Universidad Iberoamericana
La forma del tiempo: temporalidad y textualidad en A la hora y en la hora de Hugo Rascón Banda y Luis de Tavira.
University of Texas
at El Paso
En flamante ascenso pese a los pesares y sobre todo a sus imprudentes posturas (o a su muerte, cualquiera de las dos son razones injustas), el poeta y cuentista Roberto Bolaño es una lectura que, seguramente como resultado del placer que me produce, se me ha convertido en urgencia; en urgencia que ahora procuro canalizar en la forma de una reflexión; en la forma de una reflexión sobre uno de sus libros de cuentos: Putas Asesinas (Anagrama, 2001). Chileno de nacimiento (español de muerte) pero mexicano de formación si hemos de hacer caso a la lectura que de su obra hace Juan Villoro, Bolaño es, dada la realidad temática que prefigura mucha de su literatura, uno de los escritores mexicanos contemporáneos. O mejor, como le gustaría decir a él (de hecho lo hizo en entrevista para Playboy México, en abril del 2003), un escritor latinoamericano, con lo cual no refiere un accidente geográfico, sino más bien, me parece, una preocupación (¿angustia?) generacional.
En palabras de Villoro (quien extrañamente las pronuncia hablando de Los Detectives Salvajes), “quizás el territorio natural de Bolaño sea el cuento”. Y como sucinta explicación de lo anterior, el escritor mexicano agrega: “Después de décadas de escribir poesía, se facultó para contar historias tensas, que operan por alusión”. Afirmación que refiere algunos de los procedimientos formales empleados en sus cuentos, y que en mi ensayo rastrearía con varios ejemplos, vinculándolos, además, con otra particular característica que encuentro fundamental y, sobre todo, reiterada. Bolaño escribe cuentos largos. Y no me refiero a su extensión (observación posible, por lo demás), sino a la cantidad de tiempo dramático, al deseo evidente de construir aparentes digresiones dentro de un género consagrado por el canon a un cierto sentido estricto de unidad.
Un segundo punto, a mi juicio fundamental, para abordar los cuentos de Putas Asesinas y Llamadas Telefónicas (en realidad toda la obra de Bolaño), lo encontré planteado en palabras de otro ferviente lector de la obra de Bolaño: Enrique Vila-Matas. Rastreando toda una tradición que quizás se evidencia con fuerza en Kafka (renombradas son aquellas líneas que le escribiera a Felice Bauer: “No es que tenga una cierta tendencia a la literatura, es que soy literatura”), el escritor catalán establece una diferencia fundamental entre el escritor “extravagante” entendido como “la trasformación de uno mismo en personaje literario”, y el escritor “gentleman, profesional, que no confunde los libros con su persona y desdeña el carisma como prolongación de la obra”. Esta diferencia no sólo abrirá camino, dentro de mi reflexión, a la posibilidad de preguntarse sobre el por qué del carácter autobiográfico de buena parte de estos cuentos (camino posible), sino, sobre todo, al sentido generacional y gremial que en ellos, me parece, se pretende construir.
Memphis University
Seducción
y apreciación, historia y literatura en Las
ciudades de los desdichados,
de M. A. Campos.
Para sobrevivir aquí: el espacio femenino y la voz en la narrativa de Cristina Pacheco
La casa convertida en funeraria, la azotea de un edificio deteriorado, el cuartucho de una vecindad y el improvisado lecho de hospital son algunos de los espacios que comparten las mujeres en la narrativa de Cristina Pacheco. Con un tono claramente documental, en su ficción Pacheco define lo que es ser mujer de clase trabajadora en la Ciudad de México. Si bien la autora incorpora tipos reconocidos en la literatura urbana, a saber: la madre que mantiene a la familia lavando ropa ajena, la joven provinciana que trabaja en la capital como sirvienta, y la anciana abandonada en un hospital del gobierno; la naturalidad y fuerza de sus protagonistas revelan un conocimiento --propongo-- logrado no sólo a través de la función periodística de la autora, sino de su propio aprendizaje como mujer-pobre-inmigrante que consigue sobrevivir en la Ciudad de México.
La Conspiración Idiota, de Ricardo Chávez Castañeda
Si
hablamos de literatura mexicana contemporánea, hablar del Crack no sólo es
imprescindible; es, a todas luces, necesario. Sin embargo, justo es reconocer
que la fama de autores como Jorge Volpi e Ignacio Padilla, o, incluso, el propio
Eloy Urroz, ha semiocultado la fama de otros autores relegándolos, por diversas
razones, a un segundo plano. Para esta conferencia, mi propuesta es acercarnos a
la obra de Ricardo Chávez Castañeda, miembro en un primer momento del Grupo
Crack. Uno de los escritores
nacidos en los sesenta, más laureados en lo que se refiere a su producción
literaria, y probablemente el más desconocido de los novelistas que formaron el
movimiento
Crack. Mi propuesta para el Congreso
de Literatura Mexicana
es analizar muy brevemente su efímera relación con el grupo y las posibles
causas de su evidente ruptura; para pasar posteriormente a una aproximación
analítica de su obra La Conspiración Idiota,
que Ricardo Chávez Castañeda presentó junto a las obras de otros
autores crakeros el día de la lectura del Manifiesto y que, sin embargo, fue
rechazada por Nueva Imagen
―la editorial que sirvió de lanzamiento a los autores de Crack y que un año
más tarde sí iba a publicar El Día del Hurón
― y que ha sido publicada en Mayo de este año por Alfaguara
México.
Por su tema, planteamiento y desarrollo, La
Conspiración Idiota
es sin duda la novela más experimental de Ricardo Chávez Castañeda, y
diferente a cuanto el novelista había escrito hasta la fecha. El análisis de
su obra, así como comprobar hasta qué punto la novela se adecua a los
postulados del Crack, será uno de los principales objetivos de la ponencia, así
como abrir el camino a posibles futuras investigaciones sobre la obra del
escritor mexicano.
Tulane University
¿Subversiones o reproducciones?: la
norma heterosexual en Infinita
de Ethel Krauze
En este trabajo me propongo analizar las representaciones de la norma heterosexual como institución reguladora de los cuerpos y discursos que determinan las subjetividades individuales de los personajes recreados en la novela Infinita. A partir de la revisión de las relaciones establecidas entre los personajes, pretendo mostrar cómo la autora deconstruye la concepción de género como un aspecto natural fundamentado en la institución heterosexual y plantea en sus personajes la posibilidad de comprender el género más como un hacer que como un ser (Judith Butler, 1990). Sin embargo, mi análisis estará, a un mismo tiempo, enfocado en develar cómo las subversiones genéricas responden asimismo a la compulsión heterosexual (Adrienne Rich, 1993) desde la cual son producidas y por tanto, perpetúan la institución a la cual buscan rebelarse.
Universidad de Sonora
La
metáfora del recorrido en la narrativa mexicana contemporánea
Rastrear las características y la evolución de la novela mexicana es una tarea ardua pero, de manera paradójica, relativamente sencilla hasta finales de la década de los cuarentas del pasado siglo XX: las formalizaciones novelescas atendían, al menos nominalmente, las particularidades de las corrientes y los movimientos literarios europeos --pese a las propuestas originalísimas del modernismo y la novela de la revolución--, si bien hay un proceso original de apropiación y reelaboración de los modelos que debe pensarse y replantearse en la actualidad.
Sin embargo, con el reconocimiento y asunción de la contemporaneidad --"contemporaneidad" en el sentido ético, filosófico del término--, la situación cambió drásticamente. La novela mexicana enfrenta al lector a un fenómeno que desarrolla no sólo temáticas sino planteamientos éticos y estéticos muy diversos, coexistiendo en un mismo plano espacio-temporal.
A partir de estas consideraciones, con este trabajo se busca el reconocimiento de la posible red de relaciones que unifica ese corpus diverso, el cual conduce a estudiar la metáfora del recorrido en la novela mexicana contemporánea.
University of California-Irvine
La subjetiva objetividad: Tajimara, cineficción
En 1964,
cuando se organizó El Primero Festival de Cine Experimental en México, la
Generación de la Ruptura—la de Medio Siglo—participó casi como si fuera un
proyecto de su grupo. Entre las películas
hechas de cuentos recién publicados,
Tajimara
del cuento de García Ponce fue un verdadero éxito.
Gracias a la colaboración de Juan José Gurrola con el autor, la película
logró una re-presentación del texto que logró visualizar y materializar
fielmente los conceptos y actitudes, no sólo del autor, sino de su
protagonista-narrador.
Es impresionante como la película capta el sentido fenomenológico del
original; o sea, la realidad es una construcción de lo visto a través de una
perspectiva siempre limitada y una reconstrucción de la facultad de la memoria
a base de recuerdos igualmente limitados y por un proceso selectivo que fácilmente
se frustra al enfrentarse con impresionas ajenas al proyecto racional.
Con ejemplos de unas pocas escenas de Tajimara,
mostraré las técnicas utilizadas por los colaboradores: Gurrola y García
Ponce para recrear en el lenguaje cinematográfico los efectos retóricos del
texto del autor singular que es García Ponce.
The College of William and Mary
Art
and Activism: From La
frontera de cristal
to La señorita
extraviada
In his essay, “In Defense of the Word,” Eduardo Galeano argues: “A
literature born in the process of crisis and change, and deeply immersed in the
risks and events of its time, can indeed help to create the symbols of a new
reality, and perhaps throw light on the signs along the road.
To claim that literature on its own is going to change reality would be
an act of madness or arrogance. It
seems to me no less foolish to deny that it can aid in making this change.”
My paper will examine Carlos Fuentes’s La
frontera de cristal along with the documentaries, Performing
the Border and La señorita
extraviada, as evidence of the
legitimacy of Galeano’s claim for activist art.
I believe that the recent progress made in the Ciudad Juárez murders is
a direct result of activism and advocacy accomplished in the name of art and is
evidence of art’s ability to move us to action in a way that news reports
cannot.
In “Río Grande, Río Bravo”, the last story in La
frontera de cristal, Fuentes’s character, José Francisco, who carried
literary manuscripts back and forth across the border, “helps” the border
guards examine his contraband by throwing his manuscripts “a las fronteras,
convencido de que las palabras volarían hasta encontrar su destino, sus
lectores, sus auditors, sus lenguas, sus ojos” (295).
My study will focus on Fuentes’s representations of the post-NAFTA
border and the ways in which filmmakers Ursula Biermann and Lourdes Portillo
also attempt “to throw light on the signs along the road.”
I will further examine the connection between these works and the idea
that such artistic responses form a network for change that might someday
provoke a reaction similar to that of Fuentes’s character: “vio los brazos
abiertos en cruz de los manifestantes del lado de Ciudad Juárez, cómo se
levantaron a pescar al vuelo las cuartillas, y lanzó un grito de victoria que
rompió para siempre el cristal de la frontera…”(296).
Becario de la Fundación para las Letras Mexicanas
Mario Calderón y la estructura de la
realidad en Destino y otras ficciones
Calderón ha expuesto en su libro Destino y otras ficciones un método para la lectura del inconsciente o "adivinación", como él lo llama. Por medio de este método se pueden conocer datos generales del presente, pasado e incluso del futuro de cualquier individuo interpretando tan sólo los objetos y circunstancias que se encuentran a su alrededor.
Desarrollado a partir de la literatura, la lectura del inconsciente entiende el mundo como una obra literaria. De tal modo, Calderón propone interpretar la realidad igual a un poema o una novela. Y así funciona su método. Al parecer, Mario Calderón ha descubierto la estructura de la realidad. Esto se muestra en los cuentos “Destino”, “Leyendo en el transcurso” y “Juego nuevo”. Él, como autor, se presentó a un experimento en la Facultad de Psicología de la Universidad Autónoma de Puebla, donde expuso su método y, después de la demostración exitosa, le fue extendida una constancia de efectividad del cien por ciento.
El libro de cuentos Destino y otras ficciones, del cual nos ocupamos, ha sido reseñado por varios críticos que han dado constancia de la veracidad del descubrimiento. Entre ellos se puede contar a Vicente Francisco Torres, Ignacio Trejo Fuentes, Patricia Hillhuys, así como a los novelistas Herminio Martínez y Marco Tulio Aguilera Garramuño.
Calderón demuestra, a través de su narrativa, la existencia del destino. Y esa verdad que Calderón devela pone en jaque la estructura mental de la modernidad, basada en el libre albedrío y en la idea de que el hombre es arquitecto y hacedor de su propio destino. Es necesario penetrar en la obra de Mario Calderón para conocer los nuevos caminos que el realismo ha tomado porque hoy, como nunca jamás en la historia, lo “real” y lo “fantástico” se han entrecruzado y vuelto uno mismo.
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
Algunas formas de lo artístico en el cuento mexicano de las últimas cuatro décadas
El objetivo del presente trabajo es señalar algunas formas destacadas que han empleado en México los cuentistas para obtener lo artístico a partir de los años sesenta hasta hoy.
Entre los escritores nacidos en la década de los treinta, Juan García Ponce, Salvador Elizondo, Jorge Ibargüengoytia y Renato Prada Oropeza, por ejemplo, puede descubrirse en algunos de sus cuentos que consiguen la connotación, esencia de lo artístico, a través del símbolo onírico derivado de la teoría freudiana.
En algunos cuentos de autores nacidos en los años cuarenta, considerados dentro de la narrativa del desierto, Severino Salazar, Jesús Gardea y Herminio Martínez, la connotación o el lenguaje polisémico parece estar construido con base en metáforas y alegorías.
Oscar de la Borbolla, en su narrativa del absurdo, en el cuento “Dios sí juega a los dados”, por ejemplo, consigue el doble significado mediante la palabra convertida en símbolo establecido con base en la cultura.
Actualmente existen otros cuentistas como David Toscaza, José Sánchez Carbó y otros que cultivan la metaficción como un modo de conseguir lo literario y existen otros autores, entre ellos Emiliano Pérez Cruz y algunas narradoras feministas, Josefina Estrada, Ethel Krauze y Mónica Lavín, que centran su atención en contar únicamente una historia interesante.
Swarthmore College
La
silla del águila
de Carlos Fuentes: novela y recapitulación
La última
novela de Carlos Fuentes se inscribe en la gran tradición latinoamericana de la
novela política. Como fruto de un narrador consagrado y travieso, no es de
sorprender que en forma
La novela medita sobre el valor de la inocencia personal en la vida política
de la nación; el amor y el erotismo (falsos y genuinos); el lugar de los
intelectuales y artistas en la política; la ambición, la venalidad y el egoísmo
como motores de la historia. Ciertos
temas y recursos narrativos llevan la marca de Carlos Fuentes y le dan a la obra
un valor recapitulador: el juego con el lenguaje, incluyendo escatología y
parodia; cierto humor apocalíptico, como el que vemos en Cristóbal Nonato;
la evocación de significados a través de la música popular; las
referencias al cine; cierto énfasis en aspectos raciales; los “guiños” a
sus amigos escritores, en este caso Pacheco, Aguilar Camín, Pérez Gay, así
como al pintor Cuevas y a otros grandes autores latinoamericanos.
Este artículo-ponencia intenta mostrar que la novela viene a ocupar un
lugar importante en la enorme empresa del escritor de escribir nada menos que La
edad del tiempo. Quiero destacar lo
que tiene de summa la novela, en la que el
autor de 74 años reitera las grandes preocupaciones de su narrativa y
cuenta una historia compleja que a la vez nos implica y nos ilumina.
Universidad Nacional Autónoma de México
La recepci
La teoría de la recepción literaria surgió en la Alemania de los 60s como una consecuencia necesaria de la búsqueda por romper la forma tradicional en la que se hacían los estudios de literatura, que aparecían como insuficientes al dejar fuera de ellos a uno de los elementos más importantes del proceso literario: el lector. Sus máximos representantes, Hans Robert Jauss y Wolfgang Iser, adscritos ambos a la Universidad de Constanza, sede de este movimiento teórico, delinearon los postulados de una teoría de la recepción y el efecto estético, tomando como base las aportaciones más sobresalientes de la crítica literaria precedente.
Al tomar en cuenta el papel decisivo e inclusivo del lector en el proceso de la literatura, la teoría de la recepción parecía dar respuesta a interrogantes diversas que no habían sido satisfechas con anterioridad. Jauss partió de una reformulación de la historia literaria, cuya aspiración había de ser no sólo incluir al lector en el proceso de la literatura sino también dar cuenta de los fenómenos de recepción de las obras en momentos diversos de ese devenir. Para lograr esta tarea, estableció una serie de postulados teóricos que condujeron a la posibilidad de reconstruir el horizonte de expectativas sobre el cual se asienta una obra determinada, lo que permite atisbar las circunstancias de su recepción.
