
testimonio de México y “sus mujeres” Esta
entrevista incluida en el Tomo II de Todo
México y realizada a la fotógrafa mexicana Dolores Álvarez
Bravo en 1977, es una crónica del México que más atrae a
Poniatowska y que más refleja en su obra: el México de los años
veinte, treinta y cuarenta; ese México “útil, fértil, acogedor”
(57) en palabras de la entrevistada. En esta entrevista, Dolores Álvarez
Bravo, México y sus mujeres son los auténticos protagonistas, ya
que Poniatowska se convierte en una entrevistadora ausente, que
dirige y coordina la conversación pero que se diluye para que prime
el testimonio y la crónica de México en boca de Álvarez Bravo. En
este trabajo consideraré esta entrevista de Poniatowska como género
literario y como texto gestante de futuras obras tales como Las
siete cabritas. Ignacio
Ruiz-Pérez University of Texas at Arlington Geografía
de la nueva poesía chiapaneca (1985-2005) Los poetas nacidos en Chiapas entre 1920 y 1930 —Rosario Castellanos, Jaime Sabines, Juan Bañuelos, Daniel Robles Sasso, Óscar Oliva y Eraclio Zepeda— encuentran sucesión en las obras de cinco autores: Elva Macías (1944), Raúl Garduño (1945-1980), Joaquín Vázquez Aguilar (1947-1994), Óscar Wong (1948) y Efraín Bartolomé (1950). Después de los experimentos neo-vanguardistas de Garduño y Vázquez Aguilar; del retorno (o mirada nostálgica) de la imagen del poeta como vate en buena parte de la poesía de Bartolomé; y de la búsqueda una erótica verbal y minimalista de Wong y Macías, los nuevos poetas chiapanecos (1960-1970) exploran filones estéticos que van de las rizomáticas explosiones verbales de la poesía neobarroca, a la creación de espacios utópicos y/o de emblemas tributarios de la tradición hermética barroca; mientras otros, en cambio, continúan con una poesía conversacional más cercana a la practicada por Jaime Sabines. Mi trabajo se propone realizar una suerte de geografía de la nueva y novísima poesía chiapaneca. El trabajo considera las obras de autores como Marirrós Bonifaz (1957), Roberto Rico (1960), Gustavo Ruiz Pascacio (1963), Carlos Gutiérrez Alfonso (1964), Marco Fonz (1965) y Luis Arturo Guichard (1973), entre otros. Adriana Sáenz Valadez Instituto Tecnológico de Monterrey Josefina Vicens finge la voz para abrirse camino a través del mundo y sólo así puede ganarse un espacio en un mundo literario, predominado, elegido y construido por el mundo patriarcal. Su escritura comprueba que la sexualización textual es sólo un recurso literario que permite al hombre moderno sentirse incluido y a la mujer actual, capaz de ser ella la protagonista de nuestro acontecer literario. La escritura de Vicens es una propuesta incluyente, una propuesta que cuestiona la soledad en la que viven ambos géneros en este siglo XX. Jesús Salas-Elorza Bloomsburg University Sergio Pitol: ¿El mago de la hipernarrativa mexicana? En el ensayo titulado “¿Un Ars Poetica?” Pitol señala que lo que caracteriza a su obra es que las historias “debe[n] contarse y recontarse desde ángulos distintos y en ella[s] cada capítulo tiene la función de adoptar nuevos elementos a la trama y, a la vez, desdibujar y contradecir el bosquejo que los precedentes han establecido. Una especie de tejido de Penélope que se hace y deshace sin cesar, donde una trama contiene el germen de otra que a su vez llevará a otra”. Este planteamiento sobre lo que constituye su narrativa, lleva a corroborar que ésta, vista en textos individuales y en su conjunto, se caracteriza por estar constituida por una serie de redes dinámicas de conexiones y enlaces, dando como resultado en un conjunto de narraciones que son, según Vila-Matas “consecuencia y prefiguración de obras anteriores o futuras”. Por sus características de carpintería también son narrativas antilineares, fragmentadas, pero con una inagotable capacidad de conectividad, variabilidad y flexibilidad. Y son, tan mutables como también es mutable la interpretación de los lectores. Este tipo de narrativas son hipernarrativas (también catalogadas como hipertextos dentro de la jerga literaria). Para llegar a describir y definir lo que para mí constituye