Resúmenes del Sexto Congreso de Literatura Mexicana Contemporánea

Michael Abeyta

Colorado State University

La voz narrativa y el cuerpo en Nen, la inútil de Ignacio Solares

   En la nota al final de su novela Nen, la inútil, Ignacio Solares revela por qué escribió la novela, sobre todo su preocupación por el legado trágico y doble de la conquista de México: "Siempre sentí que nuestra condición de mexicanos implicaba sin remedio una como 'otredad' no resuelta, algo que no queríamos ver, en el sentido que le dan a ese 'ver' de los sicoanalistas." Y de ahí la necesidad de trasladar a la conciencia el "trauma del nacimiento" para "evitar que nos haga una mala jugada." A raíz de la tragedia está la crueldad de ambas culturas, la española y la azteca, lo cual dificulta la reconciliación con el pasado.

   La novela desarrolla el sentido trágico de esta "otredad no resuelta" a través de una alternancia de voces narrativas, focalizadas sobre todo en los pensamientos y experiencias de Nen, una joven azteca vidente, y Felipe, un joven conquistador español. El desdoblamiento de esta alternancia coincide con la llegada de Cortés a México, las noticias de él en Tenochtitlan, el encuentro de Cortés y Moctezuma y termina con la matanza en el Templo Mayor. Los eventos conducen al desencuentro amoroso de los dos personajes que en un sentido se estaban buscando sin darse cuenta.

   En este estudio examino dos modos en que la voz narrativa construye la imagen del cuerpo en la novela: primero, por medio del sueño con y el recuerdo del cuerpo ajeno, en la manera que Nen sueña con los cuerpos de los españoles y cómo Felipe recuerda los cuerpos de otros personajes. Comprobaré que este proceso de encarnación del otro en el sueño y el recuerdo produce y es el efecto del deseo, o dicho de otra manera, representa los cuerpos deseantes de Nen y de Felipe. Segundo, las voces narrativas recrean la experiencia propia de Nen y Felipe dentro del marco del disciplinamiento del cuerpo (en el Calmecac, la disciplina familiar y el entrenamiento militar), y de
los ritos y prácticas crueles. El deseo les conduce a los dos personajes a transgredir normas restrictivas y a cuestionar la crueldad y disciplina de sus comunidades. (En este sentido
examinaremos la analogía entre el cuerpo violado y la ciudad.) También, en ambos casos se produce una ambigüedad y conflicto moral entre la sensualidad y la crueldad.

   En conclusión, las fronteras entre la crueldad y la sensualidad, el miedo y el placer, se vuelven borrosas; mostraremos por medio del análisis dialógico de las voces narrativas cómo se confunden estas fronteras y cómo esta problemática intensifica la tragedia a la vez que conduce al desencuentro entre los personajes y, por ende, entre las dos culturas

Paloma Andrés Ferrer

Université Laval. Québec Canada

La experiencia del dolor en Los años con Laura Díaz, de Carlos Fuentes

   Los personajes de Los años con Laura Díaz de Carlos Fuentes conocen de cerca la experiencia del dolor, sufrimiento externo y mal espiritual. Mi propósito en la comunicación será analizar la experiencia dolorosa a través del personaje de Laura Díaz, la protagonista. El dolor es la muerte que frustra futuros y deja ausencia; es también el amor imposible; las decepciones y la insatisfacción; el esfuerzo por construirse a sí misma y la responsabilidad definitiva en la aventura del vivir. Laura Díaz aprende a través del dolor. Asistimos a lo largo de la lectura de la novela al proceso fascinante que lleva a la protagonista a crearse como persona libre y salvadoramente creativa, vencedora del mal porque lo conoció y lo asumió, asumió incluso la desgracia de los otros, darse al amante último, ayudar a quien sufre, legarse a la nueva juventud, recoger el testimonio de la desgracia que asola el mundo, la furia de la naturaleza, la violencia del hombre.

   Laura entra en contacto con muchos seres que sufren, Juan Francisco, Orlando, Frida, Jorge Maura, Harry, Virginia, Hilda. Una parte de mi ponencia consistirá en estudiar qué formas de sufrimiento experimentan, cómo se enfrentan a él, con valentía o vencimiento, cuál es el final. Me interesará demostrar así mismo cuáles son las vías de aprendizaje que Laura inicia a través del contacto con el dolor ajeno.

   Como parte central de mi trabajo trataré de demostrar la importancia temática del dolor en la novela de Fuentes y cómo este sentimiento o suceso va más allá de la experiencia psicológica individual, vinculándose a la Historia, la gran palestra del dolor humano. Detrás del tema, sustentántolo, hay una particular visión del mundo y de los hechos de los hombres. Hay también un lenguaje propio, un tono, un ritmo estructural y retórico. De todo esto tendrá que dar cuenta mi ponencia.

Scott M. Bennett

University of California, Santa Barbara

La narrativa del Panteón

   Del centro urbano a las afueras regiomontanas de la ciudad de Monterrey, han surgido nuevas voces en la literatura mexicana: las del grupo autodenominado Panteón. Desde los principios de los años noventa, estas voces literarias siguen creciendo con una fuerza que comienza a escucharse aún más allá de las fronteras nacionales. Me gustaría mencionar algunos aspectos de la narrativa del grupo y sus aportaciones —no solamente a la literatura mexicana sino a las
literaturas latinoamericanas y mundiales también. Con el crecimiento y apoyo de casas editoriales como Ediciones Castillo, el Consejo para la Cultura de Nuevo León y el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Nuevo León, las letras neolonesas se han hecho más sólidas en los últimos diez años. Hay una nueva fuerza en la literatura regiomontana y la vida artística de una ciudad que está en pleno apogeo creativo. En medio de este desarrollo literario, el grupo Panteón representa una realidad que está en proceso —de siete escritores regiomontanos que merecen no solamente un estudio crítico sino un reconocimiento de su obra.

   Este breve estudio propone indagar sobre algunos de los aspectos más sobresalientes del grupo, usando como ejemplo la obra narrativa de autores como David Toscana, Eduardo Antonio Parra, Ramón López Castro y Hugo Valdés Manríquez. Después, voy a mencionar algunos de los temas recurrentes en la narrativa del grupo. Por ejemplo, se puede notar el eje geográfico de Monterrey, el espacio urbano y el espacio rural, la historia regiomontana, el norte de México y el fracaso o la desesperación —o como señala David Toscana: “…condiciones que resultan patéticas para el hombre, pero muy saludables para la literatura”.

   Para terminar, voy a dar una definición de “Panteón” y cómo esta palabra está relacionada con el grupo. Este breve estudio va a mostrar que el Panteón se está haciendo más fuerte con el tiempo, no solamente para el bien de sus integrantes como individuos, sino también para la literatura regiomontana actual.

Tomás Bernal

Universidad Autónoma Metropolitana

El gran invento del siglo XX, de Juan José Rodríguez

      El gran invento del siglo XX, del escritor Juan José Rodríguez, nos pinta el paisaje de la tradición y la modernidad del México decimonónico. También de las ilusiones galopantes que creó el progreso como forma de vida material frente a un ambiente de ideas que no estaba acorde con dicho progreso.

      Es un relato donde la velocidad e impacto de los cambios tecnológicos chocan con las costumbres y la mentalidad social de un mundo que se negaba al cambio de sus hábitos.

Rosa Julia Bird

University of Central Oklahoma

Antes del reino de Homero Aridjis Génesis y Apocalipsis o la mujer y la poesía

   Cuando hablamos de poesía mexicana contemporánea hay algunos nombres y versos que ya son lugares comunes en dicho campo. Homero Aridjis con versos como "A veces uno toca un cuerpo y lo despierta..." o "Te amo ahí contra el muro destruido..." es una de esas figuras literarias que, sin lugar a dudas, ocupa un lugar importantísimo en el ámbito de la poesía mexicana de los últimos cuarenta años. Los versos anteriormente mencionados, de dos de los
poemas de su libro Antes del reino (1963, 1966), son apenas el preámbulo de un proyecto poético que "despierta" y "destruye" la concepción mítica de la imagen femenina y de su contraparte: la poesía. En el ensayo "La otra voz" (1989) de Octavio Paz, el poeta concluye: "Si el hombre olvidase a la poesía, se olvidaría de sí mismo. Regresaría al caos original".

   Los poemas de Aridjis que conforma el libro Antes del reino, como ya bien lo prologa el título mismo, son un regreso consciente a ese "caos original" para ensayar un orden que se rige, entre otras cosas, por la exploración del binomio mujer/poesía como ente que principia y concluye o destruye. Para esta ponencia propongo hacer un análisis detallado de las imágenes que definen ese binomio en Antes del reino, y cómo estas imágenes revelan un proyecto poético el cual, sustanciado con una mitología antigua y moderna, exalta el carácter femenino de la creación/destrucción humana/poética.

Martin Boisclair

Université Laval, Quebec

Literatura mexicana de temática homosexual en la posmodernidad

   En México, a partir de los años 60, aparecen con mayor fuerza las temáticas homosexuales en el seno de la literatura, tanto en el ámbito de la novela como en el del cuento. Este auge se debe sin lugar a dudas a los grandes cambios culturales e ideológicos que se produjeron en aquella época en México y en todo el mundo occidental. Ahora bien, lo que me gustaría proponer en mi ponencia es la evolución del corpus relativo a la temática homosexual a partir de la década de los 60 hasta nuestros días, tomando en consideración las distintas ópticas con las cuales se trata la temática: el humor, la frivolidad, el compromiso social, la defensa de los derechos humanos, el libertinaje, la victimación, la culpabilidad, el machismo, la ironía, etc. Asimismo, me gustaría tomar en consideración las técnicas de escritura posmodernas y tratar de ver si aquellas ocupan un papel, si desempeñan una función en cuanto a las posibilidades de tratar la temática homosexual con mayor interés y libertad, pues, las ideas y técnicas de escritura de la posmodernidad (monólogo interior, el testimonio, el cambio de focalizacion, el dialogismo, la pluralidad de puntos de vista, etc.) proponen que los valores universales dejan de existir, que la verdad absoluta y única cede el paso a las verdades en plural, a las verdades subjetivas y relativas, al fragmentarismo, etc., lo cual permite suponer, tal como se verá en la ponencia, un acercamiento distinto para una estética "diferencia." Con el objetivo de efectuar las observaciones nombradas, haré una selección de obras mexicanas (cuentos y novelas) de distintas épocas a partir de los años 60, para luego analizarlas. Este corpus incluirá trabajos de Jorge Ojeda, Luis González de Alba, Luis Zapata, Jorge López Páez, Inés Arredondo, Dolores Plaza, José Rafael Calva, Agustín Monsreal, Enrique Serna, por nombrar solamente algunos.

Martín Camps

University of California, Riverside

Tendencias posmodernas en Madero, el otro de Ignacio Solares

   El ensayo es un acercamiento a las tendencias posmodernas en Madero, el otro (1989) de Ignacio Solares (Ciudad Juárez, 1945), partiendo de los trabajos críticos de Brian McHale (Postmodernist fiction 1987) y Linda Hutcheon (A Poetics of postmodernism1988).