Desde este punto de vista, se ha procedido a hacer un análisis de la recepción de Alberto Chimal, pues a pesar de ser un prolífico y gran escritor, merecedor de premios diversos, su obra resulta poco conocida entre el público que se acerca a las letras mexicanas contemporáneas.
Con base en una investigación exhaustiva de las fuentes bibliohemerográficas que permitieron reconstruir el horizonte de expectativas en el que se enmarca la obra de Chimal, se presentarán los resultados más importantes con miras a comprender la recepción de este autor y asimismo delinear algunos de los retos a los que se enfrentan los jóvenes escritores mexicanos de la actualidad.
Universidad del Claustro de Sor Juana
Bajo la luz de haikú: traducción e intertextualidad en José Emilio Pacheco
Bajo la luz del haikú es una antología de poemas de Basho, Buson, Issa y algunos otros poetas japoneses traducidos por José Emilio Pacheco y publicada en 1997. Este poeta–traductor califica sus traducciones como aproximaciones. Sus aproximaciones son versiones en español que aspiran a ser leídas no como reflejos miméticos del original, sino como verdaderos poemas mexicanos, es decir, como poemas que respiran con naturalidad en el idioma de llegada. Así, el poema original se convierte en un texto que se entreteje de una manera nueva.
Pacheco hace de la traducción un juego intertextual en el que lo importante es que el nuevo entramado tenga un carácter poético y no su conservación filológica. Puede mantener poco o mucho de su vida anterior, lo cierto es que la nueva versión lo incorpora a la poesía en español y expande las fronteras de lo propio. Pacheco tiene la conciencia de que vivificar y purificar la lengua, auténtico tesoro nacional, es la misión del poeta. Me concentraré en la labor que realiza en la traducción del haikú. Esta es una forma poética en la que Pacheco encuentra concisión y extrema sencillez, cualidades muy apreciadas por él. Además, sus aproximaciones al haikú tienen una peculiaridad: traduce de traducciones en otros idiomas con tal de hacer propio lo ajeno. Afirma que la traducción es “la más salvaje y civilizadora de las tareas”. Avanza seguro de que la versión poética en otro idioma puede dotar al poema traducido de vida nueva. Por eso Pacheco escribe en “Escolio a Jorge Manrique”: “La mar no es el morir/ sino la eterna/ circulación de las transformaciones”. Finalmente, cada traducción es una interpretación desde un aquí y un ahora en otro idioma.
Nazareth College of
Rochester
Crónica,
nación y cultura popular en Escenas de pudor y liviandad
de Carlos Monsiváis
El género
de la crónica suele tener tantas expresiones narrativas como países, épocas y
escritores hay. En el caso de México, la crónica ha sido uno de los pilares
fundamentales de la identidad nacional, como sostienen los críticos: Carlos
Monsiváis en
A ustedes les consta
(1980, 27), Doris Sommer en Foundational Fictions (36-37), Jean Franco en Plotting Women
(1989, 79) y Benedict Anderson en Imagined Communities (1983,
132). El periodismo tiene una larga e importante trayectoria en México, sobre
todo si tomamos en cuenta que la primera máquina de imprenta en llegar a
territorio americano arribó a Nueva España (hoy México) en 1539. La crónica
desempeñó un papel determinante en la consolidación del proyecto
emancipatorio de la nación mexicana en el siglo XIX y fue generando diferentes
públicos de lectores, que llegarían a conformar lo que Jürgen Habermas llama
la "esfera de la opinión pública" (Habermas
and the Public Sphere,
1992, 426).
Para Monsiváis, desde principios del siglo XIX "hasta casi nuestros
días" los cronistas han tenido un propósito central cual es "contribuir
a la forja de la nación, describiéndola" (A
ustedes, 26),
"glosándola" (A ustedes,
27). Según el trabajo que propongo, los cronistas contemporáneos de México
continúan “glosando” la nación, para defender el proyecto de nación de
los embates del avance de la globalización económica. La obra de Monsiváis,
se inscribe dentro de esta tendencia.
En el presente trabajo, busco analizar la interrelación entre crónica,
nación y cultura popular en Escenas de pudor y liviandad (1981) de Carlos Monsiváis. La crónica, en palabras del propio
Monsiváis, es "una reconstrucción literaria
de sucesos o figuras, género donde el empeño formal
domina sobre las urgencias informativas" (mi énfasis, A
ustedes, 13). En
mi opinión, el género (genre) de la crónica es una forma narrativa que constantemente muta para
adaptarse al rápido cambio en las formas de percibir sentido (meaning)
de las audiencias masivas. Como señala
Mark Kramer en Literary Journalism
(1995): "Literary journalists immerse themselves in subjects' worlds
and in background research", lo cual es verificable en la obra de Monsiváis.
Mi hipótesis es
que en Escenas de pudor y liviandad,
Monsiváis se apropia de un “collage” de voces populares para retomar y
“glosar” la nación mexicana del nuevo milenio, con el fin de cuestionar el
avance de la globalización económica.
Washintgon and Lee University
Arbitrariedad
y caudillismo en una obra postmoderna sobre V. Huerta
El análisis también escudriña el punto de vista contemporáneo sobre
el caudillo revolucionario que el autor expresa. El tratamiento dramático de
Velásquez recrea la fuerte y desmesurada personalidad de Huerta a través de
trozos rítmicos en los que predomina un ambiente escénico lúdico y atractivo.
Por medio del análisis también será posible percibir dos puntos de
importancia que rigen la trayectoria de Huerta. El primero se relaciona con las
máscaras que usa el soldado federal arbitrario, colmadas de un comportamiento
rebelde y hambriento por el poder. El Segundo pacta con la conducta controladora
del caudillo que amasa la conspiración para alcanzar su beneficio. Así, los
elementos postmodernos, la actitud arbitraria y la personalidad del caudillo
matizan en este estudio una obra con características de teatralidad actual.
Utah State
University
El
año del perro: El paraíso
que fuimos de Rosa
Beltrán
En
El
paraíso que fuimos Rosa Beltrán analiza
paralelamente la vida de la familia Martínez del Hoyo y la del país en que
reside, México.
Si en su primera novela, La corte de los ilusos, Beltrán establece una relación entre la época del Imperio de Agustín
de Iturbide y el sexenio de Carlos
Salinas de Gortari, en su segunda obra narrativa equipara la desintegración de
la familia Martínez del Hoyo y sus miembros con la decadencia política y
social del México de nuestros días.
Con una narración sencilla, pero enriquecida por la intertextualidad y
la ironía que caracteriza a la autora, Beltrán crea un grupo de personajes que
sufre los males que aquejan a la sociedad actual.
La locura, la depresión, la ambición desmedida son sólo algunos de los
temas que trata la escritora en su presentación de lo que ella llama la pérdida
del paraíso.
Por medio de un análisis histórico/cultural, nuestro estudio intentará
ahondar en la nueva creación de una de las narradoras más destacadas de su
generación.
Ohio State University
Violencia, subjetividad y mediación cultural. Un abordaje a la narrativa neopolicíaca de Elmer Mendoza
A través del análisis de la novelística de Elmer Mendoza, uno de los autores más representativos del llamado neopolicíaco mexicano, el ensayo examina cómo la violencia psicológica y social se representa en diversos circuitos de producción y difusión cultural en el país. Partiendo de los estudios culturales sobre el tema de la violencia urbana (García Barbero; Rotker, Richard, etc.) el análisis se remite a la función de mediación cultural que posibilita el discurso del mencionado género en las actuales coyunturas socioculturales. Asimismo, el ensayo explora el proceso complementario de la violencia de la representación mediante una doble contextualización política y cultural. En ese sentido, la obra de Mendoza, en particular sus novelas Un asesino solitario y El amante de Janis Joplin, permite reflexionar sobre las determinaciones inconscientes de la violencia ligadas a los patrones de dominación social que críticos como Roger Chartier y Stuart Hall encuentran trasladados al ámbito de la producción cultural. Permite, asimismo, analizar aquellos procesos sociales que algunos observadores políticos considerarían síntomas de la descomposición del estado nacional e indicios de la conformación de los llamados "poderes paralelos o alternos" en la sociedad mexicana, con su particular desestabilización de valores, prácticas y actitudes culturales.
Rockhurst University
La
obediencia nocturna
un modelo de construcción para la desintegración del protagonista
Mark Freeman en su libro Rewriting The Self afirma que reescribirse a sí mismo es un acto que va más allá de un
mero reacomodar de palabras, es más como la resurrección de los muertos, un
proceso de infundir nueva vida al lenguaje, de transformarlo ingeniosamente en
algo distinto de lo que ha existido con anterioridad.
El propósito de este trabajo es analizar el proceso de construcción de
la vida del narrador para llegar a la desintegración total de su existencia.
Para reescribirse, y como una tentativa de reconstrucción, el narrador recurre
al lenguaje de la infancia, del alcohol, de la mentira, de la invención, de la
realidad y del sueño.
Southwestern University
Hegemonía y letras: La nueva cultura de Carlos Monsiváis
La representación de la cultura alta vs. la cultura de masas en la literatura y, en particular, en el ensayo, caracteriza a la primera como un poder masculino y culto que posee un conocimiento superior, mientras que las masas son vistas sin razón, feminizadas, carentes de organización y sin metas fijas (Huyssen, 45). En el ensayo, los intelectuales se perfilan entonces como los poseedores de este razonamiento superior quienes pueden llevar a las masas a un mejor futuro.
A pesar de esto, en la segunda mitad del siglo veinte y en particular a
partir de los 60, el papel del intelectual se ve mayormente problematizado al
tomar en cuenta los cambios en el espacio cultural. Este es un momento cuando se
comienza a ver a la cultura de masas no como un obstáculo para el avance de los
países sino como una fuerza en sí que desafía las hegemonías culturales y
estatales. De esta manera el poder
del Estado y de los intelectuales está en una situación precaria al perder el
control de la dirección ideológica del pueblo.
En esta ponencia propongo analizar las maneras en las cuales los escritores del ensayo, en particular Carlos Monsiváis, interpretan la relación cultura alta/ cultura de masas a través de los diferentes cambios de la globalización y la manera que ve su propio papel en estos cambios. Este trabajo analizará las distintas formas que Monsiváis articula el proceso de desestabilización de la dicotomía y su cambiante subjetividad en la etapa después de los 60 a partir de un estudio de su obra: Días de guardar.
University of Texas at Brownsville
Mal de amores:
La reescritura de la historia con el cuerpo
La crítica feminista de los primeros años que se iniciaba sin un marco teórico bien establecido, sabía al menos que partía de una posición marginal y que en su agenda se encontraba la imperante necesidad de hacer una “revisión” no sólo de la historia literaria, pero también de la manera en que se leía, en que se criticaba y que se escribía la literatura. Dicha revisión por lo tanto propuso entender la literatura escrita por mujeres en términos propios de dicha literatura, así como el lenguaje en que ésta se escribía. Sin embargo, la crítica feminista y la práctica de la lectura femenina que obtuvo un cuerpo teórico tangible en los años ochenta con la ginocrítica propuesta por Elaine Showalter, ha llegado nuevamente a cuestionarse a la luz de las nuevas tendencias críticas como lo son los estudios de identidades. Susan Stanford Friedman propone que la categoría de género debe seguir siendo utilizada pero que deben agregarse otras categorías analíticas que pueden abrir discursos velados en las obras literarias. Esta propuesta vuelve a resonar en el punto de partida de la crítica feminista que intentaba revisar el discurso e ir en contra de una sola narrativa maestra.
Ángeles Mastretta en Mal de amores presenta una narrativa que puede ser analizada bajo el lente genérico pero también propone una relectura de la historia, una desacralización del resultado y experiencia de la Revolución Mexicana. Ambos discursos van de la mano y no tienen por qué separarse ya que la experiencia del discurso femenino da la pauta para la elaboración de esta propuesta histórica. La escritura feminista de Ángeles Mastretta no sólo se concentra en el discurso de género sino que alcanza a tocar al discurso histórico, proponiendo una nueva lectura y una nueva escritura de la construcción de la nación mexicana y a la vez de la identidad del personaje femenino de Emilia. En este ensayo se estudia la manera en que la autora escribe con el cuerpo las experiencias y búsqueda de identidad de Emilia Sauri. Nacida en el seno de una familia poco convencional, Emilia protagoniza la trama de resistencia en contra de los valores de la clase media mexicana. El presente estudio no se concentra tan sólo en el análisis de la categoría de género sino la manera en que ésta interactúa con otros constituyentes de la identidad del personaje. Por lo tanto el resultado es que no sólo se analiza la manera en la que se presenta un personaje femenino con suficiente poder para ir en contra de las normas establecidas por la sociedad de la época, sino que también se estudia la construcción de la identidad de Emilia como soporte de la causa revolucionaria. A través del contacto de Emilia con una serie de personajes subalternos, se presenta una versión alternativa de la verdadera situación que encaraba el mexicano que creyó en las promesas de la Revolución Mexicana. Ambos puntos son parte de la misma misión, cuestionar la versión oficial y tradicional de la historia y de la vida de muchos hombres y mujeres que fueron contra lo establecido.
University of Arizona
Notas, deslumbres y ofuscaciones sobre memoria y autobiografía en la escritura fronteriza contemporánea
Este trabajo es parte de un proyecto de largo aliento que analiza el impacto del espacio fronterizo en la representación textual de la región. El proyecto realiza una lectura de narrativas personales, memorias y textos autobiográficos contemporáneos escritos en español y en inglés por autores de ambos lados de la frontera. Particularmente, me enfoco en la relación entre memoria, la experiencia personal y la auto-representación para ver cómo la memoria y los imaginarios fronterizos interactúan en la re-creación de vivencias y espacios a través de narrativas consideradas a la vez, autobiográficas, y representativas de una multiplicidad de voces y sujetos.
La premisa fundamental es realizar un deslinde que ubique cuál es el lugar y cómo se construye narrativamente el “yo” fronterizo en estos textos. Mi propuesta toma en cuenta, igualmente, lo que Sidonie Smith denomina “actos autobiográficos”, es decir, la conjunción de memoria, experiencia, identidad, corporalidad y agencia dentro de una narrativa o una historia de vida. Estos elementos determinan las distintas maneras en las que se elaboran las re-construcciones del “yo” en muchos textos autobiográficos.
Los textos aquí incluidos muestran una dinámica por re-apropiar el espacio fronterizo y hacer de éste parte intrínseca de su composición. Primeramente comentaré algunos aspectos conceptuales sobre memoria, espacio y autobiografía. Posteriormente, y dadas las limitaciones de tiempo, expondré brevemente y de manera panorámica cómo estos aspectos inciden en un corpus fronterizo particular, particularmente en obras de Oscar Monroy, Ricardo Aguilar y Miguel Méndez.
University of
California, Davis
Entre crónica y novela: la Historia verdadera de Nen, la inútil de Ignacio Solares
El autor
contemporáneo que vuelve la mirada hacia el archivo colonial juega con la
verdad histórica y la invención literaria en un innovador proceso de re-escritura.
De repente, el proyecto narrativo se convierte en un juego de cajas chinas o muñecas
rusas: se vuelve a explorar la noción del otro, del salvaje, del bárbaro; se
pone en tela de juicio la destrucción de un viejo mundo americano, precolombino,
para presenciar el doloroso nacimiento de otro, mestizo, híbrido.
En los últimos años, Carlos Fuentes, Carmen Boullosa, Laura Esquivel e Ignacio Solares, entre otros, han producido re-escrituras en novelas, cuentos u obras dramáticas con el propósito de llenar de manera artística los vacíos que existen entre el México colonial y la era contemporánea. Las voces narrativas de estos trabajos literarios le dan voz al silencio colonial, invierten la verdad, imaginan otras realidades como para volver a la semilla, al pecado original. Estos escritores contemporáneos recurren a la Historia verdadera de la conquista de la Nueva España (publicada por primera vez en 1632) más que a cualquier otra crónica colonial. En ella encuentran humor y caracterización, un lenguaje dinámico, metafórico, voces añejas que esperan ser escuchadas, espacios rumorosos y un tiempo que supera las barreras de la representación y se acerca al México de hoy.
