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Revista
de Literatura Mexicana Contemporánea
VIII
Congreso de Literatura Mexicana Contemporánea
CATALOGO DE PONENCIAS
Universidad Iberoamericana
En
los márgenes de la textualidad y la teatralidad en El viaje de
los cantores de Hugo Salcedo
Hugo Salcedo es uno
de los dramaturgos mexicanos que a principio de los años 80 se
inicia con un tipo distinto de teatro a partir de la experiencia de
la frontera. En este sentido, la palabra frontera adquiere un
carácter metafórico, ya que no se refiere solamente a la
delimitación geográfica del norte de México, sino también la
demarcación en los márgenes de dos culturas, a la marginación
social, y a la frontera entre dos tipos de teatro, uno temático y
tradicional y el otro enfocado a lo que se ha llamado la
teatralidad, es decir, su
configuración espectacular. Cómo confluyen estos elementos en la
obra en cuestión y cómo estos recursos son retomados en su
obra posterior es el objeto de este trabajo.
Gerardo Álvarez
México, D. F.
Juan García Ponce y Robert Musil: las afinidades de elección
La
presencia de la obra del austriaco Robert Musil en los ensayos y
novelas de Juan García Ponce es, en el sentido más amplio, esencial.
Una investigación fundamentada de esa relación es hasta el momento
una desiderata. En el interés de García Ponce por el autor de
Der Mann ohne Eigenschaften se pueden distinguir tres momentos:
a) por un lado JGP como introductor de las obras de Musil en el
sistema literario mexicano; b) Musil como el campo de discusión
teórica para su concepción de la
literatura, que va desde el interés por la figura del escritor como
personaje de novela, “El artista como héroe”, la incapacidad del
arte de ofrecer respuestas cerradas, como en el capítulo de El
reino milenario, “La imposibilidad de la novela” o en La
errancia sin fin, Musil, Klossowski, Borges; el erotismo místico
y perverso, “Robert Musil: la literatura como perversión del
pensamiento y las costumbres (1880-1980)”, “Una visión del alma”,
“Robert Musil y el amor místico (1880-1980)”, “Robert Musil
(1880-1980)”, “La carne contigua (el incesto en la literatura
contemporánea)”; c) Musil y su narración “Die Vollendung der Liebe”,
como tema de las novelas de JGP, como en El libro; además de
la utilización de temas musilianos en otras de sus novelas, p. e.
“La acción paralela” del torso de novela musiliano encuentra su
analogía en “El gran proyecto” de la novela Crónica de la
intervención.
Saber y entender cuáles son los
elementos afines entre Juan García Ponce y el austriaco Robert Musil,
nos permite entender la secreta figura del tapiz garcía-ponciano.
Demetrio
Anzaldo
University of Memphis
De piel de víbora,
otra reconfiguración de la violencia urbana
La novela
De piel de víbora (1997) de
Patricia Rodríguez S. es una
representación de la creatividad mostrada por la escritura de
mujeres mexicanas en los últimos años. En esta escritura la
realidad que se percibe destaca la violenta época que se vive en el
México de siempre; la intensidad espacial/especial de la urbe
mexicana y del cómo la viven sus habitantes, marca el inicio de un
ajuste de cuentas novelado. En esta ocasión, la mujer mexicana
intenta ser la protagonista de su destino y para ello se tiene que
enfrentar a un mundo al borde del colapso. Ella, ante la
irracionalidad urbana, toma la decisión de enfrentar, de buscar una
solución a una problemática personal endémicamente incubada por la
comunidad en la que vive. La intención de este ensayo es mostrar
cómo por medio de lo tradicionalmente conocido, lo popular urbano
recrea el enfrentamiento entre los distintos grupos sociales,
mostrando la vida en la capital mexicana, y demostrando la supuesta
impartición de "justicia" y la ominosa estabilidad sustentada por un
orden social corrupto. Es la crítica señera al manejo institucional
de un gobierno corrupto que dirige el destino de una ciudad
capital condenada por sus mismos
habitantes.
José Ávila-Cuc
Universidad Autónoma de Cd. Juárez
El travestismo transgresivo
en Por debajo del agua de Fernando Zamora
Por
debajo del agua es la primera novela de Fernando Zamora (DF, 1969)
que llega a las librería con una estrategia comercial que reza: "La
primera novela gay de la Revolución Mexicana" y en la portada una
fotografía en sepia de una "Adelita" con sombrero y bigote que usa
un faldón y carrilleras ciñéndole y cruzándole el pecho. Pero si la
función comercial —provocadora
del morbo— no fue suficiente, el texto en sí se abre como una gran
novela
que combina el tema homosexual en el contexto
histórico-revolucionario.
Este estudio se aproxima a
estas dos vertientes: la neonarrativa de la Revolución Mexicana,
como novela de temática histórica y el travestismo como cambio en lo
mental, sexual, de ropa y también por el deseo de ser "el poder"
que no se tiene: un travestismo intencional. Esta última temática
inserta en el prejuicio social donde el patriarcado alcanza una de
sus cumbres: la lucha armada de machos, bigotones y sombrerudos.