   Madero, el otro refleja un interés por lo paranormal y la infancia, mostrado en obras anteriores de Solares como: Anónimo (1980) y Serafín, El Árbol del deseo y Los Mártires (reunidos por el FCE en 1997) y constituye a su vez una crítica al sistema mexicano desde una reflexión en la historia como en La noche de Ángeles (1991) y El gran elector (1993).

   Madero, el otro implica una revisión del pasado desde una perspectiva “apócrifa”, como señala
Brian McHale: “First, it revises the content of the historical record, often demystifying or debunking the orthodox version of the past. Secondly it revises, indeed transforms, the conventions and norms of historical fiction itself."

   El término de “metaficción historiográfica” resulta útil para emprender un acercamiento a la obra, dice Hutcheon en A poetics of Postmodernism: “Historiographic metafiction asks both
epistemological and ontological questions. How do we know the past (or the present?) What is the ontological status of that past? Of its documents? Of our narratives?” La indeterminación de lo real, que refiere Hutcheon, se demuestra al final de la novela, cuando Solares incluye una nota explicativa con sus fuentes utilizadas y es inevitable la cita de Borges: “esta novela surgió de lo simbólicamente verdadero más que de lo históricamente exacto”. En el epílogo, Solares indica que su intención fue utilizar los escritos espiritistas de Madero como si se tratara de sueños que explicaran su comportamiento. Esta aclaración del autor constituye una técnica posmoderna al
empañar los límites entre la ficción y la historia.

   Por último se refiere el interés de Solares por fabular la historia en novelas como en Nen, la inútil (1995) y Columbus (1995). Solares es fiel a la máxima de Oscar Wilde “The one duty we owe to history is to rewrite it." En su reescritura ha retomado escenas que parodian la historia, pero una parodia no en el sentido de una destrucción del pasado sino como una posibilidad para cuestionar cómo conocemos la historia y qué porcentaje de verdad encierra. A este respecto son por demás útiles las observaciones y conceptos vertidos por Hutcheon en cuanto a las paradojas de la posmodernidad (no either/or sino both/or), la pérdida de centro, la suspensión del juicio y la parodia como una manifestación del recuento de la historia.

Ana Caravantes

Université Laval

La novela de Carlos Fuentes, Los Años con Laura Díaz, vista desde la perspectiva de las teorías feministas

   Desde el origen de la humanidad, la mujer ha sido colocada en una situación notablemente inferior a la del hombre. Por eso nació el feminismo. Carlos Fuentes en su novela Los años con Laura Díaz nos introduce en el mundo íntimo y profundo de las mujeres, sus pensamientos e interrogaciones. Nos hace ser testigos de las dificultades que encuentran las mujeres en un mundo de valores masculinos. Asistimos también a la evolución del personaje que lucha por conseguir su identidad y su independencia. El personaje de Laura Díaz puede ser analizado desde la perspectiva de algunas teorías feministas de nuestro tiempo. Mi propuesta es relacionar el tema del feminismo en la novela con El complejo de Edipo propuesto por Freud; con El orden simbólico de Jacques Lacan; con El pensamiento binario machista de la feminista Hélène Cixous; con la idea de Simone de Beauvoir que afirma: "No se nace mujer; llega uno a serlo." Este análisis se efectuará siguiendo la evolución de Laura Díaz, el personaje principal de la novela, así como a través de algunos personajes femeninos secundarios. Finalmente los sucesos históricos nos ayudarán a comprender el proceso de evolución de la mujer en el siglo XX.

Holanda Castro

Universidad Central de Venezuela

¿Puede controlarse el caos dentro de la novela? Teoría del caos y Teoría literaria: Una lectura de La Milagrosa de Carmen Boullosa

   La novela de Carmen Boullosa La milagrosa, se establece como texto desde el punto de vista estructural y hermenéutico. A través de ella puede hacerse referencia a los procesos de metamorfosis -postulados por Omar Calabrese en su hipótesis sobre los objetos neobarrocos, los cuales complejiza de tal manera que es tentador verlo como un objeto cercano a la concepción de
caos total que tenemos por parte de las ciencias. Este es el segundo eje que servirá como anclaje en la lectura estructural de esta novela: ¿cómo podemos entender los objetos literarios producidos mediante una estética fragmentaria, metamórfica, manteniendo la certeza de que un sistema narrativo no puede considerarse abandonado al azar y la indeterminación (puesto que el texto desea evidenciar y transmitir la materia secreta que lo informa)? La conferencia abordará la novela desde lo que puede considerarse una óptica caológica, para la cual es necesario distinguir
patrones recurrentes dentro de las metamorfosis de los textos, adelantando luces para un modelo caológico de lectura' que implique la adecuación terminológica de la descripción textual a una simulación de sistema complejo, al estilo de las ciencias del caos.

María C. Cavazos

University of Texas at Brownsville

“Esta noche juntos amándonos tanto” de Maruxa Villalta: Fobias en soledad compartida

   La obra de la dramaturga mexicana Maruxa Vilalta, contiene muchos de los elementos
de algunas de las tendencias centrales del teatro contemporáneo: el teatro de la crueldad, el épico y el del absurdo. A éstas se integra el punto de vista muy original de la autora el cual hasta hoy, no ha podido ser catalogado por los expertos. Vilalta ha declarado no querer ser parte de ningún grupo porque no cree en estos compartimientos estancos en donde no hay movimiento y libertad de experimentación. La autora busca provocar con sus obras, que se accione la alarma interior de cada espectador o lector, no para ofrecer una solución al problema sociopolítico o existencial, sino para colocar un espejo en el escenario, a manera de trama, a fin de que cada uno de aquellos se descubra en algún personaje y pueda así movilizar sus propios mecanismos de conclusión.

   El presente análisis de “Esta noche juntos amándonos tanto” pone sobre la tarima las contradictorias fobias del hombre actual: el miedo a comunicarse, a la soledad y a amar. También en este mismo plano se examina cómo el egoísmo de los personajes hace que “entre bambalinas” se destaquen en grotesca gesticulación que denota su hastío, en un círculo que parece empezar cada día con un falso sentimiento de esperanza. En este contexto, un lenguaje sutilmente cruel, con repeticiones absurdas y acusaciones amorosamente destructivas, muestra, además de ese egoísmo entretejido en el microcosmos humano, la deshumanización del macrocosmos social, donde el poder de la represión llena la soledad de estos personajes que se necesitan para destruirse y se destruyen al creer amarse.

Isela Chiu

Utah State University

Mujer de cabellos cortos y buenas piernas: estrategias creativas de una nueva novelista

   Cristina Gutiérrez Richaud publicó su primera obra a mediados de los años 80, Linaje de barro (1987), obra teatral que recibió mención honorífica en el Concurso Nacional de Expresión Escénica Jalisciense. Siete años después salió a la venta su colección de cuentos
intitulada Sin mí me muero (1993). El año 96, año fructífero para la carrera de la escritora tapatía, vio la luz de tres de sus creaciones, Sólo basta cerrar las piernas para ser sirena, antología poética, el ensayo Elías Nandino o la nostalgia del origen y su primera novela, Mujer de cabellos cortos y buenas piernas.

   La primera obra de narrativa de Cristina Gutiérrez Richaud presenta el mundo de la psiquis femenina a través de una mezcla de diversas y complicadas narraciones. La historia de Erika, la protagonista, presenta una diversidad de temas cuya totalidad, según palabras de la misma
autora, podría ser la experiencia humana. Nuestro estudio ahondará en las estrategias creativas de la obra de esta nueva escritora mexicana.

Vitelia Grisel Cisneros

University of Colorado, Boulder

Sexo y muerte en la obra policial de Jorge Ibargüengoitia

   La obra policial de Jorge Ibargüengoitia ha dado lugar a dos novelas, Las muertas y Dos crímenes, que se han constituido en clásicos del policial latinoamericano. En ambas obras, y de modo más acentuado en Las muertas, se nos ofrecen novelas que juegan con la clave del enigma; pero además en ellas las relaciones nacidas por las vinculaciones sexuales de los personajes y por las modalidades de su expresión, constituyen fuente de una trama violenta. Por ello no resulta exagerado afirmar que en el caso de estas novelas, los comportamientos sexuales son vías de exploración de los márgenes y de cuestionamientos y redefiniciones.

Alejandro Cortazar

Louisiana State University

La fragmentación del mito y el archivo en La insólita historia de la Santa de Cabora

   En las primeras páginas de La insólita historia se lanza la idea de que el individuo adquiere su identidad sociocultural de acuerdo a las normas institucionales e ideológicas de su medio. Lo que pueda suceder más allá de lo previsto por estas instituciones (política, militar, religiosa) habrá de conseguirse como algo insólito, milagroso. Este trabajo estudia la novela de Brianda Domecq desde la perspectiva literaria que abre la posibilidad a la reubicación cultural. Es decir, como un texto literario que explora, reivindica y ubica el sujeto social femenino en una sociedad contemporánea fundiéndose con las nociones de la cultura no como una legitimización política o patriarcal, sino como una tradición popular.

   En esta obra la autora se propone recrear la historia de Teresa Urrea, la Santa de Cabora, para ver en que medida sus hechos y su actuación social fueron socavados por el mito y el archivo institucionales, tratando de reivindicar con ello un insólito pasaje de la historia mexicana. De acuerdo con la lectura del texto, las cosas y los hechos mantienen su unidad si se actúa siguiendo la percepción; evocar y combinar palabras la fragmentan, se crea una nueva “unidad” que bien podría ser manipulada para bien o para mal de las instituciones en el poder. Para el progreso de la sociedad, el intercambio de palabras puede cambiar a los de arriba pero no a los de abajo. Teresa supo apreciar (“percibir”) que sus “milagros” hacían un bien al ser humano, sobre todo a los de abajo, la vasta mayoría a quienes había que cambiar para cambiar la sociedad. Su actitud la predispondría para aportar al progreso de la humanidad y, con esto, a una Historia de integración, de unidad. En el presente, sin embargo, su historia como mito popular habría de quedar al margen, aunque asimismo cuestionando la validez del mito del poder que ha seguido imperando en una sociedad más que cambiante fragmentada.

Gilberto Delgado

State University of New York, Albany

El eurocentrismo del mexicano

   En este trabajo se trata de probar que el carácter que Octavio Paz en El laberinto de la Soledad atribuye al mexicano, no es otro que el carácter desarrollado por el criollo, que al constituirse en la clase media mexicana ha venido a forjar en la mexicanidad un carácter que corresponde a las costumbres que los peninsulares implantaron en la nueva España. Estos modos de vida, cultura, leyes, lengua y religión, los continuaron sus sucesores llamados criollos, que una vez que se legitimizaron en el poder arrebatado a sus ascendientes ibéricos, lo único que hicieron fue continuar con la tradición  que sus ascendientes españoles habían impuesto desde la época colonial. Por este motivo el carácter, personalidad e idiosincracia que asiste al mexicano, innegablemente está mayormente constituido por el estilo y los modos de vida implantados por los españoles. Estos, al implantar cultura, lengua y religión diferentes en la Nueva España, no solamente cambiaron la idiosincracia, la personalidad y el carácter del mexicano. Además, como consecuencia del encuentro de dos culturas diferentes y la imposición de la cultura española en tierras del Anahuac, la identidad del mexicano sufrió una virtual transformación, dando como resultado que éste desarrollara un carácter e idiosincracia que tiene mucho más que ver con sus orígenes europeos que con el pasado indígena que lo reviste.