Ignacio Solares le otorga a la Historia verdadera de Bernal Díaz una breve mención honrosa al final de Nen, la inútil (1994), como una de las muchas fuentes clásicas que le sirven para concebir su re-escritura novelística. Más crédito, por cierto, reciben Carlos Fuentes, Fernando Benítez, José Luis Martínez e incluso Alejo Carpentier. En este artículo, sin embargo, (de) muestro textualmente el legado indeleble de la historia de Bernal en muchos de los cincuenta y siete fragmentos que forman el andamiaje narrativo en la novela de Solares. El (des)encuentro amoroso entre Nen y Felipe, los protagonistas de la obra, conserva el legado bernaldino de principio a fin: los sueños de los conquistadores españoles, sus batallas (a menudo desiguales) con los naturales de MesoAmérica, su entrada triunfante a la ciudad de Moctezuma, así como su interminable Noche triste.
En cada uno de estos episodios, el novelista juega con la historia de Bernal, ficcionaliza hechos históricos, confunde identidades y le otorga un lugar primordial a la visión de los vencidos, dejando que una mujer indígena cuente su historia, revele su interioridad y explique, a través de su cuerpo “como jeroglífico” (Abeyta, La iconografía del deseo 22), el nacimiento de un México mestizo. Por eso, valiéndome de los postulados teóricos de Mihkail Bakhtin, Carlos Fuentes, David Lodge y otros estudiosos del género novelístico, analizo conceptos pertinentes a la re-escritura, tales como la escritura misma, el referente, la parodia, la alusión y la intertextualidad. En todo momento los lectores de Nen, la inútil sabemos que estamos leyendo una ficción, pero nuestra participación activa en la lectura nos enfrenta a lo que podemos llamar un proceso de re-articulación (Lévi-Strauss, Look 7) que se nutre, en gran medida, de la crónica de Bernal Díaz.
East Carolina University
(Detective)
agency in Mezquite
Road: from (micro)histories to
communities
Over the trajectory of Gabriel Trujillo Muñoz’s
1995 detective novel, Mezquite Road, the protagonist Miguel Ángel Morgado as
much tangles himself up in a web of histories as he unravels a single mystery
plot. As Patricia Lynn Irby notes,
“historical and cultural memory” play a role of vital importance in the text
(16). While the protagonist moves closer to resolving his case in the novel, he
becomes increasingly enmeshed in the stories of those around him. In this
presentation, I consider how Mezquite Road
uses a microhistorically sensitive perspective to register the construction of
alternative timelines as a recognition of and an impetus to different forms of
community and agency.
Morgado, a human rights attorney and makeshift detective, returns to his
hometown of Mexicali to clear up the murder of an old friend’s compadre. The discovery involves corruption on both sides
of the border and governmental efforts to cover up the story.
Morgado also gets involved in a variety of other(s’) narratives that
intrude upon his investigation, including those of a motorcycle gang, an
immigrant Chinese restauranteur, an older migrant Mixtec couple, and Morgado’s
own family. As the detective
encounters these narratives of such lesser-known agents, they inform and inspire
his decisions to act.
With its definitively local orientation, its obvious self-consciousness as a detective novel and its sustained commentary on U.S. and Mexican legal systems, Mezquite Road also participates in the critical trend other critics have noted in the recent Mexican incarnation of the “neopolicíaca”. When the work appeared, established critical paradigms paralleled a push for free trade and a rising social anxiety over North American divisions by framing the border primarily in terms of unitary national histories and/or a deterritorialized future. Like border critics María Socorro Tabuenca’s and Eduardo Barrera Herrera’s work, Trujillo Muñoz’s novel signals the limitations of such critical writing about borders. I will refer to these critics’ works, as well as that of Luis González, to discuss how in Trujillo Muñoz’s novel the protagonist moves from recognizing the microhistories around him to acting upon them to support his community.
San Diego State
University
Mordiendo el condón: Aspectos homoeróticos
de la cuentística de Ramón Betancourt
La cuentística del escritor fronterizo Ramón Betancourt es, con frecuencia, profundamente homoerótica. Una homosocialidad generalizada se complica por, y contribuye a, difíciles relaciones entre los sexos. En este ensayo, se identifican los aspectos homoeróticos de la ficción narrativa de Betancourt. Se contextualiza la escritura de Betancourt dentro de una larga tradición literaria mexicana en que se homosexualiza al villano. Se ofrece un análisis detallado de La furia de la rutina, en que se demuestra cómo Betancourt se aparta de esta tradición por emplear la incertidumbre sexual y homofobia interiorizada como parte de su crítica del machismo. Se explora en su narrativa como la proximidad de la frontera reduce a sus personajes masculinos a una abyección sexual kristeviana. La muerte se plantea como la última abyección y resulta la experiencia por la cual optan sus personajes enfrentados a situaciones límite, siempre en la línea indecidida, indecidible de todas las fronteras.
Cleveland State University
Diablo
Guardián, de Xavier Velasco
E l personaje líder de la novela de Xavier Velasco (1958), una audaz joven de clase media que escapa de su casa huyendo de los abusos de que es víctima, cuenta su vida de los 15 a los 25 años a un narratario, por mediación de una grabadora situada entre la voz del sujeto en formación y el narratario-novelista que le va a dar forma a la historia. La metanarración en primera persona nace a solas, en un hotel de baja categoría, lejos de cualquier testigo y sin la vigilancia de persona alguna. Hasta entonces la historia de Violetta no tenía sentido, era secreta y sólo existía en el caos de su cabeza, pero la espoleaban unos deseos intermitentes de sacar a la superficie nociones de resistencia a la norma, de ansiedad, miedo y odio. El tono ligero, festivo, lúdico y humorístico que fluye a toda velocidad en el vehículo del lenguaje mantiene el equilibrio estético.
En la obra hay evidencia de
una diversidad de géneros narrativos que Velasco hace congruentes con la
cultura contemporánea de la clase socioeconómica que alude: la novela de
caballerías, la picaresca, lo confesional, lo biográfico, lo testimonial, la
oralidad y más. Mezcla con estos
elementos otros de la generación beatnik, de la música pop, los videojuegos y
los comics.
En el estudio que se propone hay alusión a lo antes dicho pero se centra
en la complejidad de la caracterización de Violetta, mala hija, mala hermana,
ladrona, vividora, meretriz, estafadora y drogadicta, pero inconforme, audaz,
inteligene, emprendedora, segura de sí misma, valiente, que se construye a sí
misma sin seguir ningún modelo porque no lo hay
para las circunstancias de su entorno.
El ensayo observa la formación de esta mujer con las fuerzas profundas
que la impulsan hacia una subjetividad singular que constituye una fuerte crítica
a la sociedad de que es producto.
UNAM
La escritura o la fertilidad del deseo en torno a El libro vacío de la escritora mexicana Josefina Vicens
El deseo y el silencio son dos temas irrecusables de la literatura como tema de ficción y, también, como examen y búsqueda de la esterilidad creativa de los autores. Un modelo y prototipo es Bartleby, el personaje de Herman Melville.
¿Cuáles son los motivos que llevan a los autores –geniales o no- a dejar de escribir o, al menos, dejar de publicar (dos casos paradigmáticos son Kafka y Rimbaud)? Un leitmotiv que se bifurca es el deseo en la escritura, conformado por interminables representaciones. El potencial que concentran deseo -> escritura -> silencio-> esterilidad creativa es inacabable y siempre cambiable. Los motores de los instintos y la racionalidad llevan a la consecución de ideales con la compañía de la sombra del fracaso en la existencia.
En este ensayo se conversa desde distintos enfoques textuales y discursivos del personaje José García de El libro vacío (1958, FCE) de Josefina Vicens. El narrador-protagonista al aceptar que es un hombre ordinario, se pregunta por qué se mantiene la obsesión de la escritura. “Uno puede ser su lector, su único lector, eso no tiene importancia”.
Con gran economía de medios temáticos, Josefina Vicens, concibe, desarrolla y concluye un texto sobre los abismos de un hombre sin cualidades exteriores; no cae en el texto moralizante, o seudofilosófico al que llegan las narraciones donde más que acciones exteriores, hay conmoción interior y valoraciones sobre el mundo circundante. Esa oposición de movilidad-inmovilidad en el texto también incide con el resultado del llamado discurso narrativo. Vicens confiere e la narración un lugar privilegiado, que supera con mucho el de objeto mediador de contenidos y significaciones.
El fin (de la historia narrada) y el principio (propuesto a lo largo de todo el discurso narrativo: el inicio de un nuevo discurso narrativo) se encuentran y se complementan, para desplegarse en una nueva lectura, donde memoria (desde el recuerdo hasta la fantasía, pasando por los sueños), tiempo (pasado, presente y futuro) y espacio (el creado en cada discurso narrativo por su respectivo lector) se compactan: sus motivos conductores son el amor (el deseo), la vida (la creación) y la muerte (la esterilidad).
El Colegio de México
Estética del cuerpo devastado en La muerte de un instalador de Álvaro Enrigue
Mediante la parodia del movimiento plástico nacional de la década pasada, Enrigue coloca al vacío las expresiones no canónicas del arte moderno (como la instalación y el performance) en el contexto de la desilusión mundial provocada por el derrumbe de las utopías surgidas durante el siglo XX. La novela es una colección de excentricidades (un joven mecenas que aspira a convertirse en el amo porfiriano de la hacienda “artística” nacional, una sirvienta versada en ópera...), cuyos significados se encarnan en el cuerpo que se vuelve mercancía: el corredor de arte es en realidad un tratante de blancas que se da a la tarea de asolar el cuerpo de su protegido hasta convertirlo en un objeto de exhibición, con lo que el artista no es sino materia prima para la instalación que se montará con su cadáver, túmulo estilizado y grotesco que hace patente el carácter efímero del “todo vale” posmoderno.
Arizona State University
La
influencia posmoderna de Borges en dos autores mexicanos
Considerado
por algunos críticos como uno de los iniciadores de la posmodernidad literaria,
el escritor argentino Jorge Luis Borges ha prolongado su influencia en varias
generaciones de autores mexicanos. Este trabajo se limitará a examinar los
vasos comunicantes entre la obra del autor de Ficciones
y dos narradores aún vivos: Salvador Elizondo (1932)
y Guillermo Samperio (1948). Para ello se recurrirá a la exploración de
dos rasgos distintivos de la escritura posmoderna borgesiana: la
intertextualidad y la metaficción. Tales atributos pueden advertirse en las
ficciones canónicas “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius” y “El milagro secreto”,
textos seminales cuyas resonancias se detectan, respectivamente, en los cuentos
“Los museos de Metaxiphos” de Elizondo,
y “Ella habitaba un cuento” de Samperio . El propósito del ensayo es
señalar la manera en que los dos literatos asimilan la herencia de Borges, y
conciben una propia forma expresiva que ha contribuido a la configuración del
mapa de la escritura posmoderna en México durante las últimas décadas.
En la primera parte se aborda el tema de la intertextualidad a partir de las definiciones propuestas por Gérard Genette y Karl Alfred Blüher; luego, se analizarán los procedimientos intertextuales utilizados por Borges en “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius” y, mediante un proceso comparativo, se propondrá una interpretación de la ficción de Elizondo “Los museos de Metaxiphos", un texto en el que, similarmente al cuento del escritor argentino, se inventa un lugar regulado por unas extrañas leyes ajenas a las que legislan el mundo de la realidad. La segunda parte se centra en el recurso de la metaficción y los mundos de cajas chinas. Posteriormente, se investiga dicha técnica en “El milagro secreto” y “Ella habitaba un cuento”, piezas artísticas en donde encarnan no sólo la destreza de una estratagema narrativa, sino también la reflexión sobre las fases del proceso creador.
Columbia University
Reframing the
Historical as Feminine: Revolutionary Narrative in the work of Silvia Molina,
Brianda Domecq, and Leonor Villegas de Magnón
This paper concerns itself with the framed tales found in novels written by Brianda Domecq and Silvia Molina and with the autobiography of Leonor Villegas de Magnón. It demonstrates how all three authors attempt to insert women into history both as historians and as subjects of the time period of the late Porfiriato and the Mexican Revolution.
Domecq and Molina are contemporary Mexican writers whose recent experiments with historical fiction highlight the continuing struggles of women historians to legitimize female voices in history. Domecq’s novel La insólita historia de la santa de Cabora and Molina’s La familia vino del norte are framed by (partly autobiographical) stories of female historians searching to reinterpret a past that holds personal meaning for them in the present; to do so, both participate in acts of historical recuperation that parallel the process of writing history as described by Walter Benjamin in his Theses on the Philosophy of History, a process that recovers and reinterprets select fragments that hold meaning for the historian in the present. Villegas de Magnón writes her autobiography in novelistic form in an attempt to insert her acts and those performed by other women during the Mexican Revolution into historical discourse. While Villegas de Magnón wrote her autobiography in 1920, it was only “recovered” in 1994 by the Recovering the U.S. Hispanic Literary Heritage Project, adding another layer to the difficult recuperation of female voices in Mexican history.
The organization of this paper is the following: I begin by discussing Walter Benjamin’s theory of historical recuperation as interpreted by Hannah Arendt and continue by offering a brief history of the obstacles that women historians faced in publishing their work from the mid 1850’s to the late twentieth century. I then focus on contemporary literature as an effective means of communicating stories about women in history and about the difficulties in writing “feminine” history. I discuss the blending of autobiography and fiction in the framing of both novels and the framed novel as a vehicle for exploring the central question raised by Domecq (“Who gets to be remembered in history and why?”) and that of Molina (“How do men and women narrate history differently?”) Lastly, I examine the autobiography of Villegas de Magnón as an example of the female historian’s difficulty in publishing her work and as a counterpoint to Domecq and Molina’s fictive and historical work. Villegas organizes the fragments of her life into a coherent, fluid narrative that contrasts to the fragmentation and reconstruction of the life of Santa Teresa de Cabora in Domecq’s novel and the warring versions of history in Molina’s.
I conclude by stating that all
three works point to creative and novel ways of arranging fragments of history
in interpretations that validate the female historian and the female historical
subject as women who offer perspectives and contributions worthy of
acknowledgment and remembrance alongside those of their male peers, and that
broaden our understanding of history without attempting to monopolize its
interpretation.
University of Texas at Austin
La
piel del cielo de
Elena Poniatowska ¿novela,
biografía, o novela posmoderna?"
Aquí
retrata de un análisis cuyo propósito es demostrar si esta obra satisface o no
la expectativa que suscitan dos términos abiertos en el tiempo: novela y
posmodernidad. En este caso específico los términos se emplean en base a la
aparente moda actual de mezclar más y más la ficción con la historia.
¿Puede
haber historia totalmente carente de ficción? ¿Puede
haber ficción que de ninguna manera se refiera a lo que comúnmente llamamos
historia? La historia, es verdad, tiende a generalizar a sus presuntos
recipientes mientras que la ficción tiende a individualizar a los suyos. Los
mejores historiadores dan vida a sus relaciones novelándolas hasta cierto punto,
mientras que los novelistas mas logrados, ya sean de obras realistas o fantásticas,
lo son porque poseen imaginación histórica. Si el texto de una novela requiere
un contexto para ser entendido y, como todo texto es un tejido de palabras, ¿cómo
se entretejen, o bien, se entreveran los supuestos hechos de ese contexto con la
imaginación de, en este caso, la autora? ¿Cómo, en definitiva, deviene el
protagonista histórico en ente de ficción?
University of Maryland - College Park
En este ensayo exploro el tercer espacio que crea la tensión de la
nostalgia en dos autores de la misma generación: Juan Villoro y Francisco
Hinojosa, cuyos libros dialogan de manera sumamente interesante. Mientras que
Hinojosa se ha decidido por lo “hético”, esto es, textos de esbeltez
extrema, donde el esqueleto torna estilo; Villoro ha optado por la robustez a
veces suntuosa de que desciende --no sin ejercer la distancia crítica-- del
realismo. Sin embargo, a pesar de esta distancia casi antagónica, ambos han
privilegiado la infancia y la adolescencia como el locus de un régimen óptico
nostálgico particular: una economía escópica que critica el presente como si
se tratara del pasado, que al volver entrañable lo horrible, subraya la
capacidad de todo lugar para proyectarse en el tiempo y de ejercer una crítica
topográfica
Universidad Iberoamericana
Universidad Nacional Autónoma de México
Estéticas de la brevedad en la Poesía Mexicana
Dos tradiciones poéticas antiguas y diversas (orientales ambas), el haikú y el caligrama se combinaron en las búsquedas experimentales de la poesía mexicana de la primera mitad del siglo XX para dar paso, en la segunda mitad, a una mayor presencia de estéticas de la brevedad en la escritura reciente.