la hipernarrativa de Pitol, partiré de un recuento general de la genealogía de su obra. Después, hablaré brevemente sobre el desarrollo de las prácticas de lectura sugeridas en la obra de Pitol que encuentran resonancias en la práctica de lectura de hipernarrativas. En tercer lugar, expondré las relaciones entre el autor, sus obras y los lectores. Para cerrar mi exposición, discutiré la afinidad entre la hipernarrativa y las prácticas de producción textual y la manera en que la narrativa pitoliana ha llegado a modificar la manera en que se producen narrativas. Margarita Salazar Universidad Autónoma de Ciudad Juárez ¿Un teatro social en Ciudad Juárez? Ciudad Juárez por su característica de frontera, y como cualquier comunidad, está compuesta de diversos grupos que conforman su estructura. La ciudad ha crecido doce veces en cuatro décadas, crecimiento que se ha dado con cierto desorden. “El crecimiento acelerado de la ciudad también impacta la capacidad para prevenir el delito”, y el resultado, en su efecto negativo, fue una estructura urbana fragmentada, que repercute en la desigualdad social y espacial. En las décadas de los 80 y de los 90, Ciudad Juárez cobra fama mundial como lugar conflictivo debido a una serie de hechos violentos, entre los que se encuentran feminicidios, narcotráfico, migración, niños en la calle, pandillas de cholos y otros temas recurrentes tanto en la vida diaria como en las notas periodísticas. Además de su propio ambiente social, Ciudad Juárez, tiene una historia dramatúrgica, la cual puede rastrearse desde mediados de siglo. Aunque de forma incipiente, ya entonces encontramos algunas muestras de producción dramática. Durante las dos últimas décadas del siglo XX (1980-2000) se dio un gran movimiento dentro del campo del teatro juarense. El Festival de Teatro de la Ciudad, que se lleva a cabo de forma anual, ha llegado a contar hasta 22 grupos participantes. Uno de los dramaturgos más importantes de la ciudad es Edeberto Galindo Noriega, según la opinión generalizada de la gente del ambiente teatral. Las obras de Galindo corresponden a situaciones sociales de Ciudad Juárez, entre las que se pueden mencionar a El Zurdo, Dios en disputa, El señor Peña, Puente Negro y Lomas de Poleo, entre otras. Además, la obra de Galindo es la más extensa de esta frontera, en cuanto a teatro se refiere, presenta marcas de estilo que le dan unidad a su escritura, entre las que se encuentran las referencias locales reflejadas en su teatro, el planteamiento realista y el lenguaje y otros aspectos técnicos propios de la escritura estética. De sus obras se desprenden referentes sociales explícitos, los cuales son los antecedentes propiciatorios de estos tres textos. Esas exposiciones referenciales, nos remiten a sucesos locales que Galindo toma, transforma y plasma en discursos que pertenecen al quehacer dramático. Hilda Saray Gómez González Universidad Iberoamericana Identidades híbridas y dramaturgia mexicana contemporánea. Diatriba rústica para faraones muertos y El cielo en la piel. La identidad nacional forma parte de los tópicos que recurrentemente aborda la crítica tanto artística como política en México. La intención de la presente ponencia es analizar la manera en cómo este concepto se plantea en sendas obras dramáticas de dos jóvenes autores contemporáneos. Se trata de Diatriba rústica para faraones muertos, de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio y El cielo en la piel, de Edgar Chías. Ambas obras están publicadas y son de la autoría de dos jóvenes dramaturgos que han obtenido premios y sus obras se han llevado a escena tanto en México como en el extranjero. Diatriba… y El cielo… plantean asuntos claves en la cultura mexicana contemporánea. Asuntos que lo mismo se discuten como tópicos en el panorama político que son tema de análisis sociales. La familia, la identidad de género, la inserción social de los personajes son asuntos que nos hablan de cómo estos dramaturgos se han apartado de las corrientes costumbristas y realistas para aportar una visión descarnada, políticamente incorrecta a veces, crítica