   En esta obra la autora se propone recrear la historia de Teresa Urrea, la Santa de Cabora, para ver en qué medida sus hechos y su actuación social fueron socavados por el mito y el archivo institucionales, tratando de reivindicar con ello un insólito pasaje de la historia mexicana. De acuerdo con la lectura del texto, las cosas y los hechos mantienen su unidad si se actúa siguiendo la percepción; evocar y combinar palabras la fragmentan, se crea una nueva “unidad” que bien podría ser manipulada para bien o para mal de las instituciones en el poder. Para el progreso de la sociedad, el intercambio de palabras puede cambiar a los de arriba pero no a los de abajo. Teresa supo apreciar (“percibir”) que sus “milagros” hacían un bien al ser humano, sobre todo a los de abajo, la vasta mayoría a quienes había que cambiar para cambiar la sociedad. Su actitud la predispondría para aportar al progreso de la humanidad y, con esto, a una Historia de integración, de unidad. En el presente, sin embargo, su historia como mito popular habría de quedar al margen, aunque asimismo cuestionando la validez del mito del poder que ha seguido imperando en una sociedad más que cambiante, fragmentada.

Lidia Díaz

University of Texas at Brownsville

Reflexiones en torno a nuevos rumbos en la narrativa infantil

   Diversos espacios de investigación se están abriendo en el campo de la Literatura Infantil escrita en español, desde perspectivas cuestionadoras que intentan repensarla desafiando los términos en que tradicionalmente se le ha concebido.

a) El primero está asociado sobre todo con la proyección que el sistema educativo le da a la literatura infantil. La intención moralizante y didactista que se le imprime a la lectura de cuentos, leyendas o fábulas, desvirtúa el eje de concebir a la literatura como literatura en sí. La acción de leer un texto literario debe AUTOCONTENER SU PROPÓSITO, que es disfrutar de la literatura.

b) Otro aspecto relevante es la necesidad de poner a disposición del lector infantil textos nuevos, actuales, que lo conecten con formas contemporáneas de concebir la literatura.

   México cuenta afortunadamente con talentosos narradores que escriben HOY para los niños de HOY. Por supuesto que sería absurdo cuestionar el valor de los clásicos de la literatura infantil universal –esos envidiables best sellers- ya que han jugado un papel primordial en el florecimiento de la literatura posterior. Pero mucho del material tradicional peca de obsolescencia porque está apoyado en una cosmovisión que ya no tiene vigencia.

   Tengamos en cuenta que muchos de esos cuentos maravillosos ya consagrados no nacieron de nuestros pueblos. Los pueblos indígenas tenían las manos llenas de leyendas, mitos y relatos maravillosos con los que explicaban su universo. En todo caso, rescatar todo ese bagaje de la tradición indígena para el lector niño sería una manera de hacerlo partícipe de SU historia y su cultura, a la vez que crece con la palabra moderna y actual de una literatura que es escrita hoy para ellos a partir de su universo lingüístico y cultural propio.

Javier Durán

Michigan State University, East Lansing

Regionalismo y el discurso (post)nacional en Al norte del milenio, de Gerardo Cornejo

   En la novela Al norte del milenio (1989), el escritor sonorense Gerardo Cornejo elabora una narración híbrida que combina elementos de la crónica, de la memoria y de la autobiografía para explorar las posibilidades y los límites del futuro de la región norte del país en vísperas de los cambios que conlleva un nuevo milenio. De manera especifica, el texto de Cornejo se adentra en la problemática de la identidad norteña y de su intrínseca relación con el "norte", en este caso, con el vecino país del norte, los Estados Unidos. Si bien se ha considerado a esta obra como una malograda copia de Cristóbal Nonato de Carlos Fuentes, una lectura cuidadosa de la obra de Cornejo denota las consecuencias provocadas por lo que Carlos Monsiváis llamaría las tensiones entre los milenarismos y la identidad "postnacional". Del mismo modo, Al norte... vaticina, desde la década de los ochenta, la marcada presencia de las tendencias globalizadoras que se experimentan actualmente, el nuevo papel que juega la faja fronteriza en la relación norte-sur, así como la llegada al poder en el país de fuerzas políticas aliadas ideológicamente al esfuerzo globalizador norteamericano, en este caso el "Partido de la Restauración Nacional" (versión ficcional del PAN). En este contexto, me parece que la obra de Cornejo, lejos de convertirse en un anacronismo, cobra actualidad. En particular me interesa estudiar los resultados de dichas tensiones y su extensión hacia la problemática del regionalismo como discurso cuestionador de esencialismos y binarismos típicamente aceptados como parte del discurso nacionalista emanado del proyecto nacional postrevolucionario. Me concentro de manera especifica en analizar la distopía como estrategia deconstructiva que permite a esta novela ampliar su perspectiva crítica y llevarla más allá de los confines espacio-temporales que marca, a primera vista, su temática y discursividad.

José T. Espinosa- Jácome

Yale University

Para leer En Busca de Klingsor

   Galardonada con el Premio Biblioteca Breve en 1999, esta novela de Jorge Volpi no requiere en realidad ningunas claves ni preparación especializada para su lectura. Escrita de manera clara, en una amalgama de géneros, recicla la biografía y la autobiografía como en los mejores exponentes de A. J. Cronin, Thomas Mann y de Robert Musil, y con su tratamiento de escenas sexuales sobrias nos muestra una novela de misterio alejada de las agresivas manifestaciones machistas del Halcón Maltés y de un gran porcentaje de la novela policial norteamericana, dándonos unas descripciones pudorosas más cercanas a Sir Arthur Conan Doyle, ya que, ni aun en el triangulo amoroso que aparece, (y que mucho recuerda a la película Cabaret), intenta ruborizar al lector real, observando las buenas maneras de la educación sentimental, a pesar de que nos encontramos en una época de liberación y de cinismo. No obstante, aunque su lectura resulta fácil y divertida para el lector común, es interesante observar su engranaje dentro de la literatura mexicana del siglo pasado, sobre todo con la generación del Medio Siglo. En efecto, Volpi mismo nos ha comentado personalmente, que a diferencia de los padres biológicos que nos han sido asignados, los escritores pueden escoger sus propios padres intelectuales. En busca de Klingsor sigue los lineamientos trazados en el estilo y la estructura por Juan García Ponce, (sus enseñanzas sobre el autor de El estudiante Torles), Salvador Elizondo, (la racionalización del espacio y el tiempo), y José Emilio Pacheco, (su preocupación por el holocausto), pero sobre todo en el compromiso arrostrado en el alejamiento de la literatura nacional para abordar la universalidad. Pero sus lazos estrechos con la creatividad mexicana no terminan con los años cincuenta, sino que llegan hasta la actualidad, al retomar el tema que obsesionó a Luis Arturo Ramos en su Casa del ahorcado: la cosmogonía y misticismo de la cultura nazi. Nuestra exposición pretende describir estos veneros.

Maria Estévez Ruiz

Université of Laval

La responsabilidad del novelista en la construcción de una nueva Historia

   En las últimas décadas, la ficción ha sido un instrumento privilegiado para reconstruir el pasado. A partir de los años 70, se han publicado una gran variedad de novelas históricas o de contenido histórico. Los autores de ficción, sobre todo hispanoamericanos, resucitan figuras importantes de la Historia, como por ejemplo: Maximiliano y Carlota, Perón, Bolívar o Cristóbal Colón. Toda esa producción, todo ese éxito por las temáticas históricas, no pueden ser únicamente el resultado de una moda o de un interés pecuniario.

   El objetivo de esta ponencia es demostrar cómo el cuento “Las dos Américas”, incluido en El naranjo de Carlos Fuentes, cobra importancia en el interior del campo literario en relación y en oposición con el trabajo de los historiadores. Para eso me apoyaré en la teoría desarrollada por Seymour Menton de la Nueva Novela Histórica de América Latina. Menton explica que el “acercamiento del Quinto Centenario de la llegada de Colón a América, suscitó una profunda reflexión sobre el pasado histórico”. Este evento ha provocado una conciencia más grande de los lazos históricos que unen a los países hispanoamericanos y una interrogación profunda sobre la historia oficial del continente. Veremos cómo la ficcionalización que hace Fuentes de Colón en ese cuento influye en la construcción de una nueva Historia.

Delia V. Galván

Cleveland State University

Imaginería dominante, alegoría y lo grotesco en Santa María del circo de David Toscana

   Ciertas imágenes de decadencia se han venido observando cíclicamente a través de la historia en representaciones artísticas que han perdurado, como en los casos de los pintores Bosch y Goya; y en escritores como Quevedo, y más recientemente, en el siglo XX, en Faulkner, Grass, Onetti y Donoso. También se ven en el cineasta Buñuel, y en la experiencia mexicana en Jorge Ibargüengoitia quien hábilmente añade un elemento de humor. El escritor regiomontano David Toscana ha demostrado tener preferencia por esa vertiente, sobre todo según se observa en su novela Santa María del circo (1998). 

    El estudio que se propone observa, a partir de las imágenes dominantes de esta obra, de qué manera se le puede considerar una alegoría del estado de cosas de una sociedad sin líderes, en la que el orden ha dejado de funcionar y en la que todavía no aparece un nuevo orden y por lo tanto es una sociedad en estado de decadencia. Una de las formas que Toscana ha escogido para representar esta situación es el énfasis de lo grotesco de los personajes y de sus circunstancias. Por medio de una especie de antiépica de la re-fundación de un pueblo abandonado por un grupo de cirqueros derrotados por débiles en una lucha de poder, el autor ejerce la desconstrucción del orden considerado como normal, con tanta audacia que logra estremecer al lector con el rompimiento de lo tradicionalmente esperado, presentando al mismo tiempo un lado oscuro de la condición humana. En este trabajo se identifican varios elementos de lo grotesco según se ven en enfermedad, degradación, distopía, escatología, canibalismo, apocalipsis. A manera de compensación de un tema tan tenebroso el autor echa mano del humor negro. El resultado artístico hace que el lector, aunque golpeado, reflexione y acepte una lección para ver el mundo desde diferentes puntos de vista.

Elvia García Ardalani

Texas Pan American University

El sujeto femenino y la poética del silencio en La muchacha que tenía la culpa de todo, de Gustavo Sáinz

   Este trabajo analiza la función del silencio femenino y su vertebralidad en el desarrollo de la voz poética del texto. La integración estructural de la obra, de singular originalidad, está compuesta por diversos subtextos que finalmente se sintetizan en el “diálogo” sostenido entre la voz y el silencio. El análisis de la mecánica del texto, así como de los distintos elementos que conforman la creación de su poética, son presentados de manera integral en el presente trabajo.

José Manuel García

New Mexico State University

La creación del personaje mítico del guerrillero en las más recientes novelas mexicanas

   Existen otras novelas que hablan del guerrillero como figura literaria (las de Taibo, por ejemplo) pero me refiero más que nada al "guerrillero" creado a partir de la experiencia personal o autobiográfica o documental. Cuando es un exguerrillero que escribe de sí mismo, hay una tendencia a desmitificar o "cotidianizar" al guerrillero; cuando el autor escribe desde una perspectiva alejada o documental, tiende a mitificar su "Objetivo". Más que una curiosidad (comprobable) literaria, estamos ante dos actitudes existenciales/políticas ante la figura del neoguerrillero.