Desde las tankas y hai-kais importados por Tablada, pasando por los epigramas de Villaurrutia, los exágonos de Pellicer, los poemínimos de Huerta, los topoemas de Paz, los microscópicos de Lizalde, así como las postales de Francisco Hernández, todas estas propuestas breves sirvieron para incitar a los poetas mexicanos más jóvenes a explorar esta vertiente estética en sus propias producciones.
Vayamos a la otra vertiente. Aunque también oriental en sus orígenes, la poesía caligramática —término inventado por Apollinaire— parece haberse utilizado por primera vez en occidente entre los poetas bucólicos griegos, particularmente suele insistirse en la obra de Simias de Rodas, escrita hacia el siglo IV a. C. Algunos poetas y críticos la consideran meramente una forma de las artes gráficas ya que emplea grafemas y selecciones tipográficas para formar sus palabras o frases. Su disposición dibuja en la página el objeto aproximado que le sirve de base referencial y es, por lo tanto, un poema para ser leído, no para ser recitado u oído. Esta poesía, generalmente lírica, suele seguir los más variados diseños geométricos para representar objetos físicos o sugerir acciones, movimientos, estados de ánimo o un sentimiento en particular.
Correspondió también al versátil y múltiple Tablada —aunque hay algunos antecedentes que resultan irrelevantes— ser el introductor de nuevas aportaciones caligramáticas. Desde Paz en adelante, pero sobre todo a partir de Marco Antonio Montes de Oca en su libro Lugares donde el espacio cicatriza —donde por cierto la llama poesía visual— y la obra de Jesús Arellano desde la Imprenta Universitaria, que este tipo de poesía se naturalizó en las letras mexicanas.
Las propuestas de los poetas recientes recogen varias de las enseñanzas más notables de las estéticas de la brevedad. La fractalidad y la propensión al fragmento —que en narrativa ha producido categorías como el microrelato o la minificción— han originado micropoemas que, cada vez más, se muestran en las aportaciones poéticas últimas.
Northwestern University
El México carnavalesco en El desfile del amor de Sergio Pitol
Este estudio explora la estructura narrativa de El desfile del amor (1984) de Sergio Pitol, construida a partir de una serie de estrategias que deletrean la vida cultural, social y política del México posrevolucionario. La narración se vuelca a la tarea de develar la presencia de las fuerzas antisemitas en la provinciana ciudad de México de los años 1940s y 1950, la entrada de México a la Modernidad durante el llamado “milagro mexicano”, el crecimiento de los medios masivos de comunicación vistos en la transición del espectáculo del vodevil al del cine, y los conflictos que viven las dos clases de la élite gobernante, tanto la nueva aristocracia nacida de la Revolución Mexicana como la caída clase porfiriana que regresa de su exilio en París. El humor desorbitante del comic mexicano: La Familia Burrón de Gabriel Vargas sirve de marco para introducir la arquitectura de la vecindad, desde donde los personajes miran con recelo y desconfianza a sus vecinos recién inmigrados de la España franquista y de la Europa del fascismo.
En este contexto, los personajes crean múltiples intrigas al luchar constantemente por resaltar sus atributos y por esconder sus debilidades. Al tiempo que la novela burla las convenciones de la novela policial, lleva la risa del lector al delirio cuando éste deja de buscar las pistas de quién cometió el crimen del judío austriaco Erich María Pistauer, y centra su interés en el chisme y en las maneras en que los personajes se empeñan en hacer quedar a los demás en ridículo. Su estructura, parecida a las de ciertas películas como Roshomon de Akiro Kirosawa o El desfile del amor de Ernst Lubitsch, sigue el ritmo del movimiento de las manecillas del reloj, pues tienen lugar doce entrevistas llevadas a cabo por Miguel del Solar, un investigador académico que confunde su profesión con la de un investigador policial. A pesar de que la intención de los entrevistados es meramente burlarse de otro personaje con quien existe cierta rivalidad, cada entrevistado acaba por ponerse en ridículo a sí mismo. Sin embargo, el lector se da cuenta de que la intención final de la fábula es hacer una sátira del sistema político del partido oficial y los gobernantes a través de los excesos de los personajes y la narración, los cuales conducen a un caos donde no hay resolución de la trama. De esta manera, la novela de Pitol introduce un nuevo ritmo en la narrativa mexicana.
University of
California-Davis
"Como si así pudiera borrarme": la reinscripción de raza y clase en Duerme de Carmen Boullos
A cambio
de las crónicas y otros documentos de la época de la Conquista y la Colonia
que toman por sentado la estratificación de las clases sociales y la división
estrecha que existe entre los distintos grupos étnicos que comprende la
sociedad novohispana, la novela Duerme,
de la mexicana Carmen Boullosa, por medio de la reescritura, subraya estas
distinciones sociales y raciales para poder criticarlas. Aunque la cuestión de
género sea el actor más desarrollado de la obra, en el presente ensayo, se
sostiene que los temas de raza y clase social que forman una parte tan íntegra
de la identidad mexicana también hacen un papel significante dentro del entorno
novelístico. Así que, Duerme
es más que un tratado femenista, una aventura picaresca o una historia
carnavelesca; más bien, este ejemplo de la reescritura de la época colonial
mexicana representa una fuerte crítica social que repercute hasta la actualidad.
ITESM (Monterrey)
Elmer Mendoza a través de su discurso reproduce las relaciones de dominación entre una sociedad que vive en la ilegalidad, el fraude y la corrupción. Analizaré la problemática del protagonista, Macías, quien reproduce al mexicano víctima de las circunstancias y víctima del sueño del poder y del dinero.
El autor no sigue paso a paso los hechos plasmados en las noticias sobre la muerte del candidato Luis Donaldo Colosio, este crimen político es sólo el punto de partida, él va hacia otra parte, no le interesa ni puede desenmascarar quién mató al político, pero sitúa en el lenguaje de las conjeturas algunas de las posibilidades, además se centra en la condición humana y muestra los alcances del poder.
Mendoza escribe la novela política, que lanza a la calle, y muestra los efectos del poder en las instituciones sociales y en la condición humana. La novela de Elmer Mendoza acentúa la presencia del poder en diferentes niveles, desenmascara complicidades y valores políticos trastocados. Acentúa como el poder es despótico, desequilibrado, con un control desmedido, y que está por encima de leyes y reglas; un poder atrás de las instituciones, impenetrable, inaccesible y todopoderoso.
El candidato asesinado quería un cambio político, al menos sus planteamientos teóricos hablaban de dar curso a una nueva cultura política fundada en la democracia, el pluralismo y la libertad, que rompa con las inercias del pasado, con supersticiones y atavismos ideológicos. La petrificación de las ideas, los reduccionismos políticos, el verticalismo, el autoritarismo y la intolerancia, han de ser cancelados, en definitiva, como condición de un nuevo estilo de desarrollo político, su meta fue abolida y la novela de Elmer Mendoza retrata los mecanismos que suprimen esos ideales.
En la novela Un asesino solitario, el sueño político de los filósofos modernistas del siglo XVIII pareciera que no ha llegado y que los intentos por alcanzar sus principios son abortados, que el ciudadano común está a merced de una guerra permanente por luchas de poder que se desenvuelven en todos los contextos que lo rodean. Vive en una total incertidumbre, lo único que tiene a la mano son conjeturas para interpretar la realidad, vive en un cuerpo social con zonas enfermas que van contaminando al individuo. Finalmente, mi ponencia pretende analizar la problemática del poder, algunos conceptos teóricos de Foucault que pueden ser aplicados en las diversas interrelaciones entre los personajes.
Cornell University
Este breve estudio propone, apoyadas en ‘las historias’ de los diferentes niveles o procesos narrativos, elaborar y presentar la intersección entre Historia y ficción en La familia vino del norte. Voy a indagar sobre cómo el concepto de “la Historia” se problematiza en y a través de la ficción y se (re o de)construye narrativamente, poniendo el énfasis en la recuperación o reinterpretación de la memoria colectiva. En este sentido, voy a mencionar algunos teóricos relevantes como Ann Assmann, Lionel Gossman, Jacques Le Goff y Arthur C. Danto. Después, voy a analizar algunos rasgos destacables en la novela. Específicamente me propongo resaltar reflexiones epistemológicas y filosóficas sobre la naturaleza de la Historia (un replanteamiento ejemplar de la noción de la Historia), sus vínculos con la identidad tanto personal como colectiva (familiar) en la novela y diferentes estrategias de escritura.
Para terminar, voy a mostrar que las dudas y dilemas que sacuden a la
protagonista, así como el hecho de que la mayor parte de la historia del abuelo
se oye a través de versiones, pueden conducir a considerarla un mero intérprete
–o mejor dicho, un redactor y compilador, poniéndole su pieza al
rompecabezas – lógicamente limitado a recuperar el olvido y su memoria suelta
que son incapaces de descifrarse cabalmente. Dije ‘intérprete’, por dos
razones: por un lado, como afirma Adam Schaff, “historiar significa
interpretar”; por el otro, el proceso mismo de descifrar ‘el secreto’ es
un constante proceso de reinterpretar fuentes parciales. En su búsqueda (o en
su proceso de escribirla ella misma) de la escritura de una historia “más
completa” Dorotea (o Silvia Molina), como Le Goff, reconoce que “tal vez no
sea posible escribir historia, sino más bien historias”. Este breve estudio
va a resaltar una vez más la observación de Jacques Le Goff: “Apoderarse
de la memoria y del olvido es una de las máximas preocupaciones de las clases,
de los grupos, de los individuos que han dominado y dominan las sociedades históricas.
Los olvidos, los silencios de la historia son reveladores de estos mecanismos de
manipulación de la memoria colectiva.” (Jacques Le Goff, El orden de la
memoria.)
Rasero:
¿Una novela real maravillosa?
En 1993,
Francisco Rebolledo tuvo un éxito sorprendente, tanto con el público, como con
la crítica periodística, con su extensa novela Rasero.
A pesar de este reconocimiento, la crítica académica se ocupa sólo en raras
ocasiones de Rebolledo. Quizás ello se deba a la escasa trascendencia de sus
siguientes textos y a que este autor empezó a dedicarse a las letras muy tarde,
ya pasados sus 40 años de edad. Sin embargo, Rasero constituye una de las propuestas narrativas y culturales más
interesantes de los 90s. Trataré de demostrar que con Rasero
Rebolledo supo dar un giro inesperado a las relaciones culturales e ideológicas
entre Hispanoamérica y Europa. Asimismo supo poner en tela de juicio la validez
del cogito ergo sum
y del pensamiento de la ilustración francesa en América latina. Finalmente me
propongo estudiar los nexos entre Rebolledo y Alejo Carpentier, es decir, la hipótesis
de que el mexicano se adhiere al programa de "lo real maravilloso".
University of Puget
Sound
Las múltiples apariciones presentadas en la novela –San Judas Tadeo, la Virgen de Guadalupe, el Angel Justiciero, la santita Blanca-, y la fe en los milagros y sucesos sobrenaturales, afianzan el carácter mágico-realista de esta novela, elemento que la conecta con clásicos de la literatura latinoamericana como Cien años de soledad.
El concepto de “feminismo mágico”, creado por Patricia Hart, identifica algunas novelas contemporáneas, escritas por mujeres, que incorporan los principios del realismo mágico desde una perspectiva feminista. Hart se concentra específicamente en la obra de Isabel Allende, contrastando por ejemplo Cien años de soledad con La casa de los espíritus. Hart también incluye a Rosario Ferré con su cuento “La muñeca menor” como representante de este estilo.
En este trabajo me propongo establecer el marco teórico que permita clasificar la novela Santitos como integrante del feminismo mágico, así como plantear algunas otras obras (Como agua para chocolate, Soñar en cubano) que quepan dentro de esta misma clasificación.
Universidad
del Claustro de Sor Juana/UNAM
Erotismo y metáfora en José Luis Rivas
Así pues, la sexualidad, tan poderosa, logra transformarse en erotismo
en virtud de la capacidad transformadora del lenguaje. Lo cual es paradójico:
¿el referente es erótico? ¿el verdadero erotismo es ajeno al objeto y se
constituye en un erotismo de significantes? Lujo verbal es igual a lujuria
sexual: la etimología de lujuria es la misma palabra lujo, como exceso o
abundancia. Tales son las problemáticas que me propongo abordar, tomando como
punto de referencia una obra “lujosa”, en el sentido de la abundancia y el
desperdicio barrocos, términos que han de estar presentes si pensamos en los
importantes trabajos teóricos de Severo Sarduy, Roland Barthes y Octavio Paz,
entre otros autores que se han ocupado del tema.
The College of
William and Mary
Zapatismo and
the Small Press Industry (or can books explode like a bomb?)
The newly founded
journal Tameme: New
Writing From North America defines itself as “a kind of cultured, literary response to NAFTA.
In other words, Tameme,
like several other small, not-for-profit publications in the United States,
responds to the cultural ramifications of neoliberalism and globalization.
The “economic shift,” or geopolitical “restructuring” commonly
referred to as globalization continues to change the ways in which culture,
literature included, is produced, distributed and consumed. Thus, this project, framed within a larger critique of
neoliberalism and globalization, probes specific literary responses to the
political agenda that produced such treaties and institutions as NAFTA and the
WTO. I begin my discussion with a
review of recent, influential cultural studies scholarship on globalization
including Canclini’s seminal work La globalización
imaginada (1999).
In the context of Canclini’s query about what culture can do in the
face of globalization, my analysis focuses on the controversial publications by Arte
Publico Press of Subcomandante
Marcos’ childrens books, The Story of Colors/La
historia de los colores and Questions and Swords/Preguntas y espadas.
I propose in my analysis that these literary texts, like many others produced by
the North American small press industry, reveal important perspectives on the
positions of marginalized local cultures in a globalized world.
I argue that a study of Arte Publico (and other small North American
presses like Arte Publico) is particularly useful to the critique of
neoliberalism because by definition, these presses stress their intentional
disassociations with market driven enterprise. Borrowing terminology from John
Berger, I argue that the industry thus becomes a “pocket of resistance” in
opposition to the new world order.
San Diego State University
La diáspora literaria mexicana: Identidades performativas en la narrativa de Ramón Betancourt.
A partir
de la década de los 80’s, México ha enfrentado una de las crisis económicas,
políticas y de identidad cultural más graves y significativas del siglo XX.
Uno de los efectos menos documentados de este fenómeno ha sido el de la migración
silenciosa, un término con el que Jorge Bustamante definió a la más reciente
oleada migratoria de trabajadores intelectuales mexicanos. La mayoría de los
miembros de esta generación llegaron a los Estados Unidos ya sea para
desarrollar sus carreras profesionales o para concluir su formación académica
en diversos programas de postgrado. Ante la falta de alternativas en México,
algunos optaron y otros se vieron forzados a permanecer en instituciones académicas
y culturales de los Estados Unidos. Desde ahí, autores como Gustavo Sáinz, José
Emilio Pacheco, Tita Valencia o Luis Arturo Ramos y, más recientemente,
escritores como Guillermo Gómez Peña, Mauricio Carrera, Marcela del Río,
Guillermo Schmidhuver de la Mora, Eloy Urroz, Cristina Rivera-Garza y Ramón
Betancourt, empezaron a producir textos sobresalientes tanto por su calidad
literaria como por la complejidad y singularidad de sus propuestas.
En la narrativa de Ramón Betancourt hay dos elementos que son
particularmente significativos. Por una parte, se trata de artefactos que narran
desde (y hacia) los escenarios múltiples
ilusorios de la globalización, produciendo lo que García Canclini denominó
como una mexicanidad ubicua y fantasmática. Por otra parte, al cuestionar las
bases territoriales y/o geo-políticas del proceso de borderización. Sus obras
lo han diseminado en el espacio movedizo que caracteriza a las globalizaciones
circulares y tangenciales. La diáspora es un fenómeno translocalizado y
polimorfo, una acumulación de inestabilidades que dialoga con una realidad
exterior escenográfica. El individuo diaspórico presentado en la narrativa de
Betancourt, no es un conciudadano, ni se reconstituye como un connacional
distante, ni como un autoexiliado invisible. Su desterritorialización es una
actuación que se recompone incansablemente en un abstracto multidireccional.
Sin este tipo de exploraciones sería imposible rearticular el continuo de la literatura mexicana del último cuarto de siglo. Sin embargo, debido a su misma condición diaspórica, este grupo de escritores ha escapado a la atención tanto de estudiosos mexicanos como estadounidenses.