siempre, del entorno social que ha prohijado la desigualdad social en México y ha puesto en crisis el aparato de valores sociales y los términos de la identidad nacional que el Estado mexicano se había dedicado a cultivar desde el triunfo de la Revolución. Para la sociedad mexicana de los inicios del siglo XXI, los valores sociales han mudado y la presencia de los mensajes a través de los medios han sido definitivos en la conformación de otros patrones de conducta social, estas dos obras se insertan de lleno en esa discusión y a través de los personajes y sus situaciones muestran el cambio en esos parámetros. Aunque no se trata sólo de cambios temáticos o abordajes descarnados de la situación social, sino que sus obras muestran también aportaciones estructurales sobre la forma de escribir teatro, que en el fondo, representan actitudes novedosas sobre la manera en que se concibe el texto dramático frente a la representación y como instrumento de conocimiento y aprehensión de una realidad dada. Verónica
Saunero-Ward New Mexico Highlands University La literatura en el espacio cibernético: una exploración del web log con Cristina Rivera Garza El
blog o el web log definido como “a frequent chronological
publication of personal thoughts and Web links” se ha convertido
en el medio más popular para satisfacer el ansia preformativa que
identifica al habitante de este tercer milenio. En cuestión de
segundos nuestras reflexiones, emociones, deseos están a la vista
de cualquiera que navegue la red. No existen ningún tipo de
fronteras o límites. Inclusive, si se desea corregir o transformar
un texto que se registró en el pasado, se lo puede hacer sin dejar
huella alguna. Por esta increíble accesibilidad, provechosa
utilidad el blog es muy popular entre escritoras y escritores que así
mantienen contacto directo y continuo con un público lector que
también tiene la facilidad de registrar su respuesta inmediatamente
si así lo desea creando la posibilidad de un diálogo instantáneo
y simultáneo.
Una de ellas es Cristina Rivera Garza quien desde el 2003
participa del blog “Un blog propio” iniciado por el Colectivo Línea
y desde el 2004 crea su propio blog “No hay tal lugar”. En este
ensayo me gustaría explorar la cualidad performativa del blog en lo
que respecta a su obra
y discurrir sobre algunos conceptos básicos dentro del universo de
la literatura que exigen una redefinición en su versión cibernética.
Jacobo Sefamí University of California-Irvine Alteridad, memoria y tradición en La morada en el tiempo, de Esther Seligson Originalmente publicada en 1981 (reeditada en una tercera edición, en 2004), la novela La morada en el tiempo, de Esther Seligson, ha recibido escasa crítica, a pesar de su interesante propuesta. En esta ponencia me propongo estudiar la novela a partir del concepto de alteridad, siguiendo las referencias de Emmanuel Levinas, además de observar su capacidad totalizadora de la experiencia judía, abarcando al menos tres planos: los episodios bíblicos, la expulsión de España y el holocausto. Ute Seydel Universidad Nacional Autónoma de México La resignificación de la figura de la Malinche y de los paradigmas de la culpa y traición en la narrativa mexicana En el cuento “La culpa es de
los Tlaxcaltecas”, de Elena Garro, y las novelas Llanto.
Novelas imposibles y La decisión del Capitán, de Carmen
Boullosa y Francesca Gargallo respectivamente, se aborda el contexto
histórico de la Conquista de México. En el cuento de Garro se
fusionan el siglo XVI y el XX, poniendo de relieve que la mujer
siempre está traicionando vínculos de lealtad: en el caso de la
protagonista ocurre la traición, por un lado, en la relación con
su esposo, un hombre de clase media moderno y mestizo, y por el otro,
el vínculo imaginario con el primo-marido, que representa al mundo
indígena negado por la cultura mestiza del siglo XX en el que la
protagonista Pondré en diálogo estas representaciones ficcionales y el imaginario colectivo mexicano en el que persiste, hasta la actualidad, la idea de que la figura de la Malinche se vincula con los conceptos de la culpa y traición femeninas.