Robert Goebel

James Madison University

Un germanista en busca de Klingsor

   Como todos los miembros del "crack", Jorge Volpi es un lector omnívoro. Suficientes críticos habrá para identificar la influencia de Borges u otros autores del mundo hispano en todas sus obras, y sin duda en el caso de la reciente y exitosa novela En busca de Klingsor (1999). Por eso, yo propongo acercarme a esta obra desde la perspectiva de un germanista. No es por nada que Cabrera Infante la describe como una novela alemana escrita en español, y no se refiere solamente al contenido (aunque éste no sólo tenga que ver con la historia de la Alemania del siglo XX), sino también a ciertos elementos estructurales. El estudio tiene tres enfoques. El primero es la influencia del Doctor Faustus de Thomas Mann. Ya Eloy Urroz ha introducido este tema, por lo que quiero analizar tanto algunas frases que claramente reflejan su origen manniano, como algunos paralelos conceptuales. El segundo tiene que ver con la figura, o tal vez mejor, las figuras de Klingsor en la literatura alemana. Los comentarios que he llegado a leer hasta ahora se han concentrado en la conexión con el Parsifal de Wagner, lo que es importante, pero hay otras obras que hay que mencionar también, sobre todo el Parzival de Wolfram von Eschenbach, título que también aparece en el texto. El tercer acercamiento tal vez no sea tan específico o enfocado como los primeros dos, pero por lo menos vale la pena considerarlo. Por ejemplo, en una entrevista, Volpi habla de elementos (o anti-elementos) del bildungsroman. Esta conexión ilumina los nombres de algunos de los personajes. También hay todo un género de libros acerca del ocultismo, o supuesto ocultismo, en el cual los líderes del partido nacional socialista pudieron estar involucrados. Hay evidencia de que Volpi ha consultado por lo menos uno de esos libros.

Miguel González Gerth

University of Texas at Austin

Efraín Bartolomé y el Árbol de la Ciencia

   Efraín Bartolomé nació en Ocosingo, Chiapas, a fines de 1950. Entre 1982 y 1997 lleva catorce libros y dos discos de grabación publicados. Ha sido galardonado con varios premios literarios, siendo el último el Internacional de Poesía Jaime Sabines (1996), y el Premio Mérito Nacional Forestal y de Vida Silvestre en la rama de la cultura. Mi ponencia abarca la obra poética de Bartolomé pero, trazando un arco de evolución significativa, enfoca eminentemente en su primer libro Ojo de Jaguar (edición aumentada) y el más reciente que yo conozco, Partes un verso a la mitad y sangra, parando sociológicamente por Ocosingo: Diario de guerra y algunas voces.

   La idea es mostrar la trayectoria que forman su visión y su temática provincianas y naturalistas hacia una apertura de índole más humana y sofisticada del paraíso selvático, cuya belleza se describe tanto auténtica como poéticamente. El autor sale de su idilio primigenio que él conoce como ninguno y se dirige hacia la civilización y la literatura cosmopolita, dejando una estela luminosa que revela el conocimiento y reconocimiento del autor entre hombre y mujer, amor que desafía el mito en que se basa el paraíso bíblico, para ganar la luz cósmica.

Bárbara A. Gunn

University of California, Davis

Dos 'queridas', la ilusión y la realidad en Los recuerdos del porvenir

   Aunque la visión de Elena Garro en Los recuerdos del porvenir (1963) en cuanto al gobierno revolucionario mexicano y la existencia del ser humano en general es bastante pesimista, dentro del contexto de la novela, y por extensión en el mundo que representa, todavía se pueden identificar algunos momentos de posibilidad y esperanza. Un análisis de las dos protagonistas femeninas de la novela, Julia Andrade e Isabel Moncada, nos ayuda a destacar algunos temas importantes de la historia y a esclarecer esta aparente paradoja. Isabel, la que se queda en el espacio circunscrito del pueblo de Ixtepec, representa la permanencia, la inercia, la inmutabilidad de la provincia mexicana. En cambio, Julia, la que logra escaparse, representa la ilusión, la esperanza y la posibilidad de progresar, de cambiar, de empezar de nuevo.

Jorge Luis Hernández

Universidad Autónoma de Nuevo León

El joven deja de serlo

   El trabajo que he preparado para exponerlo en este Congreso de Literatura Mexicana versa sobre la poesía de David Huerta. El ensayo: El joven deja de serlo, que alude a uno de sus poemas, es un recorrido por la poesía primera del autor, desde El jardín de la luz hasta Historia, poemario trascendental en su producción. Las influencias que han enriquecido a David Huerta, el uso de la proliferación de imágenes, que a decir de Severo Sarduy, forman uno de los elementos importantes en la estructura del neobarroco, las posibilidades de su lectura, la evolución de una voz, así como el amor y el erotismo en el libro Historia son los puntos principales del escrito.

Franklin Inojosa

University of Idaho

Maternidad, sociedad y cultura popular en la novela-bolero Toda una vida de Martha Cerda

   Una vez más nos encontramos con una obra literaria perteneciente al corpus literario conocido como novela-bolero, pero ahora visto bajo la pluma de la escritora mexicana Martha Cerda, quien, a través de la historia de una mujer embarazada y su relación con el feto, nos invita a adentrarnos en una obra que nos recuerda constantemente la complejidad de la conocida frase popular que nos dice que “La vida es como un bolero.”

   En esta obra, su autora no sólo recalca el poder de la cultura popular y su influencia en las creaciones literarias, sino que nos presenta su propio ejemplo, partiendo desde el mismo título de su novela, Toda una vida, en franca relación con el conocido bolero del mismo nombre y, por ende, busca que el lector encuentre una estrecha relación entre la novela y el recuerdo perenne de la cultura popular de su entorno. Es por ello que además utiliza los nombres de conocidos boleros y canciones latinoamericanas para titular todos los capítulos que componen la primera parte de esta novela, entre otros detalles.

   Esta cultura popular va a ser el eje central de la novela de donde partirá toda la simbología que pueda extraer el lector del texto y, en consecuencia, el presente estudio busca ofrecer un acercamiento a la manera en que se puede relacionar este hecho con el tema de la maternidad y la sociedad en la cual este feto no ha decidido aún si debe nacer o no.

Milena M. Hurtado

University of California, Santa Barbara

Dulce carcajada: el humor en los cuentos de Brianda Domecq

En su libro El humor y la ironía en el cuento mexicano (1979-1991), Lauro Zavala destaca “la actitud lúdica” de los cuentistas mexicanos como la característica principal del relato publicado entre los años que abarca su antología. Esta obra reúne a doce cuentistas, de los cuales menos de la mitad son mujeres, y entre ellas destacan Elena Poniatowska, Martha Cerda, Ángeles Mastretta y Bárbara Jacobs.

   Una de las escritoras que no menciona Zavala es Brianda Domecq. La obra de Domecq, aunque no muy extensa, pero sí con un peso específico por imponerse en las vertientes de la narrativa y la ensayística, marca su presencia en el panorama de la literatura mexicana. Su única colección de cuentos, Bestiario doméstico fue publicada en 1982. El libro se caracteriza por un fino sentido del humor sin desatender esa actitud lúdica de la que habla Zavala. Las diez narraciones que componen Bestiario abordan de manera sutil tanto temas de la vida cotidiana, como las relaciones de pareja, así como la preocupación por la condición de la mujer en una sociedad regida por valores masculinos. En este trabajo propongo una reevaluación y revaloración de la obra cuentística de Brianda Domecq, como una verdadera aportación al relato breve mexicano caracterizado por el humor y la ironía. Indagaré en el humor y dicha actitud lúdica de la que se vale la autora para expresar su constante preocupación por la mujer y por lo femenino, en los cuentos Pequeño ejercicio en absurdo y El cuerpo de Adelaida.Es Domecq una verdadera representante del cuento mexicano por su singular y reveladora forma de abordar la escritura de relatos cortos a través de este recurso tan travieso y sorpresivo que es el humor.

Kristine Ibsen

University of Notre Dame

Terribles simetrías: La lectura del espacio y el espacio de la lectura en Una familia lejana de Carlos Fuentes

   Esta ponencia tiene como objetivo sugerir que el espacio cerrado puede servir como metáfora del acto de leer, puesto que la acción de entrar en un lugar delimitado (sea casa, cuarto, jardín o plaza) supone una entrada en el ámbito textual. La representación sobredeterminada de esta dimensión, así como el carácter explícitamente metatextual de Una familia lejana (1980) de Carlos Fuentes, la hacen particularmente adecuada para un análisis de la función del lugar como punto de partida para reflexionar sobre la relación entre los actantes principales en el circuito comunicativo: autor, narrador, lector. Asimismo, en este trabajo se examinan detalladamente los espacios específicos de esta obra (Xochicalco, la Place de la Concorde, Parc Monceau y el Clos des Renards) para explorar de qué manera estos lugares funcionan como señales potencialmente desestabilizadoras de los sistemas de significación convencionalmente aceptados y de la supuesta división entre “civilización “ y “barbarie.”

José M. Lemus

New Mexico State University

La parodia y lo parodiado: Claves para reír (o llorar) con Y sigo siendo sola de Luis González de Alba y cultura popular en la novela-bolero Toda una vida de Martha Cerda

   Perteneciente a la parodia política, el segundo libro de Luis González de Alba Y sigo siendo sola (México: Joaquín Mortiz, 1979), se vale de la creación de un personaje alegórico (Delfina Borato) para hacer un crudo examen del alma nacional de México y de su historia. El personaje que sucesivamente irá siendo renombrado con epítetos como la Hórrida, la Apócrifa o la Espeluznante; va encarnando y viviendo la historia y los mitos del país desde sus orígenes hasta el presente histórico. Mitos como el de la fundación de Tenochtitlán y el de la Virgen de Guadalupe; así como momentos decisivos de la historia de México (Colonia, Primer Imperio, Independencia, Revolución, entre otros) son parodiados a través del hilo conductor del personaje principal. Si bien gran parte de las parodias de González de Alba se dirigen contra el poder institucionalizado, no deja de pasar su mirada crítica por protagonistas de todo el espectro político mexicano como Diego Rivera y José Revueltas; y aún más entre figuras del plano internacional como Mao Tse Tung y José Stalin. A más de veinte años de haber escrito este libro, algunas de las claves paródicas que González de Alba utiliza pueden ser reinterpretadas y acotadas para hacer efectivo su humor o su denuncia de un sistema político corrupto. El propósito de la ponencia es la explicación de algunos de los referentes históricos, culturales y políticos que el autor tenía en mente cuando escribió Y sigo siendo sola y los cuales han quedado un tanto obscurecidos con el paso del tiempo.