Universidad de Salamanca
Felipe Vázquez: La muerte de la poesía y su pregunta.
Se intenta caracterizar a la obra de Vázquez como expresión de un lúcido
compromiso con un proyecto escritural que asume la aventura artística como un
reto originario por hacer del verbo lugar de revelaciones, al tiempo que se
enfrenta con la poderosa dialéctica de la precariedad del lenguaje y un entorno
espiritual devastado. La obra de Vázquez se despliega como un acto de rebeldía
trágica, un escenario de la resistencia agónica que el poeta libra contra lo
indecible y que lo lleva a concebir el signo poético como manifestación de un
sacrificio, una inmersión en el misterio desde donde el poeta sostiene, para
todos, su pregunta sobre el sentido de la creación literaria y de la existencia.
Universidad de Guadalajara
Guillermo Schmidhuber o correr el riesgo del teatro: Análisis de Obituario, mascarada en dos actos.
Guillermo Schmidhuber de la Mora cuya trayectoria dramática abarca más de 30 obras de teatro, entre las que figuran, La catedral humana (1973-74); Todos somos el rey Lear (1979); Los héroes inútiles (1979); Los herederos de Segismundo (1980); Por las tierras de Colón (1978) (Premio Letras de Oro) y Obituario (1993) es, hoy día, un dramaturgo que en palabras de Rodolfo Usigli ha corrido el riesgo del teatro.
Nuestro trabajo emprende un análisis de Obituario: obra importante en la bibliografía del autor cuyo vigor es innegable. Nuestro estudio se gesta a partir de una peculiar aclaración que el propio Schmidhuber (1999: 5) dispone en la presentación de esta obra: "Obituario ejemplifica, en mucho, el teatro que he estado persiguiendo: la respetabilidad del instante y la escenificación del conflicto entre los elementos constitutivos del teatro: dramaturgo/autor/director. Es un homenaje a la metateatralidad y una meditación dramatizada sobre mi concepto del teatro".
El concepto de metateatralidad que alude Schmidhuber es el acuñado por Hornby (1986) quien distingue cinco categorías, fruto de procedimientos dramáticos y no Metatheatre propuesto por Lionel Abel (1963) donde el mundo representado sólo existe en la imaginación como proyección poética de la conciencia humana (Robardey-Eppstein). Dicha metateatralidad descansa en la utilización de mecanismos lingüísticos de la traslación discursiva, siguiendo a Reyes (1984) a partir de la premisa de que toda escritura es una reescritura. De lo anterior planteamos que la inserción de tres obras literarias (Fausto de J. W. Goethe, El milagro secreto de Borges y Ubu Roi de Jarry) dentro de Obituario, intervienen directamente en el proceso creativo de la misma, prefigurando deliberadamente su rumbo.
Otro aspecto en Obituario es el tiempo. En cierto artículo Guillermo Schmidhuber (2001) menciona que “el teatro es el milagro secreto”. Obviamente se refiere al cuento de Borges donde el protagonista, Jaromir Hladík, es beneficiado con un milagro personal, al serle dado un año para completar un drama inconcluso, un año independiente del tiempo físico. Este cuento parte de una concepción que la arcaica teología musulmana desarrolló, en la cual el tiempo está conformado por instantes independientes uno de otro (Massignon, 1983:108, 110) lo que deja de lado la concepción del tiempo continuo (duración). Esta noción temporal que podríamos calificar arriesgadamente como congelada, se logra debido a que dentro del texto las palabras del dramaturgo Gottlieb crean al momento de ser dichas (reminiscencia de la filosofía del lenguaje desarrollado por Austin), actos ilocutivos. De esta forma los argumentos del dramaturgo y las acotaciones operan como reguladores de esa realidad, del orden en la pieza, creando estadios temporales paralelos.
Respecto a esta validación de la realidad en el espacio donde se desarrolla Obituario, nos apoyamos en los supuestos de la teoría de los mundos posibles de Lubomir Dolezel (1988) quien a partir de la crítica que hace a la tradición mimética y pseudomimética europea (donde todo Particular ficcional representa un universal real) él sostiene la existencia de multiplicidad de mundos que a su vez Leibniz había desarrollado en su filosofía. De esta forma cada mundo de ficción está creado por sus propias reglas, lo cual es suficiente para que sea verosímil.
Midwestern State
Univerity
El erotismo y la realidad en
El libro, de García Ponce.
En la novela titulada El libro (1970), Juan García Ponce (1932) expone sus teorías acerca de lo que debe ser la literatura y lo que debe representar la novela para el hombre contemporáneo. En este trabajo sólo se analizarán dos de los aspectos más sobresalientes en dicha obra: la relación entre la literatura y la vida; y la importancia del cuerpo y el lenguaje como instrumentos de conocimiento.
El objetivo al analizar estos puntos es demostrar cómo, para este autor, la literatura y el erotismo son caminos que facilitan la comprensión de la realidad. Para llevar a cabo el análisis se tomará en cuenta a García Ponce como novelista pero también como ensayista pues en sus ensayos confirma el pensamiento que refleja en sus novelas.
En la teoría de García Ponce sobre el erotismo se hace manifiesta la importancia de éste como medio de comunicación y de búsqueda. El autor se aproxima al tema del cuerpo por medio del erotismo, de la misma manera en que se aproxima a la literatura por medio de la lectura. De ahí que los considere a ambos como procesos de comunicación. Según Magda Díaz y Morales, García Ponce retoma su concepto del erotismo de Georges Bataille para quien "el erotismo, por ser un estado comunicativo, le permite al individuo la ruptura con su discontinuidad, entendida como aislamiento, para alcanzar una continuidad por medio de otro ser aunque sea por un tiempo muy breve" (Juan García Ponce 85). Alcanzar esta continuidad es importante ya que el acto erótico es una de las dos formas que existen, según García Ponce, para romper la alienación del individuo. La otra forma es el lenguaje. Sin embargo, otra de las fuentes en que abreva García Ponce en sus conceptos del cuerpo y los sentidos es el Modernismo.
La sensualidad es uno de los rasgos de la Modernidad. Como lo define Rivera-Rodas la sensualidad entendida como "La percepción sensorial, como primera fuente del conocimiento y del pensar" (Modernidad y Posmodernidad, 452). García Ponce, como parte del Posmodernismo que surge hacia 1950, hereda este postulado de la Modernidad y lo demuestra poniendo el énfasis en el valor esencial de la mirada. Y es que el ser humano reconoce su existencia a través de las miradas de los otros.
Este afán puesto en la mirada y en el autoconocimiento tiene un objetivo y éste es que el individuo llegue a encontrar su propio centro, entendido éste como una identidad propia. Así, los personajes de El libro han llegado a una conclusión que el mismo escritor argumenta en sus ensayos: sólo a través de la relación erotismo-lenguaje es que el ser humano podrá encontrar su centro.
Así es como García Ponce hace su aporte a los escritores posmodernistas que andan en la búsqueda de la identidad latinoamericana. Pues para él es necesario que primero el individuo reafirme su propia identidad antes de someterse a una identidad impuesta por una realidad exterior a él. Y por ello para Marcela, el personaje femenino de El libro, el aprendizaje más alto es el descubrimiento de ese centro. En el Posmodernismo, de acuerdo con García Ponce, el hombre deberá buscar su propio centro, deberá acercarse al conocimiento de sí mismo por medio de las únicas herramientas que realmente le pertenecen: el cuerpo y el lenguaje.
The University of
Tennessee at Martin
Barrio
Boy de Ernesto
Galarza: el «irse al otro lado» entre la autobiografía y la ficción.
Además
de ser uno de los textos más conocidos de la literatura chicana, Barrio
Boy (1971) de Ernesto
Galarza es una autobiografía que ha provocado una miríada de aproximaciones
culturales y políticas. Ramón Saldívar, por ejemplo, ha sugerido que Barrio
Boy no es una historia de asimilación, sino el desarrollo de un complicado
proceso de aculturación histórica-sicológica. Por su parte, Manuel Luis Martínez
ha escrito que el texto se ofrece como ejemplo de la estrategia de (aparente)
asimilación para lograr derechos económicos y políticos para los migrantes.
El presente trabajo propone un análisis de los aspectos más literarios de Barrio Boy, empleando como marco interpretativo la distinción (o, digamos, frontera) que ha existido tradicionalmente entre los géneros de ficción y autobiografía. Aunque la biografía y el activismo del autor normalmente adquieren más importancia en cualquier tratamiento de su obra, me parece que Galarza no ha recibido suficiente atención por ser un excelente narrador y, por lo general, un escritor atrevido en su empleo de técnicas literarias sofisticadas. Mi trabajo ofrece una lectura detallada de Barrio Boy, enfocándose en cuestiones de estructura y simbolismo.
Tulane University
Crónicas
del caos
En este
trabajo discuto una serie de crónicas escritas por Carlos Monsivais, José Joaquín
Blanco y Jorge Ibargüengoitia con respecto al vivir de la Ciudad de México. En
especial exploro en estas narraciones, conceptos clave para entender la forma de
relación entre Ciudad y ciudadanos, tales como la estética del caos y
la anti-utopia.
University of New South Wales (Australia)
Des-articulación corporal/textual en la narrativa de Mario Bellatin
Un elemento original que distingue a Bellatin del resto de los narradores mexicanos y latinoamericanos es su obsesión con el cuerpo que constituye el tema central de su obra. Con la excepción de la literatura feminista y gay donde el cuerpo sexuado, controlado y vigilado por el sistema normativo heterosexual figura en el centro de la narrativa, el cuerpo humano como una entidad orgánica se ignora o se da por sentado en la vasta mayoría de la literatura del continente. El cuerpo se considera como un mero apéndice del personaje, un derivado del desarrollo psicológico y no como un ente independiente y desconcertante que figura en el pleno centro de la narrativa.
La excepción en este tratamiento del cuerpo como algo dado en la
narrativa latinoamericana que precede a Bellatin se encuentra en Salvador
Elizondo, Severo Sarduy y José Donoso, autores que plantean el cuerpo como un
problema, como un sitio de exceso e ilegibilidad radical. Sin embargo, creo que
la postulación del cuerpo en Bellatin es la más novedosa que se encuentra
actualmente en el panorama literario latinoamericano. Lo que para la literatura
femenina y feminista ha hecho Luisa Valenzuela con su concepto de escribir desde
el útero, Bellatin hace para la escritura postmoderna con su planteamiento de
escribir desde los cuerpos extra-ordinarios: cuerpos sin brazos, piernas o
mutados genéticamente; cuerpos en lenta descomposición por enfermedad
y la vejez. Estos cuerpos inquietan menos por sus anomalías o (de)formaciones
que por su tremendo poder de desestabilizar todo concepto de la unidad del
personaje y del sentido narrativo. La ilegibilidad de estos cuerpos des-articulados
que nunca son descifrables y que nunca constituyen un todo completo y coherente
se refleja en la ilegibilidad y des-articulación de los textos de Bellatin.
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
El primero de ellos trabaja como texto base el soneto, forma poética
tradicional por antonomasia. Dividido el libro en dos secciones “Sonetos” y
“Neosonetos”, la primera tiende al trabajo retórico, actualizando el hipérbaton
o intentando un procedimiento innovador de agudeza. La segunda sección, como su
mismo nombre lo indica, busca imprimir una nueva estructura al soneto mediante
la modificación sustancial del contenido. Gramática
fantástica es una obra peculiar que a través del recurso de la fantasía se
permite obviar o relativizar la sistematización del lenguaje, poniendo en
evidencia la arbitrariedad de las reglas que fundamentan una lengua. La
humanización impuesta a las letras, los significantes, significados y contextos
de significación, llaman la atención a la pretendida ciencia de la lingüística,
mediante la ironía insólita o la agudeza que deriva del simple juego con las
palabras.
Ya sea a través del soneto o mediante la ficcionalización de los
elementos que determinan a una lengua, Raúl Renán experimenta con formas
nuevas y logra información que atrapa al lector en un cuestionamiento sobre los
presupuestos socio-culturales que nos conforman. Transgrede lo real o lo
reconceptualiza y se permite determinar lo endeble en las estructuras incluso la
figura del mismo escritor como creador.
Universidad Autónoma
Metropolitana - Morelos
La ficcionalización biográfica en A pesar del oscuro silencio de Jorge Volpi
Estudio en este texto las relaciones que existen entre el género biográfico y el género novelístico. Si es cierto que toda palabra genera un proceso de ficcionalización, también es verdad que la intención del autor profundiza esa ficción. A pesar del oscuro silencio relata los últimos momentos de la vida de Cuesta, pero las circunstancias de la muerte de Cuesta se imponen sobre la historia misma. La historia biográfica reconoce sus límites en el caso de la obra de Volpi, por eso el narrador se decide por una ficción que, sin duda, se acerca más a la verdad de la realidad que la historia misma.
Universidad Nacional Autónoma de México
El sillón se vuelve silla
El ensayo procurará situar la novela en el apartado que le corresponde, dentro del ciclo propuesto por el autor. Además, se la integrará a una línea de novelas fuentesianas que se proponen dar un panorama histórico del acaecer latinoamericano. Por otro lado, se examinarán las características propias de la novela analizada: Trama, personajes, estructura, tono, escritura. De esta manera, se estudiará la verosimilitud de la historia, la dimensión psicológica de los personajes, la estructura epistolar, el manejo de la farsa y la ironía, los guiños de ojos que el texto hace en cuanto novela en clave.
Southern Connecticut State University
De chocolate, de amor y de deseo: la estructura novelística de Laura Esquivel
De chocolate de amor y de deseo es un ensayo de tipo monográfico y de orientación estructuralista que intenta establecer las coordenadas que conforman las tres novelas hasta ahora publicadas por Laura Esquivel: Como agua para chocolate (1989), La ley del amor (1995) y Tan veloz como el deseo (2001).
El análisis minucioso de la estructura, por un lado, se aboca al erotismo, el realismo mágico, el uso del lenguaje y ciertos elementos de la crítica feminista valiéndonos del análisis del desarrollo de la protagonista principal de cada novela. Por otro lado, este estudio pone de manifiesto la posible misoginia en las dos primeras novelas y la probable solución que ofrece la tercera y más reciente.
University of California at Irvine
El
recuento de la agonía del Yo que en la escritura de Martha Robles proyecta al Tú
y por ende al Uno, al Dios, al Hombre, al ser bajo cuyo poder los demás son o
no son o, mas allá, son nada, alcanza una intensidad iluminadora y difuminadora
en la narrativa de La ley del padre
(México, 1997). En este libro se establece una nueva sensibilidad por
medio de un arte narrativo crítico que esclarece las sombras de esa nada
existencial y de la vida de ambos, él y ella; padre e hija y, por extensión,
la mujer que se sobrepone y pone en evidencia la propia nulidad y silencio del
Yo Patriarcal, del padre, del ser que se acaba, pero que no deja de imponer esa
visión totalizadora puesto que, en el texto, en cada sección se impone una
cita escrita por hombres que resaltan todos la crítica al dueño de la palabra.
Una palabra que deja de tener esa sola propiedad para dar paso a la voz llena de
conocimiento y dolor de una hija, de una mujer que se acerca íntimamente a su
padre, usando las mismas armas que su antecesor, pero a través de las
cavilaciones y de una comunicación introspectiva que deja en claro que la voz
que se impondrá ahora es la de la mujer.
Esta mujer, es una que ahora está ante el ser que anteriormente todo lo
podía, pero que ahora está al igual que ella y todos los que le rodean
pendiente de esa Verdad absoluta, del hilo que a todos iguala,
y que a todos nos teje: el hilo de la muerte. La
ley del padre es un
ejercicio poético en el cual la narradora dialoga consigo misma y con sus
remembranzas, que apuntan al Adriano
de M. Yourcenar, en un manuscrito que nos muestra que la vida está llena de
silencios, mitos, tabúes que deben terminar para aceptar el diálogo con las
mujeres, con los hombres y mujeres que viven y sienten que, aunque todo empezó
con el Yo, el verbo; la palabra tiene todavía mucho más que ofrecer a ambos.
El desafío en este escrito, es mostrar como la palabra, esa necesidad de dialogar, demuestra que la mujer tiene también una palabra creativa que crece, que describe y que crea mundos más acordes con la realidad y que muestra las debilidades y el ostracismo al que ha sido sometida. Esa mujer hace uso de las estrategias narrativas de los últimos tiempos, para desestabilizar una situación a la que ha sido encasillada por las relaciones de poder, todavía, imperantes.