Luis Silva Villar Mesa State College (Colorado)
Hasta no verte Jesús mío: testimonios falsos y falsos testimonios
El objetivo de un testimonio debe ser aportar certeza y contribuir a los criterios de verdad que rodean una situación en proceso de evaluación, crítica o análisis. Partiendo de esta premisa se propone que la responsabilidad última del testimonio de Jesusa en Hasta no verte Jesús mío (E. Poniatowska, 1969) no recae en aquella que testimonia, que ni voluntariedad aporta, sino en aquella que toma el testimonio y lo vuelca desordenadamente a la audiencia lectora. El narrador de la obra de Poniatowska, aparentemente la propia testimoniada, carece de control sobre su lengua (como narradora), lo que propicia que el peso de la narración de la testimoniada/ testimoniante acabe en las manos inexpertas de la autora o seudo-Jesusa. Reinhard
Teichmann California Lutheran Universtiy José Agustín
and Mick Jagger: The Sixties Recycled Like the
Rolling Stones, who fan the flames of their supporters with a tour
once a decade or so, José Agustín fans those of his readers at the
same intervals. His
latest offering is Vida con mi viuda, a mélange of many
trends and influences that represents the full flowering of his
sixties pop style and philosophy, amounting to a piece of fiction
that can be dazzling and entertaining though sometimes is less than
profound. Sergio Téllez-Pon Universidad Nacional Autónoma de México La poesía mexicana reciente de tema gay (1980-2005) La poesía con tema gay se ha posicionado rápidamente en prácticamente todo el mundo. En México, la fructífera tradición poética se ha visto enriquecida por la temática gay con nombres como los de Xavier Villaurrutia, Salvador Novo, por citar a los más conocidos, pero también con las poéticas del sonorense Abigael Bohórquez o los jaliscienses Guillermo Fernández y Baudelio Lara, más recientemente. Actualmente, creo vislumbrar, existe un afianzamiento de este tema en la poesía mexicana contemporánea, principalmente en la obra de los poetas más jóvenes. Ellos son: Rodolfo Naró (Tequila, Jalisco, 1961), Gabriel Santander (Ciudad de México, 1961), Luis Armenta Malpica (Ciudad de México, 1961), Enrique López Navarro (Guadalajara, Jalisco, 1962), Juan Carlos Bautista (Chiapas, 1964), Noé Carrillo Martínez (Zacatecas, 1970-Baja California, 2003), Víctor Ortiz Partida (Veracruz, 1970), Luis Felipe Fabre (Ciudad de México, 1974), Mauricio Mehbli (Campeche, 1975), José Landa (Veracruz, 1976), Fernando Flores (Ciudad de México, 1976), Hernán Bravo Varela (Ciudad de México, 1979) y Arturo Ramírez Lara (Chihuahua, 1979). En esta ponencia me propongo mostrar algunos elementos que perduran dentro de la tradición poética con tema gay a lo largo del siglo XX en las letras mexicanas. Del mismo modo, pretendo destacar los rasgos más preponderantes de la actual poesía gay o queer en la obra literaria de cada uno de los autores ya citados, así como exponer su diálogo con otras poéticas queers del continente americano (por ejemplo, con la poesía cubana y argentina por cercanía pero también con la estadounidense por su avasalladora y hegemónica presencia en nuestra cultura). Antón
A. Toursínov Universidad Rafael Landívar de Guatemala Dos temas de la narrativa de
Mario Calderón: el sueño y la mexicanidad Mario Calderón (1951, Timbinal, Guanajuato, México), narrador y poeta mexicano contemporáneo, empezó su arte literaria a partir de la creación de la poesía (Después del sueño, Viaje a la otra parte del mundo, Trueno del temporal entre otros) y en 2001 publicó su primera selección de cuentos Destino y otras ficciones a la que siguió otro libro, Donde el águila se paró (edición de la Universidad Autónoma de Chapingo). En la presente ponencia se analizarán los dos libros de cuentos mencionados: el primero, cuyo eje central es el tema de la vida y del sueño, y el segundo, de profundo lirismo y sentimentalismo, mexicanidad y el sentido del amor hacia su tierra natal, Guanajuato en particular y México en general. El objetivo de la ponencia será, por un lado, presentar estos dos libros de creación narrativa de Mario Calderón como representante de la generación de los 50, y, por el otro, tratar de comprobar a partir del análisis de los cuentos la expresión formal de los dos temas de