Kimberle S. López

University of New Mexico

El deseo colonial en 1492 y Memorias del Nuevo Mundo de Homero Aridjis

   Las obras 1492: Vida y tiempos de Juan Cabezón de Castilla (1985) y Memorias del Nuevo Mundo (1988) de Homero Aridjis se centran en las andanzas del personaje ficticio Juan Cabezón de Castilla, un converso español que en la primera novela es perseguido por la Inquisición y en la segunda participa en la conquista de México. Aunque a primera vista parecería que entre las dos novelas el personaje pasa de oprimido a opresor, en realidad esta transformación esconde cuestiones mucho más complejas. Ya desde la primera novela, 1492, Juan Cabezón expresa su ambivalencia hacia los conversos, grupo al que él mismo pertenece. En Memorias del Nuevo Mundo, el conquistador ficticio dirige su ambivalencia hacia los indígenas y cuestiona su propio papel como conquistador. Esta ambivalencia se podría definir, usando la terminología de Robert Young, como "deseo colonial", es decir, la simultánea atracción y repulsión que siente el colonizador por el colonizado. Este trabajo examina los dos textos prestando atención al ambivalente deseo colonial que expresa el personaje ficticio Juan Cabezón tanto en referencia a los conversos en el viejo mundo como a los indígenas en el nuevo mundo, para ilustrar la compleja cuestión de la identidad cultural en la época de la conquista.

Miguel Manríquez

Colegio de Sonora

La contemplación activa del mundo de la vida en Incurable de David Huerta

   La finalidad de este trabajo es analizar de manera general la obra Incurable de David Huerta (Edit. Era, México, 1987). La obra de David Huerta representa una tendencia reciente en la poesía mexicana que denominamos Poesía del Lenguaje (Chouciño Fernández, 1997), toda vez que los poetas de esta vertiente se caracterizan por un rechazo a prácticas poéticas basadas en la idea de comunicación transparente de un “yo” como identidad fija. En su poesía, Huerta adopta técnicas concretas tales como el énfasis en la cadena sintagmática del discurso, la resistencia a la lectura hermenéutica, el ofrecimiento de múltiples y posibles interpretaciones, la evasión de la clausura, preponderancia del proceso antes que el producto y el papel activo del lector, para arribar a la ironía, el juego, la parodia y la ambigüedad por distintos caminos. Así, la propuesta de Incurable se centra en la transformación del “yo” en el lenguaje, i. e., una propuesta poética de pensamiento a través del lenguaje.   La finalidad de este trabajo es analizar de manera general la obra Incurable.  

   Este breve ensayo busca explorar aquellos ejes ordenadores que componen Incurable para que, a manera de hipótesis de trabajo, den cuenta de la centralidad que este texto tiene en la obra de Huerta, así como su aportación a la poesía mexicana contemporánea. Para tal fin, se propone utilizar tres autores de referencia. La primera de ellas corresponde a Roman Ingarden (La obra de arte literaria, Taurus, 1998) que alude a la disciplina académica de estudios literarios que ve  la obra de arte literaria como un objeto complejamente estratificado, cuya existencia depende de actos intencionales tanto del autor como del lector. Para Ingarden la obra de arte literaria tiene cuatro estratos: fonético, semántico, lo representado y los aspectos esquematizados. La otra teoría de referencia es la de Jean Cohen (La estructura del lenguaje poético, Gredos, 1984) toda vez que su planteamiento propone el nivel fónico (verso) y el nivel semántico (retórica). El tercer autor es Carlos Bousoño (El irracionalismo poético (el símbolo), Gredos, 1981).

Mario Martín

San Diego State University

La privatización de las utopías en la narrativa de Rosina Conde

   En la narrativa de Conde se revisa la crisis de las utopías históricas, comunitarias, generacionales, profesionales, de espacio de género, predicadas por la modernización y el capitalismo tardío. Ante el desgaste o la agonía de estos imaginarios ideales de comunidad, en De infancia y adolescencia, Arrieras somos, El agente secreto y La Genara, donde presenta a la frontera como un juego de especularidades de lo deseable como: las utopías indocumentadas de la ansiedad migratoria, paraíso de movilidad, tierra promisoria de las nuevas conciencias. La industria se promociona como familia, la frontera como la gran maquiladora del placer ilimitado S.A. de C.V. y como zona limítrofe-primer beneficiaria del sueño americano. Sin embargo, sus personajes no se reconocen ante esa profusión fragmentaria de espejos deformantes, contra espejos y espejismos producidos por los olvidos y reclamos de la cultura de la Ciudad de México, por un lado, y por la urgencia de emanciparse a hacia una más alienante utopía de primer mundo. Aunque en lo cultural, Conde ofrece en su narrativa otra dimensión de frontera movediza, indecidida, multidireccional y generalmente fracasada en cuanto proyecto común, colectivo. Sin embargo, dentro de estas ínsulas Baratarias de las ciudades bajacalifornianas, ofrece una forma de utopía posible, la búsqueda de la salvación individual. Se funda en el principio de que la libertad sobrepasa a la necesidad. Es un neohumanismo en que no se trata de cambiar por entero al ser humano, sino de abrirle espacios a la justicia social, a los derechos humanos, como actos de defensa ante la depredación de la frontera como ecosistema en peligro. Parece cuestionarse qué valor tiene hablar de utopías para los marginados, si sus rectificaciones no los afectan. Propone a cambio la redistribución equitativa de la esperanza personal, la reprivatización o reconversión de las patologías de imaginarios de mexicanidad, ya de suyo, reflejos a trasmano del american dream.

Leticia Meza-Gordillo

Universidad de California, Santa Bárbara

Palabras que sueñan como si vuelves y la cuentística de Celso Santajuliana

   Celso Santajuliana (Ciudad de México, 1960) es uno de los narradores más sobresalientes de los últimos años dentro del ámbito de la literatura mexicana.  Ha publicado cuatro libros de cuento: Ninguna noche especial (Eteos-Literatura, 1982), Paulino Jerónimo (Universidad Iberoamericana 1990), Ninantla (Joaquín Mortiz, 1992) y  Salón de usos múltiples  (Gobierno del Estado de Campeche, 1993), y dos de novela: Historia de Lorea (Libros del Tapir, 1990) y  Palabras que sueñan como si vuelves  (Diana, 1993).  Ha ganado varios premios, tanto nacionales como internacionales.  El más reciente es el Premio Nacional de Cuento "Severiano Ocegueda Peña", otorgado por la Fundación Alica de Nayarit (México).  El objetivo de este trabajo es contextualizar a Santajuliana dentro del mapa de la literatura mexicana contemporánea.  Específicamente, presentaré la novela Palabras que sueñan como si vuelves  como un conjunto de cuentos.  Los capítulos de esta novela pueden ser leídos como parte integral de un todo y como textos con independencia propia. 

Graciela Monges Nicolau

Universidad Iberoamericana

Las dos Elenas en Cantar de Ciegos de Carlos Fuentes

   La Presencia en la ficción de Carlos Fuentes está siempre patente y es la fuerza desencadenante de la trama de muchas de sus novelas y relatos breves. Desde su primera época en que publica obras como Aura (1962), Cantar de Ciegos (1967), hasta llegar a obras más recientes como Cristóbal Nonato (1987) o Diana o la Cazadora Solitaria (1994), el personaje femenino en busca de la realización de su deseo, aparece y sobresale como mujer por su falta de definición y el papel que juega dentro de la intriga que narra; si bien su presencia es importante, termina diluyéndose en un proyecto en ciernes que se frustra y se malogra. En ocasiones generadora de vida y en otras de muerte, la mujer se muestra en los relatos que conforman Cantar de ciegos, no sólo como un ser material y físico, sino más bien como un ser depositario de elementos míticos, tradicionalmente atribuidos como verdaderos dentro de la sociedad patriarcal. Desde esta perspectiva masculina Fuentes las concibe como inferiores, poco auténticos e incompletos.

Armando Oviedo

Universidad Autónoma Metropolitana

La otra historia. El peso del tiempo en tres cuadernos de David Huerta

   Los poemas de largo aliento tienden a una narración. David Huerta tiene la tentación de la historia, entendida ésta como paso del tiempo y como situación de una serie de hechos cotidianos. Me atrevo aventurar que incurable es una gran novela escrita como una serie de versos que han motivado temor y precaución entre sus lectores.

   La desmesura de David Huerta no se ubica únicamente en el aspecto luminoso de su verba, sino en la manera de plantearlo, es decir, su estructura. si Daniel Sada versifica narrando, David Huerta narra en verso; Sada cuenta cantando, Huerta canta contando.

   Por ello, este ensayo habla de cómo contar, como adquiere cuerpo y como pasa el tiempo en tres libros breves de David Huerta: Huella del civilizado, Historia y Lápices de antes. En este poemario existe una representación poética de la realidad que no es una experiencia cronológica ni lógica. La historia que subyace en ellos completa —no contradice ni rechaza— una representación práctica y sublimada de la realidad; es decir, el paso del tiempo tiene cuerpo y no es el registro de una simple acción.

   En estos libros se expone otro tiempo y otro espacio, el del poema, que cuenta su propia historia y se extiende desde un punto de vista diverso y plural en el que aparentemente no aparece nada, cuando sucede todo. Se trata pues, de encontrar el orden de las cosas minúsculas dentro del caos de las mayúsculas. Es la vieja historia de la lucha del deseo contra la realidad.

   David Huerta afirma, solemos adornar los hechos cotidianos o rutinarios de nuestra vida con detalles de nuestra invención personal, irreductibles a cualquier otro estilo... el propósito de este ensayo es el de destacar que la historia que cuenta un poema en sus libros es la crónica de las cosas pequeñas que un día se revelan y se rebelan contra los grandes acontecimientos masivos y fechables.

Susana Perea-Fox

University of Oklahoma

Nada, nadie, de Elena Poniatowska, las voces de otros: Literatura y Etnografía

   Elena Poniatowska ha estado presente en momentos de gran importancia histórica en la vida de los mexicanos desde la segunda mitad del siglo pasado. Poniatowska ha documentado la vida de un sólo personaje, como la Jesusa de Hasta no verte Jesús mío (1969), así como acontecimientos colectivos de la vida nacional mexicana como la de los estudiantes capitalinos universitarios en La noche de Tlatelolco (1971). Así también estuvo presente en otro momento histórico importante: el terremoto de 1985 en México, el cual documentó en su propio estilo en otra de sus obras Nada, nadie: Las voces del temblor (1988). Esta obra se puede leer como un documento histórico-etnográfico, perteneciente al género “collage” o “montage,” ya que revela la labor periodística, literaria, y etnográfica de la autora. Poniatowska deja constancia en esta obra de las desgracias sufridas por el pueblo en sus propias palabras, da voz a los que no tienen voz, aquellos que de otra manera hubieran permanecido en las sombras del silencio. Este trabajo arguye que la obra Nada, nadie: Las voces del temblor, junto con otras obras de Elena Poniatowska, reitera su importante labor como cronista de acontecimientos colectivos importantes de la vida nacional mexicana, fusionando el género periodístico con la ficción y problematizando las fronteras genéricas de las fronteras y el periodismo en un momento de crisis ciudadana que obliga a una respuesta a la estructura del poder. Gracias a su tarea, Poniatowska reúne al estilo etnográfico, el ser y sentir del pueblo mexicano así como los diferentes elementos que se concatenaron para que este suceso de la naturaleza se convirtiera en una desgracia en la vida del pueblo capitalino, deja constancia de los horrores sufridos, trata de encontrar razones y da sentido a lo sin sentido.