Texas Tech University
La muchacha en el balcón o la presencia del coronel retirado de Juan Tovar: buceando en el pasado para encontrar la identidad.
E
Texas Tech University
Aspectos de la poesía femenina de Baja California
La antología bilingüe, Across the Line/Al otro lado (ed. Harry Polkinhorn y Mark Weiss [San Diego, CA: Junction Press, 2002]) enfoca—como lo indica su subtítulo—la poesía de Baja California. Incluye selecciones de 53 poetas, además de dos breves secciones iniciales de obras anónimas, una de poesías tradicionales, la otra de corridos. Entre los poetas nombrados, cuyas obras aparecen siguiendo el orden cronológico de nacimiento de sus respectivos autores, hay 14 mujeres. Entre el mayor de los poetas, nacido en 1919, y la segunda (n. 1939) median 30 años. Todos los demás nacieron entre 1940 y 1974, exceptuando al benjamín (n. 1980). El grupo comprende tanto escritores nacidos en Baja California como otros, residentes de la península.
La antología intenta ofrecer una impresión panorámica de la poesía
escrita en Baja California durante la segunda mitad del Siglo XX, con toda su
rica variedad. Con muy contadas excepciones, el espacio dedicado a los
individuos es breve, siendo el promedio de cuatro a seis páginas, de las cuales
siempre la mitad corresponde a las traducciones, de modo que a veces un sólo
poema representa a su autor/a. Entre las mujeres, que constituirán el enfoque
del presente trabajo, hay dos con sólo un poema, cuatro con dos, una con tres,
cuatro con cuatro, una con cinco y una con seis. Debe constar, sin embargo, que
el mayor número de poemas suele corresponder a su menor extensión, y no
significa que se haya dedicado más espacio a su autor/a. No se pretende juzgar
la obra de ningún poeta a base de un muestrario tan limitado. Lo más que
pretende esta investigación es ofrecer una visión sintética y temática de la
poesía femenina de Baja California en las últimas dos o tres décadas del
siglo recién acabado, como también sus aspectos estilísticos, métricos, léxicos
y retóricos.
Universidad Autónoma de Ciudad Juárez / Universidad de Texas en El Paso
Vena cava, de Jorge Esquinca: hacia el corazón del lenguaje.
La obra de Jorge Esquinca constituye una de las propuestas de escritura más sólidas y personales dentro del panorama de la poesía mexicana publicada en los últimos 15 años. Autor de Alianza de los reinos (1988), Paloma de otros diluvios (1990), El cardo en la voz (1991) -Premio Nacional de Poesía Aguascalientes-, y Uccello (2001), entre otros libros; Esquinca se ha mantenido alejado de las modas literarias, tanto de las corrientes centradas en el lenguaje, como de la llamada poesía de la experiencia.
Uno de los aspectos más atractivos de la escritura de Esquinca es que, temáticamente, se trata de una poesía volcada hacia el mundo, que se nutre tanto de la biografía –la propia y la ajena--, como de otras obras de arte –literarias, pictóricas y cinematográficas—; una poesía en la que el autor, fiel al ejemplo de uno de sus maestros, Saint John Perse, quiere no sólo dar cabida a todo lo existente sino hacer su elogio. Aunado a ello, los textos presentan un trabajo depuradísimo a nivel formal; hay una familiaridad con las poéticas más radicales de nuestro tiempo, pero sin ostentación. Esquinca, cual buen artífice, sabe cómo decir, pero tiene además, como verdadero poeta, algo que decir, y ese algo es intransferible.
Vena cava (2002), el más reciente libro de Jorge Esquinca, contiene varias de las modalidades de escritura que el autor ha practicado a lo largo de su carrera (el poema en prosa, el texto de largos versículos, el poema dramático, el poema breve y de versos cortos, etc.) En este trabajo me propongo, en primer lugar, estudiar algunos de los procedimientos específicos empleados en la composición de los poemas de Vena cava; en segundo lugar, pretendo señalar la importancia del libro en el ámbito de la poesía mexicana actual.
The University of Texas at Austin
Dos piedras rodando: el rock and roll
en José Agustín y Luis Humberto Crostwaite
La Plaza Garibaldi es reconocida internacionalmente como punto de convergencia para los mariachis mexicanos. Es, simultáneamente, la última parada de la línea verde del metro en México. Unos pocos metros debajo de las canciones de José Alfredo Jiménez, Pedro Infante y Vicente Fernández se escuchan los ritmos candentes de Elvis, los Rolling Stones, los Beatles y otros intérpretes del rock and roll norteamericano y británico. Este surgimiento subterráneo del rock es paradigmático de un movimiento literario que comienza en los años sesenta con los textos de la Onda y que continúa ejerciendo su encanto sobre escritores contemporáneos.
José Agustín es el primer motor literario que intenta educar al pueblo mexicano sobre la nueva música con textos como La nueva música clásica (1968), El rock de la cárcel (1986), El hotel de los corazones solitarios (1999) y Los grandes discos del rock (2002). En un gesto parecido al de las vanguardias hispanoamericanas, Agustín establece un nuevo panteón musical e incorpora algunos conjuntos mexicanos a ello. Toda una generación de escritores instruidos bajo la tutela de Agustín produce obras que también asimilan el rock.
El descendiente más prolífico de este género es Luis Humberto Crothwaite, que hace poco escribió la introducción a los Cuentos completos (2002) de Agustín. A pesar de que Crosthwaite reafirma el vínculo con la música norteamericana en textos como El gran pretender (1992) y No quiero escribir, no quiero (1993), también rescata música nacional en Idos de mente (2001) e Instrucciones para cruzar la frontera (2002). En este trabajo examinaré como estos dos escritores proponen una visión cultural de México a partir de la incorporación de música a su literatura. Por una parte Agustín intenta importar una cultura extranjera que impulsará la cultura mexicana hacia el futuro, mientra Crosthwaite invierte esa visión y reivindica la música autóctona de México
Université de Poitiers,
Francia
Utopía y desencanto urbanos: el Tepito
de Armando Ramírez vs el Nezahualcóyotl de Emiliano Pérez Cruz.
Dos visiones de la marginalidad urbana, aparentemente similares, se desprenden de las obras de Ramírez (Tepito) y de Emiliano Pérez Cruz (Si camino voy como los ciegos / Borracho no vale). Sin embargo, el título de la obra de Magris es aquí convocado para subrayar dos ópticas de trabajo distintas que llevan en un caso a la construcción de un espacio tepiteño utópico, cuando no mítico, frente a un Nezahualcóyotl destructor, carente de ideales y héroes. Fuera del valor testimonial de estas obras, cabe interrogarse sobre su valor literario. En este caso, los conceptos de utopía y desencanto anunciados en el título de este trabajo tienen que servir para cuestionar la dimensión linguística e identitaria por la que se preocupan, verdadera e incansablemente, los dos escritores.
Universidad Autónoma del Estado de México
Enfoque del espacio y el tiempo en Éstos
fueron los palacios de
Carlos Fuentes.
Si nos obligaran a connotar en tan sólo dos vocablos las características relevantes de la producción de Fuentes, bien podríamos decir: extrañeza y nostalgia. La extrañeza está planteada no únicamente ante el medio hostil que encierra al personaje, sino también ante la profunda soledad que lo auto aniquila a cada instante. Como resultado de lo anterior se impone una profunda añoranza, nostalgia que finca sus raíces no sólo en lo que no se posee, sino además en todo aquello con lo que se sueña, pero que no se alcanza.
Al proceder al análisis de Éstos fueron los palacios nos detendremos particularmente en el mundo que generan los diferentes personajes que interactúan en el relato. Éstos no sólo pertenecen a la realidad, sino que también hay otros que representan una determinada carga afectiva y que fueron en el pasado y han dejado de ser en un presente que aparece expresado en medio de dudas e insinuaciones por parte de algunos actuantes. Es, por ejemplo, el caso de Lupe Lupita y su relación con su mamá, Manuela.
En otro orden de aspectos a considerar, la historia contada y la voz asumida por el narrador, así como también diferentes elementos de la problemática paratextual dan lugar a una revisión del proceso expresivo de ese mismo narrador.
Universidad Iberoamericana
Universidad Nacional Autónoma de México
Ricardo Castillo en el panorama de la
poesía mexicana actual
Una de las voces que –dentro del espectro de la poesía mexicana reciente– descuella por su propuesta singular es, sin duda, la de Ricardo Castillo. Cuidadoso y atento de una tradición poética que casi siempre es puesta al margen o fuera del canon, Castillo reelabora el decir coloquial y lo presenta, sin descuidar la forma en que se asienta, con nueva vitalidad y fuerza.
La ponencia se detendrá precisamente en explorar cuáles han sido los caminos que este tipo de poesía recorrió durante el siglo pasado hasta la irrupción del principal libro de nuestro autor: El pobrecito señor X. Desde la obra de los Estridentistas, la de Efraín Huerta y José Carlos Becerra, por mencionar sólo algunos, poco se han valorado los alcances de esta veta poética que nos muestra un lenguaje directo, irónico, violento; que se burla comúnmente de las normas tradicionales y que, en muchos momentos, manifiesta su mejor cualidad en el empleo de ciertos tintes narrativos. Es así que después de una breve vista panorámica de lo que podríamos denominar “la tradición del margen” nos detendremos posteriormente en los contemporáneos de Castillo que comulgan con su estética para, después, recalar detenidamente en la obra del poeta jalisciense.
University of Texas, Brownsville
Los
recuerdos del porvenir: dos mujeres
y un recuerdo
En Los recuerdos del porvenir,
Julia Andrade e Isabel Moncada son personajes aparentemente fuertes y capaces de
conducir su propia historia, sin embargo, acaban cediendo ante la sociedad
patriarcal que se manifiesta en forma de violencia y poder. La novela trata la
lucha de un marginado pueblo mexicano, Ixtepec contra el gobierno de Plutarco Elías
Calles. En esta obra, la escritora
narra la lucha psicológica y espiritual entre un pueblo victimizado y su
opresor. El opresor y representante
del gobierno toma la figura del general Francisco Rosas; mientras que el pueblo
tiene como representantes a dos mujeres: Julia
Andrade e Isabel Moncada, dos caras de una misma moneda.
Ambas mujeres, amantes de Francisco Rosas, son víctimas de la violencia.
El tiempo, además, parece aliarse a la violencia pues este se detiene o
hace pausas para permitir que sucedan hechos que favorecen al general Rosas y
sus militares. En este estudio
analizaré cómo la memoria del pueblo de Ixtepec encierra a Julia, al general
Rosas e Isabel en un recuerdo de violencia y tiempo.
La violencia mata la ilusión de Julia Andrade, Francisco Rosas e Isabel
Moncada. Julia es víctima de una
violencia sin piedad por parte del general Rosas. Primero, la muchacha fue raptada de su pueblo.
Segundo, el general Rosas la forzó a tener relaciones sexuales con él,
y finalmente, los celos enfermizos del hombre lo hacen golpearla una infinidad
de ocasiones.
La violencia solo puede llevar a la destrucción a las personas que la
ejercen. La relación de Francisco
Rosas genera más violencia. Julia
desaparece de la vida del general y su lugar lo toma Isabel Moncada.
Una vez convertida en amante de este, Isabel intenta reescribir su
historia pidiéndole al general Rosas que salve la vida de su hermano.
Nicolás, hermano de Isabel, se convierte en verdugo de su hermana y del
general Rosas al no aceptar la huida que le ofrecen.
El acto más violento, quizá, sea la petrificación de un ser humano.
En la memoria de Ixtepec vive la historia que se repite en un tiempo cíclico
y acaba sometiendo a Julia, Isabel y Francisco en formas distintas.
La memoria no es más que la repetición del tiempo y en la vida de estos
personajes el tiempo se detiene o se repite para determinar los destinos.
Julia, la que se fue, queda en la memoria de Ixtepec como ilusión y como
dolor. Francisco Rosas e Isabel
Moncada representan el dolor y la traición.
Después de quedar transformada en piedra, la voz de Isabel es
determinada por Gregoria Juárez por los siglos
de los siglos.
En forma dramática, Elena Garro describe la vida de un pequeño pueblo
mexicano que sufre por estar prisionero de una memoria violenta.
La violencia que ejerce Francisco Rosas lo destruye.
El no tiene ilusiones y fácilmente acaba con la ilusión de los
habitantes de Ixtepec. Julia se va
y así esta parece lograr su salvación. Isabel
es como el general Rosas. Ella
tampoco tiene ilusiones pero es mujer y a la sociedad en la que vive olvido que
siempre hay un castigo. La
violencia con la que el general Rosas vivió la había de alcanzar y por esto
quedó convertida en piedra por los siglos de los siglos.
Universidad Veracruzana
Hablar de Jorge Ibargüengoitia es hablar en muchos sentidos de un gran dramaturgo y narrador cuyas presencias narrativas (teatro, novela, cuento y periodismo) representan la crítica a la narrativa de adulación y mentira que el poder y el dinero propiciaron en la literatura mexicana. Lo que busca es desacralizar el proceso de la revolución mexicana que a la luz de los gobiernos que forjó no se sostienen ni en lo moral ni en la honestidad. Desmitificar este proceso es su objetivo y para ello utiliza en sus novelas; la ironía, la parodia, el humor, el sarcasmo, etcétera. Detrás de estas técnicas narrativas esta el crítico implacable que fue.
Ibargüengoitia a través de sus escritos nos presenta una propuesta desmitificadora de la historia nacional mexicana, cargada de ironía y humor, con un estilo sencillo e inteligente donde la experiencia personal y cotidiana se conjuga con la crítica a las instituciones, política, economía y cultura de México y del mundo. Una constante en sus libros son: Los nombres ridículos de lugares y personajes, la utilización de escenas que rayan en lo grotesco, el humor intelectual, la parodia y la sátira.
En relación con la novela Maten al león (1969), Ibargüengoitia incursiona en la novela de dictadores. No debemos de olvidar que Maten al león, surgió cuando le pidieron que hiciera una película basada en su obra de teatro El atentado. Le pidieron una adaptación, para evitar la censura y así es como Ibargüengoitia crea el país de Arepa, donde gobierna el general Belaunzarán.
El argumento es el siguiente: En Arepa, isla caribeña, se ha desatado el descontento entre varios sectores de la población en contra del general Belaunzarán, quien gobierna desde hace veinte años. El General fue héroe de las guerras independentistas trepanas, se ha convertido en un dictador feroz e inmisericorde, que hace y deshace lo que le da la gana. Los inconformes determinan asesinarlo, luego de que ha sido imposible deponerlo por medio de las elecciones: siempre las manipula o manda a matar a sus rivales. Intentan una y otra vez darle muerte, pero siempre fracasan. Deciden entonces cometer actos suicidas con tal de que el dictador desaparezca, y organizan una junta para tal propósito, a la que asisten los mismos banqueros que políticos de la oposición, músicos y poetas, gente de la alta sociedad y advenedizos. El plan fracasa, y entonces se desencadena la represión brutal: el dictador es muerto de una manera que nadie previó: a balazos durante la fiesta por su nombramiento como Presidente Vitalicio de Arepa. El propósito del presente trabajo es analizar desde los conceptos de ironía, parodia y humor la novela Maten al león.
UNAM
Ciudad
celorina
Celorio
es el “miniaturista que pinta murales” y que hace de una catedral, de una
cantina o de un departamento urbano un texto literario, un collage discursivo (como
la portada arriba referida), en el cual cabe un poco de artes plásticas y un
poco de descripción literaria, un poco de crónica, un poco de periodismo o,
incluso, otro poco de análisis lingüístico, como cuando señala que Daniel
Santos “destrozaba
la fonética con sus nasalizaciones, sus erres tan vibrantes, sus uves tan
labiodentales y eses tan aspiradas”.
Amante de las artes barrocas, catedrático y estudioso de la literatura
neobarroca, Gonzalo Celorio, sabe de los vericuetos de la palabra, conoce la
complejidad que encierra todo su lenguaje, sea la forma más elaboradamente
exquisita o la idea más pulidamente abstracta. Pero nuestro escritor
latinoamericano trasciende gongorismos y conceptismos, y regresa al barroco su
intención clásica: el desorden ordenado, el collage, la palabra enrevesada,
los giros y marometas idiomáticas, sustantivos y adjetivos trenzados. La ciudad
habla, tiene voz propia, es la voz misma de todos sus habitantes con sus múltiples
oficios, como los que rescata en otro libro de “varia invención”, El
viaje sedentario. Es
la voz de sus antepasados, Netzahualcóyotl y Hernán Cortés, de sus cronistas
y de sus poetas.