la narrativa de M. Calderón: el sueño y la mexicanidad. Es necesario tener en cuenta que el autor es partidario pleno de la idea de que “la vida diaria es como una novela, y entonces el hombre tiene que aprender a leerla. Sobre todo desde el lenguaje de los símbolos del inconsciente que ya esbozó Freud, quien a su vez se basó en la asociación por analogía recomendada por Aristóteles” (cit. de una entrevista de M. Calderón) y ha desarrollado sus conceptos analíticos basados en las ideas sicológicas de Freud y Jung sobre los símbolos. Estas ideas desarrolladas por M. Calderón sirven de base no sólo para el análisis y la crítica de su obra literaria (tanto poética como narrativa) sino también para una “simple” lectura. A pesar de que en realidad los cuentos del libro Destino y otras ficciones no están ligados por un tema o eje común, ni por algún personaje en particular que pase de un cuento a otro, ni por su extensión o su tamaño, puede encontrarse un punto de unión: “una dualidad del mundo.., la manifestación latente que es el signo que se nos presenta en la vida, y que guarda en su seno un contenido oculto: oculto, curiosamente, no en un nivel de la vida íntima de los personajes, sino en los elementos que le rodean, como conformadores de su vida en el espacio y en el tiempo...” (según la crítica escrita por R. Prada). El segundo libro de cuentos resulta apasionante por su manejo de temas que van desde el machismo mexicano hasta la migración ilegal (los braceros). Los protagonistas de estos cuentos son gente de todo tipo, como en la vida real, pero de ninguna manera idealizados. A todos los une el nacionalismo del autor, y otra cosa más: todos son de clase humilde, y la mayoría Guanajuatense. Mayela Vallejos-Ramírez Mesa State College Comprar para existir: el paradigma contemporáneo en Compro, luego existo de Guadalupe Loaeza Una
de las inquietudes más grandes del ser humano siempre ha sido
explicarse su existencia. A
través de la historia se han creado teorías y principios filosóficos
para explicarla o justificarla.
La celebre frase de Rene Descartes “Pienso luego existo”
nos plantea un principio filosófico de la época en donde el
conocimiento representaba la base principal de la existencia. Pensar
para existir era propio de un periodo en donde la sociedad
privilegiada estaba preocupada por descubrir nuevos horizontes que
le permitieran controlar su entorno.
No usar la razón era sinónimo de la no existencia.
Guadalupe
Loaeza en su novela Compro,
luego existo plantea una distorsión de la famosa frase para
presentarnos una sociedad decadente que ha perdido la capacidad del
razonamiento lógico y lo ha reemplazado con la robotización
mercantil. Esta novela
explora el papel que juega el consumismo en la sociedad adinerada
mexicana, a la cual ya no le interesa la adquisición del
conocimiento sino la adquisición de bienes materiales para sentirse
amos del universo. Las
personas se reconocen en la medida de lo que poseen o de lo que
aparentan poseer. La
apariencia en la que viven la mantienen gracias a la falsa economía
que les brindan las tarjetas de crédito.
Estos seres humanos están planteados como caricaturas de
seres humanos que se dejaron atrapar por el consumismo propio de una
cultura neocolonialista. Lo
penoso de este mundo es que a pesar de que estas personas son
conscientes de la falsedad que los rodea, son incapaces de salir de
ella porque el materialismo es como una droga que los atrapa y los
deja sin escape. Este
análisis pretende ir un poco más allá del grupo social que nos
presenta la narradora porque consideramos de gran importancia ver
como los tentáculos de ese monstruo también se apoderan de la
clase media que ahora pretende competir con la clase adinerada bajo
los mismos parámetros. La
globalización no distingue entre clases sociales y los daños que
causa a la sociedad son mucho más profundos de los que se pueden
ver a simple vista. ¿Si compro existo? He ahí el paradigma del