Genaro J. Pérez

Texas Tech University

Erotismo y misoginia en Inmaculada o los placeres de la inocencia e Imagen primera de Juan García Ponce

   Algunos estudiosos ya han demostrado la presencia de un erotismo obsesivo que raya en pornografía en la obra del novelista y cuentista contemporáneo, Juan García Ponce. Este estudio propone analizar dichos elementos eróticos y demostrar que en el tratamiento de la mujer en la novela Inmaculada (1989) y en los cuentos de Imagen primera (1963), existe una incipiente misoginia, ya sea consciente o inconsciente, expresada por el narrador de dichas obras. Se ha de notar que el modo de caracterizar a los personajes femeninos, frecuentemente masoquistas, psicológica si no físicamente, pudiese considerarse degradante para el género femenino. Dicha humillación se enmascara a través de un erotismo femenino que por lo general sólo existe en fantasías masculinas.

Janet Pérez

Texas Tech University

Tres poetas mexicanas actuales a la luz de su poesía y su poética

   En 1999, Asunción Horno Delgado publicó Diversa de ti misma: Poetas de México al habla, una colección de entrevistas a autores que representan lo que ella denomina la Segunda Generación Poética del Siglo XX. Se trata de poetas nacidos entre 1943-1956, entre los cuales la estudiosa ha seleccionado poetas que hubieran publicado todo o parte de su obra en el período 1980-1995. Observa Horno Delgado que el “número de los que escriben poesía en México es enorme, salen casi de debajo de las piedras” (13), y no ha podido por diversas razones entrevistar a todos los poetas que reúnen las condiciones enumeradas. Menciona como ausencias insoslayables a Coral Bracho, Francisco Hernández, José Luis Rivas, Alberto Blanco y Silvia Tomasa Rivera. Sin embargo, la nómina es extensa, incluyendo a Alejandro Aura, Efraín Bartolomé, Carmen Boullosa, Sandro Cohen, Horacio Costa, Elsa Cross, Antonio Deltoro, Jorge Esquinca, Gloria Gervitz, David Huerta, Elva Macías, Mónica Mansour, Víctor Manuel Mendiola, Eduardo Milán, Fabio Morábito, Myriam Moscosa, Vicente Quirarte, Javier Sicilia y Manuel Ulacia. Son diecinueve en total, trece hombres y seis mujeres.

   En cada caso, la entrevista repite una serie de preguntas formuladas con la intención de fomentar el diálogo crítico, pero cada entrevista es distinta pese a comenzar por preguntar respecto a la evolución de la obra poética de cada uno, porque se buscaba lo singular de cada cual. Se busca además cierta contextualización historiográfica, la relación del individuo a la vanguardia y al panorama literario mexicano. Precede a cada entrevista una breve nota geográfica y una pequeña muestra antológica, para proveer a los lectores un contacto previo con la obra propia de cada uno, seleccionada en cada caso por el autor en cuestión, lo cual facilita el examen de la relación entre poesía y poética. El presente trabajo se limita a las mujeres, y debido al limitado tiempo disponible, a la mitad de ellas solamente. Analiza los poemas o escritos líricos (prosa lírica o verso blanco) antologados de Elsa Cross, Elva Macías y Mónica Mansour, escogidas no con relación a lo que puede ser o no ser su importancia o calidad relativas, sino por la mayor extensión y variedad del muestrario lírico que las acompaña, puesto que provee una base más amplia para el análisis de su quehacer poético, examinado a la luz de las ideas expresadas en las entrevistas correspondientes.

Juan Manuel Portillo

Universidad Autónoma de Cd. Juárez

Integrar el ser: una visión de conjunto de la poesía de Coral Bracho

   Durante el último cuarto de siglo, la poeta Coral Bracho ha venido escribiendo una de las obras más singulares de la poesía mexicana. Con sólo cuatro libros publicados, la autora goza de un amplio reconocimiento en el ámbito hispanoamericano y, es justo decirlo, rebasó ya los límites de nuestra lengua con su inclusión en la monumental antología de poesía mundial Poems for the millenium, de Jerome Rothenberg.  El presente trabajo explora las características, tanto formales como temáticas, de cada uno de los libros de Bracho .  

Luis Quintana Tejera

Universidad Autónoma del Estado de México

Búsqueda, ludismo, intertextualidad y metadiégesis en el universo narrativo de En busca de Klingsor de Jorge Volpi

   El marco de esta novela de Jorge Volpi es innegablemente histórico, pero ello no condiciona ni limita el caudal de ficción que presupone componer una obra literaria que pretende desentrañar —en un entorno de búsqueda constante—, el inmenso movimiento lúdico que en ningún momento deja de estar presente. Precisamente las palabras claves son búsqueda y ludismo. No importa que esta búsqueda no conduzca a una solución definitiva, ni tampoco que el mencionado ludismo se ofrezca como un auténtico parteaguas en el desarrollo narrativo. Lo único que en verdad interesa es el hecho de internarnos en un mundo de evidente enajenación en donde los personajes que van y vienen se ubican en diferentes planos de esa misma ficción que mencionábamos al inicio. Si en el prefacio de la obra aquí analizada las palabras del profesor Gustav Link, matemático de la Universidad de Leipzig y supuesto escritor de esta novela nos introducen en el mundo de la tortura, del desamor, de la monomanía del poder, de la opresión constante que deviene del hecho de sabernos copartícipes inconscientes de tanta maldad; si esto sucede desde el inicio es porque el lúdico narrador se ha propuesto demostrarnos que en el universo de la literatura hasta la ciencia es imperfecta. La búsqueda de la verdad científica se nos escapa de las manos tanto como el querer saber quién era en realidad el maléfico Klingsor. Por otro lado, no podemos pasar por alto la imagen que representa el simbólico Francis Bacon, científico él también, pero perdido en la selva de sus controvertidas pasiones de donde ni el "Virgilio viejo y sordo" que representa el propio Gustav Link, podrá rescatarlo. Más aún, Bacon funcionará también como traidor al maestro, a su maestro que ha sabido conducirlo por los laberintos de los intertextos.

Juan Carlos Ramírez- Pimienta

Arizona Western College

Quizá con la lluvia: mujer y terror en la literatura fantástica de Francisco José Amparán

   Si bien Francisco José Amparán es más conocido como autor del género policiaco, también ha trabajado la literatura fantástica. Lo anterior no me parece coincidencia, estas dos literaturas, además de tener en común el ser consideradas marginales o subalternas en cuanto al capital cultural que manejan, tienen otras preocupaciones que las acercan. Como bien ha apuntado Tzevan Todorov, uno de los principales teóricos de lo fantástico, la literatura policíaca ha pasado a remplazar lo fantástico en varias de sus funciones.

   En esta ponencia estudiaré el cuento “Quizá con la lluvia”, publicado en 1985, dentro del cuentario Los once y sereno. Usaré este texto para hacer un análisis de un tema clásico de la literatura fantástica: la mujer como personificación del terror. Veremos, sin embargo, cómo esta constante es resemantizada en el texto de Amparán donde los personajes femeninos reflejan ya la naturaleza independiente que caracteriza a la mujer de fines del siglo XX.

Traci Roberts

University of California, Riverside

Bárbara Jacobs: Desde Las hojas muertas hasta Adiós humanidad

   Mi propósito es presentar un trabajo que analice la novelística de Bárbara Jacobs (México, D.F., 1947), a través de una comparación entre su primera novela, Las hojas muertas (1987), y su última novela, Adiós humanidad (1999). Añado a esta comparación comentarios acerca de otras obras literarias de la autora como Doce cuentos en contra (1982), Escrito en el tiempo (1985) y Vida con mi amigo (1994). Además de sus escritos narrativos, su columna periodística en La Jornada ofrece algunos datos con respecto a las dos novelas.

   Algunas características destacables de las novelas de Jacobs incluyen: la experimentación genérica, la narración desde el punto de vista juvenil y la exploración del lenguaje, incluso la preocupación por las lenguas tal como por las palabras por sí mismas. Además, examino la mezcla de géneros encontrada en la obra de Jacobs y la utilización del género alternativo que propone Mary Louise Pratt, Don’t Interrupt Me: The Gender Essay as Conversation and Countercanon (1995). Las hojas muertas se identifica con el género novelístico y biográfico; Doce cuentos en contra es una colección de cuentos y, a la vez, un libro de ensayos; Escrito en el tiempo es un libro de relatos, anécdotas o ensayos acerca del acto de escribir; y Vida con mi amigo se puede considerar una novela, una serie de conversaciones o una colección de ensayos. Por fin, en la última novela, Adiós humanidad, hay elementos de novela, guión de obra teatral, diario, y documento de análisis psicoanalítico.

   Para hablar del uso de la perspectiva juvenil y la preocupación por el lenguaje, utilizo el concepto de defamiliarization del artículo de Victor Shklovsky, “Art as Technique” (1917). Sostengo que, al presentar el mundo adulto desde la perspectiva de niños y adolescentes y al interrumpir la narración para examinar una palabra en particular, Jacobs los hace parecer extraños, o defamiliarized.

Miguel Rodríguez Lozano

Universidad Nacional Autónoma de México

La intención lúdica: Juan Justino Judicial de Gerardo Cornejo

   Alejado del centralismo cultural defeño, Gerardo Cornejo (Tarachi, Sonora, 1937) comparte, junto con Jesús Gardea, un momento importante en el desarrollo de las letras producidas en el norte de México, los años setenta. Desde ese entonces y a la fecha, el autor sonorense ha publicado cuento (El solar de los silencios, 1983), novela (La sierra y el viento, 1977), crónica (Como temiendo al olvido, 1998) y ensayo (Las dualidades fecundas, 1986). Su última novela hasta ahora, Juan Justino Judicial (1996), es una propuesta que marca un hito en lo que a su narrativa se refiere, sobre todo, en el aspecto formal que aparece en la obra. Este aspecto y el tema que subyace a lo largo del texto y que se impone desde el título mismo de la novela, realzan las cualidades de este escritor que frecuentemente ha sido dejado de lado por la crítica literaria. Más allá de autor del desierto, con Juan Justino Judicial Gerardo Cornejo apostó a una búsqueda que incluso lo alejó, en el nivel del lenguaje, de sus planteamientos anteriores. Mi intención en la ponencia es abordar el análisis de esta novela, distinguiendo sus cualidades literarias como un ejemplo de la propuesta discursiva de Gerardo Cornejo, quien, sin duda, es una referencia que no debe perderse de vista en el ámbito de la narrativa mexicana de fin de siglo.

Eugenia R. Romero

Emory University

Aproximación literaria a la ciudad de México: paradigma de la ciudad postmoderna

   La urbe es un objeto enigmático y para vivir en ella es necesario elaborar suposiciones, mitos, interpretaciones de símbolos, etc. tomados de diversas fuentes para crear versiones, individuales y colectivas, de lo real. Tomando como marco teórico las ideas de Néstor García Canclini, el presente trabajo pretende explorar el mapa del imaginario capitalino elaborado por el discurso literario. Por un lado se intentará identificar algunas de las voces y de los imaginarios que tienen por escenario la “Hermosa ciudad del desastre y la memoria: muy noble y leal y lacerada Ciudad de México.” Si se tiene en cuenta que la ciudad no son sólo los aspectos físicos y geográficos construidos por sus habitantes, lo citadino tiene que ver con el uso e interiorización del espacio urbano y sus vivencias. De este modo, la ciudad es un escenario del lenguaje, de evocaciones y de sueños, de imágenes variadas escrituras que toman forma desde el discurso literario.