La ciudad celorina se escribe en el papel de la servilleta de
la mesa de
la cantina de
las calles de
la colonia centro de
la ciudad de
México, se graba en las piedras prehispánicas con que se erigió otro templo
mayor pero ahora cristiano, se grafitea en los muros de agua, de vidrio, de aire
y sol –arco iris de aerosol; se estampa en el cartel de La Traviata pegado
sobre el cartel del P.R.D pegado sobre el cartel de la lucha libre pegado sobre
el cartel de la última promoción de Pespsicola. La ciudad de Celorio se
escribe como un acto de amor que es lo mismo que un poema gongorino que es lo
mismo que una novela neobarroca que es lo mismo que una crónica novohispana que
es lo mismo que un cuento surrealista y real maravilloso.
Para Celorio, cultura no es “hablar francés o tocar el piano, sino la
particular manera de pelar un mango o de enterrar a un muerto”. Con ojos que
leen literatura neobarroca y admiran pintura renacentista, con pies que han
caminado tantas ciudades, con olfato que, a partir de un racimo de flores lilas,
reconstruye una infancia, con dedos que escriben arquitectónica y escultóricamente,
con un oído santanero y vivaldiano; con esos sentidos, Gonzalo Celorio
reconstruye y ama su ciudad.
Angelo State University
Refundación del paraíso perdido: Identidad cultural y espacio urbano en Lotes baldíos (México, 1984) de Fabio Morabito
Este ensayo analiza el motivo del paraíso perdido y la construcción de la identidad cultural en Lotes baldíos de Fabio Morabito (Alejandría, Egipto, 1955). La búsqueda del paraíso perdido sirve como vehículo para refundar la identidad cultural del inmigrante, personaje central de la mayor parte de los poemas, a través de la apropiación de una lengua extranjera y de la exaltación del paisaje urbano de la ciudad de México. Este personaje poético expresa la cultura del extranjero y la cultura nacional, el pasado y el presente, los espacios geográficos del viajero y la “geografía” sentimental del inmigrante. Así, el protagonista vive un proceso de transformación que va del poema inicial, “In limine”, al poema final, “Canto del lote baldío”. Por ser el autor un extranjero, Lotes baldíos puede leerse como la “autobiografía poética” de Morabito. Por eso, muchos de los poemas son narrativos y autobiográficos, dos rasgos de la generación de poetas mexicanos de los cincuenta, según declara el propio Morabito en una entrevista con Fabienne Bradu (“La poesía” 57). En su narrativa poética, el hablante lírico central refiere sus señas de identidad: El mar y la ciudad, el viaje y el arraigo, la naturaleza y los lotes baldíos. La nota introductoria al libro de Morabito da testimonio de esta re-apropiación de la cultura y el espacio mexicanos: “Un inmigrante que va hallando su lengua y su tierra conforme se interna en la áspera metrópoli” (Lotes 1). En este proceso de identidad individual, Morabito usa la lagartija y el lote baldío como símbolos de la refundación cultural y poética de nuevos espacios físicos y de una nueva conciencia del inmigrante.
Lotes baldíos tiene 39 poemas y cuatro secciones: “I. Lotes baldíos”, “II. Plaquette marina”, “III. Canciones” y “IV. El ciclo de la hierba”. Particularmente, las secciones I, III y IV se concentran más en la identidad cultural del hablante lírico y en la descripción del paisaje urbano moderno. Esta reconstrucción poética de la ciudad moderna es un tema importante en la generación 1950-1959 de poetas mexicanos, a la cual pertenece Morabito. Estos poetas viven “el crecimiento desmedido de nuestras ciudades”, según Vicente Quirarte (“Reconstrucción” 26). En esta generación, la imaginería urbana es clave. Particularmente, abordan el tema de la ciudad Efraín Bartolomé, Cesar Benítez, Alberto Blanco, Ricardo Castillo y Roberto Vallarino, entre otros.
El presente ensayo utiliza los conceptos de hablante lírico, motivos y espacio poético de Juan Villegas para examinar los poemas de Morabito.
UNAM
El
equilibrio estético: la narrativa de Felipe Montes
Felipe Montes forma parte de esos escritores nacidos en los sesenta
(David Toscana o Joaquín Hurtado, por ejemplo), que desde su tierra natal
ahondan, con sus distintos proyectos estéticos, en el espacio urbano de la
ciudad regia. En las dos obras de Montes, Monterrey y sus habitantes, con los
espacios cotidianos, se convierten en una pieza clave de un lenguaje lleno de
matices, imágenes y metáforas, en el que la violencia es un agregado
consustancial a lo que se cuenta.
En mi exposición intento mostrar la poética que hasta el momento Montes
ha mantenido en sus dos trabajos: un equilibrio temático, formal y conceptual
que lo ubican como un escritor trascendente en las actuales letras mexicanas.
The Catholic
University of America
Divino Pastor Góngora y la poética dramatúrgica de Jaime Chabaud
Para ilustrar la poética escritural de Chabaud, aunque nos referiremos
de paso a otras obras representativas del autor, nos centraremos en una de sus
obras más recientes, Divino Pastor Góngora, cuya puesta en escena fue muy bien
recibida por los críticos de su país. La
obra consiste en un monólogo cuyo protagonista es un actor cómico del siglo
XVIII perseguido por la Santa Inquisición. Los avatares del cómico van
surgiendo fragmentariamente a partir de un juego metateatral y polisémico.
El marco teórico que emplearemos es el correspondiente a la socio-semiótica
teatral que, a nuestro parecer, permite descubrir no sólo el valor estético del texto
escrito, sino también su proyección o potencialidad escénica.
Simon’s Rock
College of Bard
The Scars of
Time: Luís González de Alba and Lecumberri Prison
Luis González de
Alba’s Los días y los años (1971) is a work that combines various elements of the 1968 student
movement and the agents that opposed it, both from within and without.
The story is told in the first person by the author himself.
He both recalls the days of the student movement and describes his
everyday life in Lecumberri Prison. In
this testimonial the civilly impotent subject appropriates the object (Lecumberri
Prison) that represents the very system responsible for his incarceration and
the killings of hundreds of student protestors and turns it into a space of
production. Within this space he is
at once out of the state’s punishing reach and within the very belly of the
beast. This position simultaneously
affords him a viable space from which to produce without being further punished
and paradoxically places him within a new machinery of punishment.
This paper examines the strategies employed by both the prisoner and the
manifestation of the state as each strive to write a history of the 1968 student
movement and Tlatelolco massacre. It specifically focuses on the use of
negativity as a tool in the production of a testimony that defies the state to
engage on its own terms. It also
looks at the function of Los días y los años
as both a history and meta-history of the 1968 student movement.
Emory University
En esta novela corta o cuento largo se encuentran las características de la novela gótica “tradicional”: el espacio y la arquitectura del pasado, la no-temporalidad, lo suprasensible, los contrastes góticos, los personajes fantasmagóricos, la alusión al mito, la magia y la brujería. El personaje de Aura presenta una dualidad grotesca porque en ella se funden la belleza y la monstruosidad. Este personaje gótico es quien seduce y enamora al joven historiador, que representa la modernidad. La novela gótica reacciona al contexto modernizante en donde se escribe, creando un mundo en total disonancia con el mundo moderno e industrial. En oposición a la luz, la fábrica y la ciencia, la novela gótica retoma las sombras, los castillos antiguos y las pasiones. Estos rasgos de la novela gótica de los siglos XVIII y XIX en Europa, se replantean en Aura de Carlos Fuentes.
Este trabajo abre espacio para una relectura de muchas novelas hispanoamericanas del siglo XX, (como lo son Pedro Páramo de Juan Rulfo, El obsceno pájaro de la noche de José Donoso, entre otras), que podrían ubicarse dentro de una tradición gótica por la forma en que reaccionan al mundo moderno y por cómo plantean una añoranza del pasado perdido.
¿Por
qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?: erotismo en varias
El
erotismo y el sexo son temas constantes en los relatos de la mayoría de las
cuentistas mexicanas nacidas durante las décadas de los sesenta y setenta. En
sus cuentos se aprecia una visión de desencanto y falta de credibilidad, no ya
en el hombre perfecto, sino meramente en la posibilidad de sostener una relación
duradera. Las exigencias frente a una relación sexual placentera, el dominio
absoluto del cuerpo y las relaciones sexuales son también notas constantes. El
objeto central de esta investigación es analizar el sexo y el erotismo en
diversos cuentos de autoras mexicanas nacidas en estas décadas en los que se
comprueba que tópicos como la violación, trascendencia de la virginidad e
insatisfacción sexual van desarrollándose hasta superar lo meramente erótico
para insertarse en el terreno de lo puramente sexual.
Debido a que el erotismo y la sexualidad no son temas exclusivos de las
autoras nacidas en estos años realizaré una revisión que abarca desde Luisa
Josefina Hernández, nacida en 1928 y autora de cuentos como “La historia
hallada por Elena”, hasta Constanza Rojas nacida en 1976 y autora de "Cenizas”.
En este estudio cronológico se observa una evolución en cuanto al tratamiento
de estos temas, aunque no siempre en consonancia con el cambio de los tiempos y
las reivindicaciones feministas o la liberación sexual de la mujer, ya que
encontramos un claro antecedente de todo ello en los cuentos eróticos de Inés
Arredondo. Además de las autoras anteriormente citadas este estudio contempla
otras entre las que se encuentran Rosa Beltrán, Brianda Domecq, Cristina
Pacheco, Rocío Boliver, Beatriz Espejo o Julieta Aranda.
University of
Maryland- College Park
El
problema del mal ha sido extensamente tratado por diferentes escritores desde la
Generación de Medio Siglo hasta Mario Bellatín y Álvaro Enrigue. Esta
producción narrativa ha generado una intensa actividad crítica. Por otra parte
me parece que no ha habido una elaboración teórica frontal del urgente
problema implícito en la exploración del mal: las condiciones de posibilidad
del bien, dado el prestigio de las representaciones del mal. Esto es, cómo
aprovechar la atracción espectacular que ejercen las narrativas del mal para
sugerir nuevas eróticas, políticas de las amistades válidas, felicidades que
no se desmoronen de cursilería.
En este ensayo exploro un texto de ficción que contiene hondas reservas
de imaginación ética, donde los personajes se definen por tres condiciones
fundamentales: a) un grado mínimo de densidad humana, esto es: no se trata de
alegorías, b) está inmerso en un mundo donde la tentación del mal permea el
texto, c) logra ofrecer una resistencia feliz al problema del mal. Me parece que
en este caso la reapropiación de un autor tradicionalmente asociado a la estética
del mal --Guillermo Fadanelli, específicamente su reciente, importante novela Lodo--
ofrece una cimentación significativa en esta manera de leer la literatura
mexicana.
University of
California, Santa Barbara
Apocalipsis,
milenarismo y escatología en el cuento mexicano reciente
Mi
trabajo se propone pasar revista a un grupo de cuentos de jóvenes autores
mexicanos nacidos en su mayoría alrededor de 1960 y cuyo tema predominante es
el fin del mundo, entendido éste como una (re)lectura de los mitos escatológicos.
Los relatos que se analizarán pertenecen a los siguientes autores: Ricardo Chávez
Castañeda, Álvaro Enrigue, Ignacio Padilla, Ramón López Castro, Mauricio
Molina, Gabriel Trujillo Muñoz, Jorge Volpi y Naief Yehya. En los cuentos que
analizaré me parece ver una cuestionamiento de las narrativas escatológicas,
no tanto para contradecirlas sino para reformularlas y plantear una suerte de
distopía que se opone a la idea tradicional del tiempo como un continuum
progresivo y unidimensional, sino discontinuo y múltiple.
Algunos de los relatos que he elegido son variaciones de los relatos
escatológicos y algunos de ellos parodian las lecturas milenaristas; en otros
casos, el tratamiento de los mitos escatológicos roza, como se verá, la
ciencia ficción, y oponen a la implantación de un futuro ideal, una distopía.
En otras ocasiones, la escatología de las lecturas milenaristas es tan sólo un
pre-texto para urdir una trama que más que enfocarse en el tema del fin del
mundo, simplemente invierte de modo chocarrero el caos en el que podría sumirse
el mundo si sobreviniera el Apocalipsis. En todos los casos, sin embargo,
existen referencias e inversiones paródicas de los mitos escatológicos que me
hacen pensar en una suerte de tendencia (auto)reflexiva en los relatos, ya que
el paratexto que los motiva —verbigracia, los grandes relatos sobre el fin del
mundo— se convierte en un referente que al ser reactualizado es también
sujeto a un cuestionamiento de su carácter unívoco y hegemónico.
Universidad de Fez (Marruecos)/Alakhawayn University of Ifrane
La
silla del águila:
¿grado cero de la narración?
Después
de haber experimentado con prácticamente todas las modalidades narrativas (omnisciencia,
narración autobiográfica, narración en segunda persona y combinación de las
tres), Carlos Fuentes desemboca, con su última publicación, en una producción
novelesca original por su temática y por su estructura. La ponencia se ocupará
fundamentalmente de cuestionar el planteamiento estructural: género epistolar,
prospección temporal en el plano de la diégesis, ausencia (?) de narrador e
implicaciones de las opciones estéticas sobre el tratamiento de las coordenadas
espacio-temporales así como sobre las instancias de la narración, con la
correspondiente polifonía derivada del uso del género epistolar.
University of Colorado at Boulder
El
complot mongol, o el caso de la muerte simbólica
nacional
El propósito de este trabajo es analizar la manera en que El complot mongol (1969), de Rafael Bernal, pone en escena la crisis de “México” como idea coherente surgida de la revolución. Los conceptos de “comunidad conceptual” y “comunidad imaginaria” de Anthony Giddens y Benedict Anderson, respectivamente, implican que los individuos pertenecientes a una nación-estado deben participar en el “mismo tiempo”. Este “mismo tiempo” se puede entender como “el mismo relato”, el cual es, por lo general, un relato de violencia. De acuerdo a la “inteligencia mexicana” y a Octavio Paz en El laberinto de la soledad, este relato (tiempo) lo otorgó la revolución.
Pero este relato (tiempo) es una construcción discursiva de “la revolución institucionalizada”. De acuerdo con Roger Bartra (La jaula de la melancolía) la ciudad letrada y otros aparatos estatales crearon un campo simbólico sobre “el cadáver de la revolución” para construir un puente mediador entre el régimen y las masas. Este campo simbólico es aquel metadiscurso sobre “lo mexicano” y sobre la idea del “México moderno”. Esta idea de lo que “es México” se ve amenazada y puesta en una crisis inminente en el Complot mongol de Bernal.
El supuesto complot formulado en Mongolia pasa a un segundo plano para descubrir un plan local por parte del General Miraflores y Rosendo del Valle para asesinar al presidente mexicano. El ataque presidencial es un atentado a la red simbólica que construye a la nación. Es, en palabras del Coronel de la policía, “un orden jurídico que no debe romperse”. Un orden que si cae desmorona a “México” como metanarrativa.
El Complot mongol, por un lado, mantiene “intacta” la estructura simbólica de la nación-estado; aunque, por otro, manifiesta que este afán de protección se lleva a cabo por métodos violentos e irónicos, desconstruyendo así su misma intención primaria. En la persona, acciones e investigación de Filiberto García —entre otros puntos— se ponen al descubierto las contradicciones que la “inteligencia mexicana” homogeneizó (por ejemplo aquellas que borra el “fraticidio tranquilizador”), así como la separación entre la lucha armada carente de fundamento ideológico (como la violencia que ejerce García) y las instituciones que se la apropiaron posteriormente (cuyo representantes serían los mismos del Valle y el Coronel).
Bernal, dentro del influjo de la novela negra, anuncia el daño en las redes simbólicas de legitimación nacionalista, deterioro que representativamente inicia el movimiento estudiantil del 68 y que confirma la insurrección armada del EZLN. Estas redes, según Bartra (La sangre y la tinta) y José Antonio Aguilar Rivera (El fin de la raza cósmica) amenazan hoy con su completa desaparición.
Universidad de Guadalajara
Todos
somos el rey Lear de Schmidhuber
y el riesgo de ser espectador
Cuando
la figura del dramaturgo se torna en la de crítico, podemos decir: la serpiente
traga su cola, más cuando el crítico-dramaturgo se coloca delante de la
bayoneta del método, el horror y el pánico sobreviene. La ocasión determina
que el crítico sea ahora el criticado.