siglo veintiuno. Margarita Vargas Buffalo University Amores perros: Al margen de la ley En este trabajo me interesa analizar la intersección entre las leyes eclesiásticas y las leyes civiles en la renombrada película de Alejandro González Iñárritu, Amores Perros. Ya que los personajes de esta cinta se niegan a obedecer las leyes hechas por el hombre, se les somete a la ley divina. La película es una especie de auto sacramental en la cual se presentan personajes con fallas morales que al final reciben un castigo divino por sus pecados. Uno de los pecados capitales cometidos por los personajes es la lujuria, específicamente, adulterio. En el caso de Valeria y Octavio me interesa demostrar que a los dos fornicadores se les castiga mediante la fragmentación y/o mutilación de sus respectivos cuerpos. El otro pecado que se desarrolla es la soberbia (que es, supuestamente, el principal de los pecados capitales) y se manifiesta en la secuencia sobre El Chivo. Se ve tanto en él por su desprecio de sus seres superiores-o sea, a las autoridades mexicanas, ya que esto se considera un "desprecio es injurioso al mismo Dios"-como en los medio hermanos quienes debido a su malsana ambición, se traicionan el uno al otro. Felipe Vásquez Universidad Autónoma de la Ciudad de México Juan Rulfo y la falsa edición crítica La obra y la biografía de Juan Rulfo estuvieron, durante muchos años, sembradas de equívocos. La obra, porque los editores hicieron enmiendas que Rulfo no consideraba pertinentes. La biografía, porque Rulfo mismo dio versiones diferentes de su vida. Pese a ello, la obra editada por el Fondo de Cultura Económica (México) fue siempre estable. Sin embargo la edición de Toda la obra (Colección Archivos, 17) coordinada por Claude Fell, no obstante el trabajo encomiable que significa una labor crítica de esa dimensión, está muy lejos de ser una verdadera edición crítica de la obra rulfiana. Este ensayo muestra algunos equívocos que niegan el valor crítico de esa edición. Víctor
Hugo Vásquez Rentería Universidad Veracruzana De perfil: novela de las cuatro décadas Inserta dentro de esa rica tradición literaria latinoamericana que es la del relato de iniciación, De perfil (1966) novela del narrador mexicano José Agustín (Acapulco, 1944), es también fiel heredera lo mismo de la narrativa norteamericana (Salinger, los Beat, Mark Twain) que del atribulado adolescente goethiano Werther. Cuarenta años después, la segunda novela de José Agustín continúa vigente, más allá de los presagios catástróficos con respecto a lo corta que sería su vida, pero también más acá de los gurúes que con más fruición que argumentos, la quisieron volver un libro de culto. De perfil sigue conservando ese aire rebelde, esa búsqueda inacabable de la identidad, y al adolescente como entidad representativa del individuo inconforme al saberse inserto en un ambiente que no puede eludir pero tampoco cambiar. Instancias que la emparentan con no pocas situaciones de este inicio de siglo y que le confieren la universalidad de toda buena obra literaria. Magali Velasco Universidad Autónoma de Ciudad Juárez Lo
fantástico en la cuentística de dos narradores veracruzanos:
Sergio Galindo y Luis Arturo Ramos Entre
los precursores del cuento mexicano contemporáneo podemos mencionar
al escritor decimonónico y xalapeño José María Roa Bárcena
(1827-1908). Dicho autor es, al mismo tiempo, uno de los
precursores del cuento fantástico en México junto con otros
dos veracruzanos: María Enriqueta Camarillo de Pereyra (1872-1968)
y José Bernardo Couto (1903-1862), autor
de la famosa leyenda: “La mulata de Córdoba”. Así bien,
la presente ponencia se centra en el análisis de algunos cuentos
fantásticos de dos reconocidos escritores originarios del mismo
Estado: Sergio Galindo (1926-1993) y Luis Arturo Ramos (1947).
Con ello se pretende demostrar que el género fantástico ha
encontrado en el cuento su mejor hogar, y que de singular manera, el
cuento de factura veracruzana se ha constituido como canon a seguir
en las letras mexicanas y latinoamericanas. Gloria
Vergara Universidad de Colima Pura López Colomé. Hacia una poética de la identidad El mundo es el escenario
natural de toda criatura. Sin embargo, para que ésta emerja, es
necesario que la luz se apodere del cuerpo como se apodera de las
cosas que despiertan con el despunte de la aurora. Este
despertar como creación, como conciencia y calor, es decir, como
energía, es el entretejido de la representación en el poemario Aurora, de Pura López Colomé. En la presente ponencia,
analizaremos esto a través de las imágenes y las redes metafóricas.