   La narrativa en la cual se enfoca este trabajo no define a la ciudad, sino que le otorga una voz (voces) a los habitantes/protagonistas y mediante esta polifonía se logra descubrir que el Distrito Federal es la gran protagonista de la postmodernidad en México. Sería casi imposible hacer un estudio de todas las novelas, historias cortas o crónicas que se han escrito sobre la megalópolis. Por esta razón, se han recogido textos que permiten abordar el tema haciendo un “viaje” desde la modernidad a la postmodernidad capitalina.

Ignacio Ruiz-Pérez

University of California, Santa Barbara

La sombra y la flama: aproximaciones a Música lunar de Efraín Bartolomé

   El propósito de mi trabajo es ubicar la obra de Bartolomé en el seno de la tradición poética en Chiapas: desde Jaime Sabines y la aparición del grupo “La espiga amotinada”, que agrupó a Juan Bañuelos, Óscar Oliva, Eraclio Zepeda, Jaime Labastida y Jaime Augusto Shelley; hasta la generación de poetas nacida a partir de 1940, entre los que se encuentran Raúl Garduño y Joaquín Vásquez Aguilar. Las obras de los autores antes mencionados mantienen una suerte de apego a lo telúrico: las sombras gestan un rostro indescifrable que contempla la caída del agua e hilvana las estaciones. El yo poético busca fusionarse y contemplar la realidad. Lo temporal reside en el lenguaje. El mundo, en ese sentido, es una celebración de la vida en la que la ceiba, árbol sagrado, se convierte en una alegoría del sueño y de la creación. Mi objetivo, entonces, es analizar Música lunar como un texto en el que todos los tiempos confluyen en un solo rostro: la Gran Diosa, la Yegua Nocturna, encarnaciones ambas del deseo y del acto creativo. La palabra no sólo devela el mundo, sino también lo construye. La escritura celebra la noche, la callada música del tiempo: luz y frenesí, creencia y memoria. Considero que Música lunar es el ars poética de Bartolomé: la poesía como un oficio sagrado, acto que se enclava en el discurso de la realidad para configurar una de las obras más intensas de la poesía mexicana en los últimos años: la flama del instante que devora la oscuridad y suspende el tiempo, principio y fin del lenguaje.

Eduardo Santa Cruz

Hanover College

Un nuevo discurso para el Siglo XXI

   En su más reciente novela El otro amor de su vida (1999), Héctor Manjarrez, aborda una narrativa sorpresiva y fresca, de gran contraste con la más sobria o pesimista que se escribiera en México en la década previa al cierre del no muy augurioso dos mil. Sin romper con la tradición de un discurso complejo como el que nos ofreció en El camino de los sentimientos (1990) y Ya casi no tengo rostro (1996), Manjarrez incorpora de nuevo la ironía y el humor que aparecieran en Acto propiciatorio (1970) y Lapsus (1971).

   Con más comedia que drama aunque siempre profunda en su exposición de las debilidades y aspiraciones humanas, Manjarrez ubica su narración en una de las múltiples, populares y vertiginosas colonias de la Capital. Lo más novedoso está en la protagonista de esta novela, una mujer en pleno control de su vida que, desde un espacio y particularidades específicas, nos ilustra las complejidades de las relaciones humanas en la “pos/modernidad” urbana.

Georgia Seminet

“La recepción de Minotauromaquia: crónica de un desencuentro de Tita Valencia: las ediciones de 1976 y 1999”

   A pesar de haber ganado el Premio Xavier Villaurrutia en 1977, sorprende la falta de bibliografía crítica acerca de Minotauromaquia (1976).  Sin embargo, al leer las reseñas de Minotauromaquia que salieron en 1977 y en 1999, se destaca la unanimidad con que todos los críticos elogian el primer libro de Tita Valencia.    Todos afirman la belleza de la prosa poética y la agudeza con que el libro narra una relación amorosa que se ha truncado.  Sin duda, la sensualidad y la honestidad de la prosa merecen comentarios críticos más detallados.  Por otra parte, las referencias eclécticas simbólicas y el vasto conocimiento cultural de la autora que informa cada pasaje del texto nos indican otra vía de investigación.

   La naturaleza confesional y personal de una historia de amor fracasado quizás haya contribuido a que los reseñadores del texto, tanto hoy como en 1977, hayan hecho caso omiso a una interpretación sociocultural del libro.  Con la excepción de Socorro Díaz en 1977, y de Martha Robles en 1999 en el prólogo a la segunda edición, los lectores críticos han preferido resaltar la clasificación difícil del género de Minotauromaquia en vez de indagar en su contenido sociocultural.

   En este trabajo, quisiera yo poner de relieve la posición marginal que ha ocupado el texto de Valencia en la crítica.  Las palabras proféticas de la autora, "...lo esencial debe ser siempre marginal" (entrevista en El Gallo Ilustrado, 763, 6/2/77) aluden al diálogo que debe existir entre y desde varias posiciones socioculturales.

   Minotauromaquia plantea este diálogo desde la perspectiva de la mujer, luchando desde el margen contra el monolítico minotauro que representa la sociedad patriarcal.  Mantendré que el diálogi implícito en Minotauromaquia  se ha quedado marginado en la crítica debido a  la falta de investigación que haya vinculado el texto con su momento histórico particular.

César Antonio Sotelo Gutiérrez

Universidad Autónoma de Chihuahua

Guerra en el Paraíso de Carlos Montemayor: La novela no ficticia como instrumento de análisis político

   La novela mexicana de fin de siglo, desde hace varios años, intenta realizar un análisis de la conflictiva situación del país, que enfrenta al futuro en medio de una grave crisis política, económica y social. Ante la inminente y obligada perspectiva de cambios radicales en todas las estructuras, los novelistas han seguido distintos caminos, para incidir en lo que ellos consideran las causas profundas de la problemática nacional. La variedad temática de la narrativa en la última década del siglo XX, señala los principales males que aquejan a México, involucra al lector en una reflexión sobre la realidad en que vive y se relaciona con una búsqueda formal, que ha impulsado el desarrollo de diversas técnicas narrativas, siempre con el afán de, en su diversidad, plantear una revisión, a todos los niveles, de la sociedad contemporánea.

   Dicha búsqueda ha propiciado el desarrollo en nuestro país de formas novelísticas como la novela de no ficción, narrativa extraída de hechos reales, presentada con técnicas novelísticas, con la finalidad de intensificar las dimensiones narrativas, para hacer "ver" al lector los hechos que cuenta, impactándolo con la veracidad de lo relatado. Así, auxiliado por la autobiografía, el periodismo y distintos elementos de la cultura popular, el novelista encuentra en la ficción un vehículo idóneo para fundamentar una crítica política o social en su obra.

   En Guerra en el paraíso, Carlos Montemayor utiliza la novela de no ficción para realizar un análisis político del México finisecular. Elaborada con base en una estricta investigación documental, la obra es el testimonio del movimiento armado encabezado por Lucio Cabañas, que durante los setenta, luchó en defensa de los campesinos mexicanos, en la sierra de Guerrero. Al mismo tiempo, es una profunda reflexión histórica, sobre los orígenes de la lucha, sus consecuencias y la importancia que tuvo para el desarrollo de la conciencia histórica del país. Publicada en 1991, el relato cobra vigencia a la luz de los acontecimientos posteriores, cuando el movimiento armado surgido en Chiapas confirma que la injusticia y la miseria siguen deteniendo el desarrollo del campo en México.

Mariana Libertad Suárez Velázquez

Universidad Simón Bolívar

Valle de Sartenejas- Venezuela

   Objeto sagrado, tentación y pecado: una aproximación al personaje femenino en Recuerdos del porvenir, de Elena Garro.

   Desde nuestro primer acercamiento a Recuerdos del porvenir, de Elena Garro, asumimos esta obra como un texto construido desde el diálogo, la confrontación y el contraste de dos personajes femeninos: Julia Andrade e Isabel Moncada.

   Lejos de conducir su historia, estos personajes la padecen. Observan pasivamente cómo se desarrollan los acontecimientos que afectan su destino y, aunque eventualmente sean capaces de demostrar su descontento, siempre acaban por asumir el rol que les fue pautado por el otro.

   Desde el comienzo mismo del texto, podemos reconocer una serie de constantes de la novela hispanoamericana finisecular escrita por mujer, tales como la reconstrucción de la Historia desde la cotidianidad, la relación mujer, espacio cerrado, frente al paralelismo hombre, espacio público, o la negación de la subjetividad a la mujer hispanoamericana de la primera mitad del siglo veinte.

   A pesar de la presencia de estos tópicos, ocurre algo dentro de esta obra que la aleja de las constantes en torno a la construcción del personaje femenino en sus contemporáneas: si bien Isabel y Julia se construyen a partir de la heterodesignación, se mantienen al margen de la Historia oficial, y presentan claros rasgos de identitarios de carácter relacional, ambas se erigen como el eje de la historia cotidiana de Ixtepec.

   No por casualidad, la voz narrativa principal de la obra es el pueblo mismo que, además de relatar los sucesos, sirve como espejo a los dos personajes centrales del texto. La identidad colectiva, y el paralelismo mujer-tierra-madre, le sirven de estrategia a la autora para mostrar personajes- objetos capaces de subvertir la historia haciendo uso de la heterodesignación.

   El discurso de un otro colectivo carga a estos cuerpos vacíos de diferentes significados. Tanto Isabel como Julia, son construidas por el pueblo como diosas, heroínas, prostitutas, portadoras del perdón o del pecado, objeto de amor u objeto de deseo.

   Tienen negado el verbo y, en consecuencia, su existencia como sujeto. A pesar de ello, la carga semántica que reciben del otro convierte sus recuerdos y su historia personal en la historia de un pueblo entero.

Sebastian Thies

Universitat Osnabruck

Alemania La memoria colectiva, la escritura y el poder en Pretexta de Federico Campbell

   En la narrativa histórica mexicana de las últimas dos décadas, la memoria colectiva desempeña un papel predominante en la reflexión literaria acerca de la función y la forma del discurso histórico. El concepto de la memoria colectiva no sólo influye en el nivel metafórico, alegórico o metaficcional de las obras, sino que resulta ser también un factor decisivo en su estructura narrativa. Entre la producción narrativa, a la cual aplican dichas observaciones, Pretexta (1979) de Federico Campbell destaca por la manera satírica en que vincula la escritura, la memoria colectiva y las manipulaciones de la historia de parte del poder. Campbell utiliza con el archivo una metáfora aquitectónica de la memoria colectiva, por medio de la cual logra descubrir el orden jerárquico que reglamenta el discurso histórico en un régimen autocrático. La figura del escritor se ve expuesta a una presión política y social en la que, para poder escribir, tiene que tergiversar la historia y aniquilar su propia identidad. Guiado por su grafomanía y su frenesí de interpretación, utiliza el archivo de la memoria colectiva para escribir un mamotreto con el que comete, al mismo tiempo, traición a la verdad y parricidio intelectual. Su fracaso, que paga con un delirio de persecución literaria, es más que un sólo esperpento de la situación política y el ambiente represivo en el México de los años setenta. La novela de Federico Campbell problematiza de manera hiperbólica la función ética del escritor en la restitución y reconstrucción de la memoria colectiva.