Todos somos el rey Lear, obra posterior a Nuestro señor Quetzalcoatl y Juegos Centrífugos exhibe la historia de una compañía teatral contratada por un millonario para representar algunos fragmentos escogidos de la obra homónima de Shakespeare. Los conflictos dramáticos acaecen cuando la verosimilitud —aniquilada por realidades opuestas a los personajes— hace “mutis”.
La esencia del texto es la vuelta al origen del teatro, al teatro gestado en el ditirambo dionisiaco, donde el “público” se caracterizaba por su participación, haciendo las veces de coro, de actor/actualizador, en el rito donde un aspecto de Dionisos se tornaba único receptor.
La Existencia real,
es decir del hombre real en su actitud hacia su propio ser, en la poética de Todos
somos el rey Lear, sólo
puede ser aprendida en conexión con la naturaleza del ser al que personifica.
En el texto (sea este el espectacular, la representación, o el escrito) se
escucha el llamado del “dramaturgo primordial” (Urdramaturg) que clama,
evoca, a la conciencia: El actor que no ha llegado a ser
“él mismo” por deficiencia —culpa o sinrazón— clama a sí mismo, y a los demás, para que por medio de la
escenificación se libere para ingresar en la esfera del ser “uno mismo”
pasando de la “inautenticidad” a la “autenticidad” de la Existencia.
El personaje conocido como “el millonario” se encuentra inhabilitado
para descubrir su error primordial. Le resulta imposible ya que sitúa su
problema en el otro, y él se arrellana en el trono del espectador.
Parafraseando a Heidegger, diremos que la obra manifiesta una postura ante el
ser personaje / actor,
su esencia, es un ser en el teatro, en
un Teatro en el que el Personaje no se encuentra enmarcado solamente por
espectadores (cosas) que son su receptáculo, es decir que conmueve, acongoja u
horroriza según sea el caso, ya que también está rodeado de personajes con
los cuales él es el Teatro.
Tendremos que descubrir, en el devenir de la obra aquel principio metafísico del teatro donde se aborda la distinción entre los conceptos ente y ser, confiriendo este último la esfera de los humanos y al primero el reino de los personajes. Por ende comulgaremos con la idea del Schmidhuber crítico cuando advierte que el principio metafísico es intrínseco al principio cognoscitivo, principio que dimensiona al teatro cual forma de conocer, distinguiendo en él dos vías de conocimiento: el pensar y el sentir. Preceptos que indubitablemente existen en su obra dramática, empero que en Todos somos el rey Lear, tal modelo se conduce de forma diferente: La emergencia de una estructura inesperada permite el robo de la atención y permite que el espectador unifique a los personajes, y el acto de pensar le confiere a la escena el poder de engullir al público, mismo que no se aprecia ya, analógicamente representado, aún más, es parte de la representación.
Frostburg State University
Mal de amores, una parodia revolucionaria de la narrativa decimonónica
La obra
narrativa de Angeles Mastretta se caracteriza por parodiar y subvertir los géneros
narrativos dirigidos a las lectoras. Mientras
en
Arráncame la vida (1985)
la escritora parodia la novela romance mediante la creación de la poco
convencional y desparpajada voz de Catalina Ascencio, en Mal
de Amores (1996),
Mastretta utiliza una serie de recursos narrativos para subvertir la novela
decimonónica. En este trabajo analizaré algunos de los elementos utilizados
por la narradora para socavar y desquiciar este tipo de narrativa.
Entre los recursos que discutiré, subrayo dos en especial: 1) la creación
de una voz narrativa desprejuiciada y aparentemente impermeable al pensamiento
tradicional y conservador que caracteriza las novelas de la época; y 2) la
inversión de ciertos motivos característicos de la novela decimonónica, dinámica
que afecta radicalmente el desarrollo de la historia.
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
El tañido de una flauta de Sergio Pitol
Esta visión esperpéntica de desvalorización humana es el tema que
analizaremos en este trabajo. El estudio lleva la intención de tratar de
demostrar que los personajes femeninos de El tañido de
una flauta
se presentan bajo la óptica difuminada del espejo cóncavo.
El Colegio de la Frontera Norte
La
violencia en “Por alguna circunstancia” de
Rosina Conde
y
“El reflejo de la luna” de Rosario Sanmiguel
En
los últimos años la violencia ha sido tema de interés creciente en diversas
disciplinas y países. Tal vez sea el hecho de que cada vez más, los medios de
comunicación nos invaden con imágenes que se repiten a lo largo y ancho de
nuestro mundo. Nuestra capacidad de asombro, ante la violencia de cualquier tipo,
es cada vez menor. La violencia se ha apoderado de nuestras sociedades a tal
grado que a veces nos cuesta distinguir, entre los actos violentos que se dan en
las fronteras del mundo real y el mundo virtual. La magnitud y las dimensiones
de la violencia son considerables. Nuestra exposición a la violencia de
distintos tipos es tan cotidiana que tendemos a “normalizarla” o a “naturalizarla”.
Como casos específicos de esta “normalización” podría mencionar la
violencia del Estado, la intrafamiliar, la de género, las que, por estar tan
arraigadas y ser tan antiguas, en ocasiones nos resultan imperceptibles.
Este trabajo analiza la forma en que las narradoras Rosario Sanmiguel y Rosina Conde aproximan la violencia en dos de sus textos, específicamente la violencia sexual.
California Lutheran
University
La
perspectiva de Guillermo Arriaga Jordán a través de Escuadrón
Guillotina y Amores
Perros
La perspectiva de Guillermo Arriaga Jordán, el autor de la novela Escuadrón Guillotina (México: Daga, 1997) y del guión de Amores Perros (2000), tiene dos dimensiones importantes –una naturalista y otra cinematográfica. Se trata de un naturalismo contemporáneo que se puede remontar al clásico español y mexicano, y de una conciencia del cine que tiene sus puntos de contacto con la metaficción. Ambas se manifiestan tanto en la novela como en la película de modo que una comparación analítica de las dos obras revela un tipo de fertilización cruzada que no sólo ilumina su dinámica creativa sino también la interdependencia que existe en el mundo actual entre los diversos medios artísticos.
Universidad Autónoma Metropolitana (Atzcapozalco)
La
obra de Eduardo Antonio Parra
En la
ponencia hablaré sobre la "obra completa" de Eduardo Antonio Parra,
destacando, en particular, el modo en que los recursos fantásticos rompen la
dureza del mundo que había presentado en sus dos primeros libros de cuentos.
Finalmente, me referiré a los cambios que experimenta su trabajo cuando pasa
del cuento a la novela.
University at Buffalo
Los
cambios en la manera en que el teatro representa la identidad femenina reflejan
y complican la relación del texto con el concepto de nación.
Si bien a principios del siglo XX el teatro proponía una visión homogénea
de lo que significaba ser mujer, a partir de la segunda mitad del siglo se
empieza a cuestionar dicha representación monolítica.
El estudio de Ida Blom sobre género y nación, entre otros, demuestra
que la formación de la nación
se basa en el concepto de la
familia. El acto de asociar la nación
con la familia facilitó
la construcción de identidades nacionales y el sentimiento de fidelidad hacia
la nación. El cuadro
familiar tradicional, como todos sabemos, consistía del jefe de familia, su
consorte y los hijos. En este
modelo familiar el dueño de la última palabra era la figura paterna y la mujer
no encontraba el espacio para expresarse ni la necesidad de hacerlo.
Sin embargo, en obras como Cocinar hombres,
se borra el significante familia para dar lugar a una visión distinta de nación.
Las protagonistas de la obra, Ufe y Wine, son transportadas a otro mundo
donde existe la posibilidad de crear su propia identidad y por ende cambiar la
fisonomía de la nación.
En este ensayo, por lo tanto, me propongo examinar cómo a través del
lenguaje, el desplazamiento geográfico y la eliminación del pasado, Boullosa
logra desestabilizar la hegemonía patriarcal.
Mesa
State Collage
Melodrama
a la mexicana en Santitos de María Amparo Escandón
La
primera novela de María Amparo Escandón
Santitos
fue publicada simultáneamente en inglés y en español en 1999.
Esta singular novela fue también acompañada por el debut de la película
basada en el mismo texto, cuyo guión fue escrito por la misma escritora. Tanto
la novela como la película nos sumergen en un mundo lleno de una realidad
maravillosa que es parte de las vivencias del ser mexicano.
Los eventos que parecen salirse de lo que consideramos “la realidad”
son parte de la cotidianidad de una cultura que convive con los muertos y con
los vivos en un mismo plano espiritual. De
ahí que las conversaciones de Esperanza, la protagonista, con sus santos sea
tan real como las conversaciones que entabla con otras personas.
En este trabajo queremos analizar los elementos del melodrama que se
encuentran presentes en esta novela. Estos
elementos son fundamentales para comprender la naturaleza de este texto que no sólo
nos presenta elementos del realismo mágico sino también elementos propios de
la cultura mexicana que se ven expresados a través de ese género.
En Santitos,
el melodrama clásico se deconstruye para crear situaciones mucho más irónicas
y populares con lo cual nos presenta una realidad un tanto cómica y absurda.
La novela muestra muchos elementos característicos del género pero
puestos en crisis. Son precisamente estos elementos los que ayudan a comprender
la magia que rodea a todo el texto y cómo lo que podría ser considerado como
absurdo o inverosímil toma sentido hacia el final de la historia.
Universidad Veracruzana
José Agustín y la literatura de la onda: De la paternidad no deseada a la mitificación
Este 2004, se cumplen los primeros 40 años de la publicación de La tumba, el debut literario de José Agustín. Dos años después, De perfil vendría a confirmar tanto la algarabía como el desdén, las encendidas apuestas a favor como los enconados rechazos que generaban ese joven veinteañero, sus libros y el movimiento que - dicen - inició. ¿Cuál es la percepción del joven lector contemporáneo con respecto a la narrativa de Agustín? ¿Cuál, el desarrollo de Agustín a casi cuarenta años de haber sido mitificado por parte de la crítica? Un recorrido por la trayectoria del escritor acapulqueño, así como una revisión de los momentos álgidos de su narrativa, permite apreciar el lugar de Agustín dentro de la literatura mexicana, así como la vigencia de sus textos.
Lawrence
University
Mujeres en pugna: Los recovecos de la fe, la feminidad, y la subyugación en Yo la peor de todas y Como agua para chocolate
En nuestro análisis, elaboraremos sobre asuntos de género que incluyen
el hecho de que Como agua para chocolate
fue escrita por una mujer y dirigida por un hombre, y Yo
la peor de todas fue
escrita por un hombre y dirigida por una mujer. Desde esta perspectiva, haremos hincapié en el aspecto
socio-político e histórico que se establece en la versión cinematográfica de
cada texto literario.
Texas A&M University
El
norte y su relación conflictiva con el centro: La narrativa de Francisco José
Amparán
En esta
ponencia propongo un acercamiento a la obra de Francisco José Amparán (Torreón,
1957) que explica la posición conflictiva hacia el centralismo nacional
atribuida a la sociedad norteña que habita su mundo narrativo.
Según mi lectura, enfocada principalmente en su obra de índole policíaca,
una manera de interpretar la posición presentada en Algunos
crímenes norteños
(1992) y Otras caras del paraíso
(1995) es a través de la inagotable presencia de la cultura estadounidense que
compite con lo nacional. El
resultado, en el caso del detective Francisco Reyes Ibáñez, es un ser más
allegado a los Estados Unidos que a su propio México.
¿Cómo resolver la dualidad de estar en México mientras se intenta
evadirlo a diario? Una posibilidad
se da a través de lo que establece Roger Bartra cuando señala que "una
cosa es ser nacionalista y otra cosa es ser mexicano." En la obra policíaca de Amparán, la mexicanidad con la cual
opera la postura crítica de "este país" es una que se encuentra
desconectada del nacionalismo patriotero oficial centralista.
Es precisamente este desfase el que permite la crítica de la cultura
oficial así como el consumo de lo extranjero permite una defensa de lo mexicano.
La transnacionalización que encarna el detective Reyes Ibáñez
en sus gustos de música, cine, televisión, y lecturas representa una
modificación de la cultura nacional que no por ello hace de nuestro
investigador un traidor de México y lo mexicano.
Su lucha contra quienes "han ordeñado a este país como si fuera
vaca lechera; que lo han jodido a patadas para sacarle hasta lo último" lo
hermana con su entorno a pesar de su conexión virtual con el extranjero.
Lejos de someterse al nacionalismo oficial, la desilusión y el fraude
generacional que personalmente padece forjan en él una fraternidad con otros
seres que del mismo modo están en las fronteras de la nación oficial.
University of California, Santa Barbara
Panorámica
de la cuentística queer mexicana
En este
trabajo pretendo establecer parámetros de análisis del relato que en México a
partir del estudio de textos de autores nacidos a partir de finales de los 50.
En primer lugar, discuto la crítica y las publicaciones más importantes, para
concluir en una aproximación al relato queer en la que prima la apreciación de
los efectos que produce la ambigüedad plasmada en estos cuentos.
Hay tres tendencias en las que se perciben estos efectos en la cuentística
queer mexicana más actual. En la
primera tendencia, el cuestionamiento de normas de género y sexo y su relación
con la justicia sirve de enlace entre textos en que prima la violencia (Luis
Zapata y Eduardo Antonio Parra) y aquellos en que la crueldad lleva al
neocostumbrismo, el humor y la ironía (Joaquín Hurtado y Enrique Serna). En la segunda
tendencia muestro el análisis de relatos queer que optan por lo fantástico y
los ambientes góticos (Pablo Soler Frost y Álvaro Enrigue). Por último,
estudio el travestismo y el deseo lésbico
en la obra de escritoras jóvenes que se interesan en la exploración de la subjetividad y la representación tanto
femenina como masculina (Rosamaría Roffiel, Ana Clavel y Cecilia Chávez
Aguilera).
California State University, San Marcos
La transformación de un texto de código narrativo al código cinematográfico involucra un proceso que incluye elementos de traducción, de trascripción y de adaptación. Bajo esta perspectiva analizaré las funciones de alteración, de substitución, de expansión, e incluso de anulación, en el desplazamiento de pasajes, de escenas, de símbolos y de significados en la transposición de la novela Pedro Páramo a dos versiones cinematográficas.
En mi presentación exploraré tanto los registros de ambos medios artísticos como los registros socioculturales que los producen
Cornell University
Ensayo de un crimen: policial, trauma y revolución
Texas Tech University
En
busca de Klingsor y Frankestein:
aspectos de intertexto y misoginia
Como ya ha sido señalado por algunos estudiosos de la prosa volpiana, En busca de Klingsor presenta intertextos implícitos y expresos con varias obras literarias; sobre todo con obras germánicas como Fausto de Goethe y Doctor Faustus de Thomas Mann.. Una de las novelas que también merece atención por sus puntos de contacto con la novela de Volpi es la bien conocida obra del Romanticismo inglés: Frankenstein. Desde la simetría temática entre ambas novelas, hasta sus convergencias en cuanto al ambiente germánico y al motivo de frenética búsqueda, son varios los momentos de intertextualidad que se perciben.
Sin embargo, uno de los aspectos que más llama la atención es la manera en que ambas novelas presentan la imagen de la mujer reprimida. En el caso de Frankenstein, esta proyección es mucho más sutil y oculta, y, hasta cierto punto, puede interpretarse como reflejo del contexto histórico de la autora. Por su parte, la novela polifacética de Volpi presenta una galería de mujeres reprimidas, explotadas o sojuzgadas por un yugo de dominación patriarcal que se percibe a lo largo de la narración.
Dada la complejidad de la novela y la minuciosidad narrativa de Volpi, esta visión escandalosa de la mujer no puede atribuirse fácilmente a la mera negligencia misógina del autor. Tomando en este caso a Frankenstein sólo como punto de partida, lo que se busca es un acercamiento al sentido y a la función del personaje femenino en la magistral novela de Jorge Volpi.
University of
Colorado at Boulder
Días de guardar: reformulación y representación del espacio público
Este trabajo esta basado en mi tesis doctoral sobre la representación del sujeto intelectual en la narrativa posterior a los eventos de 1968 en México. Los capítulos que conforman la tesis estudian el ensayo, el testimonio y la novela. Dentro del ensayo tomo en cuenta Posdata y Días de guardar. Uno de los puntos relevantes en el análisis de ambas obras es la reformulación y representación del espacio público según el sujeto intelectual del 68.