Veremos, básicamente, cómo se construye una poética de la
identidad a través de las relaciones entre el espacio interno y el
externo, en un acercamiento hermenéutico-fenomenológico,
fundamentado en las visiones teóricas de Gastón Bachelard y de
Roman Ingarden. Berenice Villagómez Castillo University of Toronto Registro de un duelo: Nada, nadie de Elena Poniatowska A veinte años del terremoto que sacudió la ciudad de México en 1985, es necesario revisar Nada, nadie: las voces del temblor de Elena Poniatowska que, sin duda, es uno de los libros seminales para entender los movimientos sociales que surgieron a partir de esta tragedia. El texto ha sido analizado con anterioridad desde el punto de vista de la escuela testimonial, y también se ha estudiado el papel del editor que Poniatowska juega. Yo propongo un acercamiento distinto al examinar la manera en que la mutilación del cuerpo físico como tragedia personal invade la esfera pública mediante la denuncia política abierta. Esta evolución de la melancolía al duelo productivo es uno de los aspectos más atractivos del texto. El trabajo de David Eng y David Kazanjian en su libro Loss es una lectura benjaminiana de la melancolía, que combinada con una lectura freudiana del duelo, da paso al concepto de duelo productivo: la labor política del sobreviviente para evitar el olvido –que impulsa el Estado– de aquellos que sucumbieron a la catástrofe. Mi presentación también aborda algunos de los motivos por los cuales el gobierno del presidente Miguel de la Madrid se empeñó en disminuir la magnitud del desastre, así como la respuesta del texto ante el nacionalismo cultural encarnado en los conceptos de bienvenida a la muerte y solidaridad. Georgina Patricia Villegas Aguilar Universidad Iberoamericana Poesía y memoria en cuatro poetas contemporáneos MEMORIA, palabra pasiva y activa, pasada y profética, es palabra comprometida. Integrada de sucesiones temporales (presente, pasado y futuro), casi ninguna de las nociones que sirven para señalarla se ajusta completamente a su significado. En realidad, no es posible dar una definición absoluta de memoria: su desarrollo es una sucesión de tiempos, voces que avanzan, otras que retrasan. Así, no es extraño que una serie de pensadores y artistas reflexionen hoy por eso llamado memoria, un ejercicio que se compromete con la escritura; mas no lo hace sin antes darse plenamente a ese mismo espíritu que se compromete con la palabra. Porque se trata de resignificar las palabras, de reconstruir a partir del desarraigo, una experiencia otra del pensamiento, de la lengua, de la experiencia, del amor, en suma del rescate de la palabra, resignificación del lenguaje que a la vez mantenga la fuerza de la memoria y la escritura. De ahí que este escrito que reúne diversos registros de la poesía y de la memoria haga encuentro con cuatro poetas: Enriqueta Ochoa, Octavio Paz, Jaime Sabines y Raúl Renán; situados en la periferia del pasado, los poetas hacen hablar a la memoria desde experiencias privilegiadas donde el pasado deviene epifanía, luz, himno. Y la nostalgia, anhelada y sufrida a la vez, de algo que existió, y por eso algo que fuimos y seremos para siempre. Rehacer esa memoria será regresar al comienzo: encarnar la memoria comprometida. Carlos Von Son California State University, San Diego Escrilectura en Aura: una visión renovadora de la literatura
Gloria Zaldívar Vallejo Universidad Nacional Autónoma de México Meta-narrativa y Meta-ficción en la obra de María Luisa Puga La narrativa de María Luisa Puga ha sido de gran importancia para las Letras Mexicanas, sobre todo después de su muerte el año pasado. Mi objetivo es presentar una análisis de las principales novelas de esta autora (Cuando el aire es azul, Pánico o peligro, La forma del silencio, Inventar ciudades, Nueve madrugadas y media, y El dolor), donde se aprecia cómo la construcción estética de Puga consistió en lo que críticos como Jonathan Culler, Terry Eagleton, Linda Hutcheon y otros más han percibido en las propuestas literarias de los últimos años: la recurrencia en emplear la meta-narrativa y la meta-ficción para aprehender la realidad en una obra. Mi perspectiva es presentar un panorama de la novelística de María Luisa donde es evidente el empleo de meta-narrativa y meta-ficción. Es notable que Puga se consolidó en nuestra literatura porque se expresó con un estilo muy singular que tiende a la oralidad, lo que le permitió realizar novelas que van construyéndose conforme avanza la trama mediante una reflexión social de lo que ocurre en el entorno presente. Considero que este análisis permitirá acercarse con