Angélica Tornero

Universidad Nacional Autónoma de México

La deriva semántica en Incurable de David Huerta

   En la construcción de esta poética, la palabra se constituye con la violencia que libera y crea nuevos significados; la conciencia se exalta mediante el poder que ejerce el mundo diseminado en el texto, entretejiendo así otra propuesta, una que ahora es propia. Para ejercer la violencia y erigir a partir de ella la matriz de distribución de la poética, se acude a la deriva semántica, entre otros procedimientos. Mediante esta aproximación, el poeta no rompe la sintaxis totalmente, no se trata de escritura automática, antes, disemina el sentido, deconstruye la simbólica, logrando un efecto de rizoma. La dinámica del texto basada en esta deriva semántica y en la acumulación abundante, produce el efecto de ruptura sintáctica, cuando la fuerza está en la ruptura semántica. En este trabajo se analiza este procedimiento.

Vicente Francisco Torres Medina

Universidad Autónoma Metropolitana

Cirqueros

   Guiado por el ámbito circense, se comentan tres novelas representativas de los intereses de los novelistas mexicanos contemporáneos. Manuel Echeverría apuesta por un argumento lleno de peripecias, Daniel Sada por el rigor estilístico y David Toscana ensaya una historia alucinante.

Eloy Urroz

James Madison University

Paraíso clausurado, de Pedro Ángel Palou

   En el último libro de Enrique Vila Matas, Bartleby y compañía, se habla de los escritores del No (con mayúscula), en él se hace una revisión sistemática de todos esos poetas o narradores que sufrieron la llamada pulsación negativa dejándolos ésta paralizados sin poder volver a escribir, el resto o parte de sus vidas. Allí están, entre otros muchos, Rober Walser, Salinger, Henry Roth y Juan Rulfo. Sin embargo, entre esa lista interminable, uno se le escabulló a Vila Matas: el poeta mexicano Juan Gavito, quien luego de dar a la imprenta dos libros de poesía en los años cincuenta, no volvió a publicar un solo libro. Escribió, sí, algunos relatos, fragmentos de historias o memorias veladas, retazos que (como el libro postrero de Rulfo), nos dejan con el deseo y la avidez de haber leído más de él, algo de su obra de madurez. Empero, ese deseo queda intervenido, bloqueado, por esa pulsación, por ese poder paralizante del No, que lo hundió en una larga y terrorífica depresión, a la que él gustaba llamar melancolía. William Styron, en su libro autobiográfico Visible Darkness, también narra su visión de la muerte, y también prefiere llamarla como Gavito: melancolía y no depresión. Paraíso clausurado, pues, se aboca a ese tema.

   Al igual que El temperamento melancólico, de Jorge Volpi, Paraíso clausurado busca asentarse en varios registros: el diálogo, el aforismo, el sueño, el poema, las cartas, el diagnóstico médico y algunos fragmentos de obra. Esta fragmentación o dispersión me parece, a fin de cuentas, bien articulada desde el momento en que se trata (no lo olvidemos) de la obra y la vida de un ser fragmentado, un poeta fracturado por su tiempo.

   Hay libros que discurren a través de la acción: los cuerpos van, vienen, accionan, cambian de lugar. Esto no sucede en Paraíso clausurado. Y esto es más que nada una imposición del autor, un ejercicio, una ascesis. ¿Para qué perdernos, pues, en esos laberintos?, parece indicar Eladio, el narrador, cuando todo a la postre se concentra en eso que decimos, en eso que oímos, prolongación de nuestros actos, es decir, de nuestras vidas, lo que al cabo somos.

   Ya Palou había explorado en la vida de otro gran poeta, Xavier Villaurrutia. Su novela, En la alcoba de un mundo, de 1992, vista ahora, podría presagiar la que leemos ocho años más tarde. Si Villaurrutia se suicida, Gavito ha resuelto no hacerlo. No hay fe en ello ni tampoco una moral de por medio. No sé si cabría hablar de coraje, pues Gavito detestaría esa noción. En todo caso, Juan Gavito elige esperar hasta el día de la muerte, cuando el cuerpo mismo (hasta el último suspiro) se lo permita. Y en ello, entre otras cosas, radicaría la diferencia con Villaurritia. Sin embargo, me atrevo aquí a sugerir que su negativa al suicidio tiene que ver, ante todo, con su hija muerta; no sé si sea, tal vez, una última forma de lealtad o, quizá es que, sobreviviendo, Gavito le guarda memoria. Lo que en todo caso es importante recordar es que fue justo a raíz de la muerte de esa niña que Gavito cae en esa locura que llamamos melancolía y que en su caso lo apartó para siempre del mundo y de la poesía.

     Podría llevarnos páginas discutir y comentar las razones que en el fondo mueven a Eladio, el joven narrador, a malgastar su vida poniéndola en manos del fracaso, o lo que él reconoce (lúcidamente) como fracaso: la noción de la poesía vetada, la noción del edén clausurado. ¿Qué peor fracaso puede haber? ¿O es que acaso, y esto sólo lo sabe Eladio (y nosotros debemos adivinarlo), en ello radica la victoria de su maestro? ¿Justo en ese silencio con el que, a la postre, niega al mundo? ¿Es ése su aprendizaje luego de haber ofrecido una vida entera a su maestro?.

Víctor Hugo Vásquez Rentería

Rockhurst University Universidad Veracruzana

El desencanto del hallazgo: memoria y extravío en Las aguas derramadas de Severino Salazar

   Perteneciente a una generación de escritores que ha visto crecer, sin prisa pero sin pausa, el interés por su trabajo, Severino Salazar pasa lista entre los narradores que apuestan por la condición humana, mejor aun, por bucear en las reconditeces de la misma, a fin de dar cuenta del hastio, el quebranto, el aniquilamiento de las pretensiones, o simplemente de lo contudente que resulta el fracaso cotidiano. De esta manera, Salazar, en el volumen de cuentos Las aguas derramadas, pergeña microuniversos demasiado humanos de tan crueles, de tan sórdidos, de tan esperanzados. El estudio de dicho volumen a partir de las instancias de la memoria y el extravío, permite delinear un mapa de las inquietudes temáticas del autor y el funcionamiento de las mismas en el texto. De igual manera posibilita establecer vasos comunicantes con algunas de sus novelas: Llorar frente al espejo, Donde deben estar las catedrales y El mundo es un lugar extraño.

Minerva Margarita Villarreal

Universidad Autónoma de Nuevo León

El neobarroco de Noviembre
(Estudio de Cuaderno de Noviembre, de David Huerta)

   Ver lo inverosímil y oír lo inaudito. O mejor, dice Octavio Paz, ver lo inaudito y oír lo inverosímil, esa cualidad que la poesía dispone, abriendo un designio a los sentidos, transformando sus funciones desde la puerta de la imaginación, significándolos en su ausencia, llamándolos, explorándolos para que vuelvan a la reflexión del versar. Esa cualidad o fiebre de lenguaje. Esa virtud o fuente originaria que dota de nombres a los objetos para hacerlos vivibles, tiene una razón de estudio en la poesía de David Huerta. Y hay un libro específico, Cuaderno de noviembre (Primera Ed., 1976; Segunda Ed., 1992), en el que lo innombrable es dado a la luz a través de un mecanismo que resuma extrañamiento y sordidez. Un mecanismo de lenguaje. Un detenerse en las palabras sin aviso ni orden. Como si sólo así penetráramos en la riqueza inasible. A través del entrecomillado de lo que no parece decir. Pero dice. Dicen también los postes y las calles vacías. Dicen las cabinas telefónicas y los túneles, dice el detenimiento al que obliga cada signo que señala el discurso, cada cursiva o cada guión:

   Por eso: “Es oíble el pasaje de allá a ahora, incrustaciones de espejo lo devuelven A su túnica hueca, sus heridos aceites”.

   Los sentidos que el mismo ritmo genera. Los sentidos de la poesía dictándose en la figura de la proliferación, dispersándose en el desperdicio del lenguaje, bañados en el erotismo ritual de un verso ambiguo, largo, opuesto al habla. Sólo ese entrecruzamiento de artificialidad y goce permite plasmar las líneas de la vida. Sólo así, en esa abundancia de imágenes, se dicta la esencia de una historia: Noviembre es escritura y es monstruosa escritura. Es el polifemo regresando siempre a su isla estéril, es ese cíclope enfermo y padecido. Es el cuerpo del amor sacrificado para la gloria del lenguaje. Recordar, imaginar, nombrar. Cuaderno de noviembre es un poema extenso y es también una serie de poemas concatenados en la suma, reunidos en la agregación. Sin títulos individuales ni apartados numéricos correspondientes, la mayúscula del principio y el cambio de página son las únicas señales que indican el cambio de tono o de persona al que nos abriremos. La diferencia como herida. La presencia de algo o de alguien, o de alguien y algo sigue ahí, irrumpiendo desde un fondo abismal, con un fuero caótico, creando una atmósfera donde imperan la densidad y el peso abrumante de lo complejo.

Carlos Von Son

California State University, San Marcos

La metaficción como de/construcción textual en La familia vino del norte

   En la novela La familia vino del norte, de Silvia Molina, se manifiestan varios discursos simultáneamente. La narradora (Dorotea) investiga la historia familiar a través de la vida de su abuelo (Teodoro), un general de la Revolución Mexicana. Por lo tanto, la narradora entreteje su vida cotidiana en la ciudad de México con la historia de la Revolución, con el diario de su abuelo y con otras novelas de la revolución. Más importante, la narradora funde su narración con las investigaciones y la escritura producida por su amante (Manuel) que es periodista. El entretejer su vida diaria, que es su propia escritura, con los otros discursos en esta novela es fundamental para su estudio bajo la metaficción, pues como sugiere Patricia Waugh, la metaficción muestra cómo la literatura está construida como los eventos que nos narramos de la vida diaria. La novela de Molina utiliza varias formas de expresión metaficticia, como son la "autoconcepción" del/a narrador/a, en que el/la narrador/a se desarrolla hasta que termina el texto con un comentario de autoreferencia a la construcción misma del texto; como la "sur-ficción", en que el/la narrador/a entra al texto mismo para hacer comentarios no solamente sobre el texto sino hacia los lectores; y como la "anti-novela", en que el/la narrador/a construye un texto en oposición a otros textos o discursos entre otras. Al final de la novela, la narradora termina su texto en contraposición con el texto de su amante Manuel como un cuestionamiento pero también como un texto paralelo al suyo. Aún más, su texto y el texto ficcional que publica re-escriben la historia de la Revolución, específicamente la revuelta de Serrano. El texto de Silvia Molina es un rompecabezas que al final abre un espacio en el cual no solamente da voz a la voz silenciada de su abuelo sino que se otorga también un espacio como mujer escritora.

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