sencillez a una inquietud que aqueja a varios escritores mexicanos actuales: cómo, de qué manera escribir lo que se vive cotidianamente. Por lo que no es extraño que algunos recurran a describir el mismo acto de escribir mientras se narra (que ya el mismo Cervantes lo practicó en su Don Quijote) y mostrar que no es tan fácil escribir de sí y del mundo. Jorge Zamora Texas Tech University Drácula en las Lomas: el grotesco mexicano en algunas narraciones de Inquieta compañía de Carlos Fuentes Lo grotesco es elemento que a menudo aparece en la narrativa de Carlos Fuentes. Asimismo, lo mexicano y lo fantástico son dos constantes de la prosa fuentesina. Sin ser la excepción, los relatos que conforman esta colección de historias macabras abordan lo que Fuentes ha llamado "el mundo de la segunda realidad" (Carballo 427). Además, las narraciones de Inquieta Compañía visitan varios de los lugares comunes del clásico gótico anglosajón desde una perspectiva netamente mexicana y marcadamente grotesca. Así, a mayor o menor grado, los relatos de Fuentes constituyen un auténtico diálogo intertextual con autores como Stoker y Poe, y son un excelente ejemplo de cómo Fuentes utiliza lo grotesco para presentar su temática. Lo que propone esta ponencia es analizar algunos de los aspectos de dicho intertexto pero, sobre todo, examinar el papel que juega lo grotesco en estas narraciones del decano de las letras mexicanas. Oswaldo Zavala Université de París III, Sorbonne Nouvelle De
México a Mágico: El
lenguaje infinito de Daniel Sada La
aparición de Porque parece
mentira la verdad nunca se sabe en 1999,
insertó a Daniel Sada (Mexicali, 1953) en la tradición de los
novelistas desbordantes, junto al Carlos Fuentes de Terra
Nostra o al Fernando del Paso de José
Trigo. Las seiscientas páginas de la novela de Sada fueron
desafiantes aún para críticos como Christopher Domínguez Michael,
quien saludó la obra confesando su evidente dificultad: “Tenía
que ver la trama de esa palabrería como quien se empeña en mirar
al sol con los ojos. Cuando quedé felizmente enceguecido, las
tinieblas, con otras formas y colores, ocuparon el vacío y apareció
el sentido”. El
presente trabajo analizará la manera en que la prosa sadeana transfigura la realidad mexicana en un país cuya única
fuente es el lenguaje, vivo y potenciado al infinito. Escrita en
alejandrinos, endecasílabos y octosílabos (para honrar de paso la
tradición popular del corrido mexicano y el romance español) la
novela transforma a México en Mágico. Allí, en el remoto pueblo
de Remadrín, se fragua un fraude electoral cuya violenta trama política
se recrudece a cada neologismo, a cada giro verbal insólito que
Sada opera como si el lenguaje fuese barro que cobra vida con el
soplo del autor. El
verbo barroco de esta novela, sin embargo, no encarna en la
historia, como ambicionaba José Lezama Lima. Veremos, en cambio, cómo
el verbo conjugado por Sada se encarna en el espacio alterno del
lenguaje que se aleja del tiempo humano, de su historia y su
cultura. Sada lleva el lenguaje al infinito para inaugurar una nueva
posibilidad en la narrativa mexicana contemporánea: la invención
de un mundo donde las formas y colores de las palabras construyen el
sentido de la más pura experiencia literaria de nuestros días. Para
definir el concepto de “infinito literario” nos acercaremos al
estudio Le livre à venir
de Maurice Blanchot, en el que se observa la radicalización de la
imagen literaria como transgresora de la realidad. La noción del
lenguaje potenciado al infinito estará apoyada igualmente en
algunos ensayos de Michel Foucault sobre la obra Jorge Luis Borges y
de Blanchot mismo. Intentaremos saber, a través de un detallado análisis
textual, hasta qué punto la obra de Sada se aventura en la misma
radicalización transgresora que le permite desplazar un país
entero hacia el imaginario de su prosa experimental y altamente
estilizada. Discutiremos también la importancia de Porque
parece mentira la verdad nunca se sabe en la novelística
latinoamericana del siglo XX para concluir, como han hecho otros,
que su lugar es junto a piezas claves de nuestra tradición: la
obras de Fuentes y Del Paso anteriormente mencionadas, y sus más
obvios precursores, João
Guimarães Rosa con Grande
Sertão: Veredas y José Lezama Lima en Paradiso.
Ask Pete
| Goldmine
| Webmail
| Miner
Pipeline
Site Index | UTEP Search Engines | Feedback Customer Service Statement | State of Texas | Statewide Search | Privacy Policy | Open Records • 500 West University Avenue • El Paso, Texas 79968 • (915) 747-5000 •Send comments to www@utep.edu • Information Technology • March 21, 2002 |