Gerardo
Bobadilla
Universidad de Sonora
El
seductor de la patria,
de Enrique Serna, o los límites y contradicciones de la nacionalidad
Antonio
López de Santa Anna es una de las figuras más contradictorias -- más
apasionantes, por eso mismo-- de la historia de México. Sus triunfos
y sus derrotas han sido reseñados con largueza, aunque los primeros
son eternamente opacados por las segundas: la historia y la
literatura han señalado su carácter voluble y ambicioso como la
razón principal de su desempeño histórico. Pese al rico filón ético
y estético que ello representa, nunca, o
pocas veces, se ha configurado un retrato humano tan completo y tan
complejo del Benemérito de la Patria, que muestre al menos la
dialéctica interna que pudo determinar muchas de sus acciones.
Planteamiento que sí logra hacer Enrique Serna, en El seductor de
la
patria (1999), como se intentará mostrar en el presente trabajo.
Juan
Bruce-Novoa
University of California – Irvine
El
erotismo y el discurso contracultural en la Generación de Medio
Siglo
Aunque
la división de la literatura de los 1960s en Escritura y Onda hace
tiempo se ha puesto en tela de juicio, aun por la misma Margo Glantz
que la enunció, los críticos siguen evocándola como punto de partida
para estudiar la época. En mucho el contraste que dicha oposición
binaria supone resulta de la asociación de los autores escriturales
a un esteticismo serio, relacionado a la vanguardia internacional,
frente a una actitud juguetona, irreverente e iconoclasta, de los
onderos. De esta manera, a los onderos se les atribuye el papel de
representantes de la contracultura al estilo de la década de los
60. Sin embargo, los autores de la escritura participaron a su vez
en la contracultura, quizás de modos aun más profundos y radicales.
Propongo que una de las claves del discurso contracultural de la
Generación de Medio Siglo era el erotismo, sobre todo como surgió en
las obras de García Ponce y Salvador Elizondo.
Al centralizar el erotismo
como temática y discurso mismo, estos escritores rechazaron el
sistema de valores sociales impuestos al arte por las generaciones
anteriores. Ven el erotismo no
como mero juego sexual—lo cual hubiera sido seguir el juego cultural
tradicional—sino como cuestionamiento tanto de la identidad del
individuo como del ser humano concebido como sujeto social. Al
minar la solidez del ser particular, pone en peligro toda
propuesta sociocultural basada en esa definción del ser humano. De
esta manera participan en la revolución sexual al lado de los
filósofos de la contracultura como Marcuse y Norma O. Brown.
Analizaré obras de la
Generación para ilustrar mi tesis y apoyar las conclusiones.
Mario
Calderón
Benemérita Universidad Autónoma de Puebla
El
signo lingüístico en la poesía mexicana contemporánea
El
elemento esencial de la poesía es el signo lingüístico. Por esta
razón, cualquier tendencia poética puede describirse analizando el
uso del signo. En los últimos años, la poesía en su ímpetu de
evolución, tiende a restallar el signo en su estructura y en sus
características determinadas por Saussure.
El presente trabajo pretende realizar un análisis de lo que está
sucediendo en la poesía mexicana contemporánea con el empleo de la
palabra. ¿Y qué está sucediendo? En lo que se refiere al
significante, se percibe el manejo de dos tipos de lenguaje: uno
fino como el del verso “Un trino de cristal hiere la transparencia”
de Hermán Efraín Bartolomé, y otro material u obeso como el
siguiente fragmento de poema de Hernán Lavín Cerda “Desalójalo de tu
cruz engarrotada/ hazlo salir de tus nalgas obesas”. De acuerdo a la
sensibilidad, puede percibirse el esfuerzo por obtener versos claros
y luminosos como el verso citado de Hermán Efraín Bartolomé “Hiere
la transparencia” o la oscuridad en estos versos de Hernán Lavín
Cerda “Un trueno nos seca las manos/ como si fuesen guías de una
higuera enferma. La claridad u oscuridad de los fonemas tiene
relación con el aparato fonador y el punto de articulación: La “a”
es abierta, de luz; las vocales “i, u” son cerradas, de
oscuridad; “e, o” son vocales
intermedias.
En lo que atañe a sus características, respecto a la
indivisibilidad, se observa que ésta
prácticamente desaparece en la tendencia del actual neobarroco donde
no parece importar que se
comprenda el significado,
sino que interesa principalmente que se perciba la
musicalidad de los sonidos y, por su puesto, existe también la
inclinación opuesta, es decir, la tendencia a crear un lenguaje
polisémico donde un mismo signo posee varios significados como
sucede con algunos versos de José Emilio Pacheco.
Actualmente circulan en los medios de comunicación algunas
adivinanzas rojas, con tabú y doble significado. Y existen
poetas, como Raúl Renán, que crean textos con la estructura propia
del enigma o de la adivinanza popular, esto es, con un juego basado
en la arbitrariedad del signo lingüístico donde un emisor propone
semas o indicios de un significado para que un receptor le asigne el
significante. Pueden encontrarse también poemas donde se incluyen
onomatopeyas, y al incluirlas, se hace menor la arbitrariedad del
signo.
Sigue cultivándose también el
caligrama y continúa rompiéndose la linealidad del signo igual que
en el cubismo. Esto pude constatarse en algunos textos de Carlos
Oliva y Víctor García Vázquez entre otros poetas. Hay experimentos
como los de Alí Calderón donde se recuperan los arcaísmos y las
estructuras del castellano de otras épocas jugando con la
mutabilidad del signo. Puede observarse también claramente el
empleo de la norma culta del signo y, al propio tiempo, el uso
poético de la norma coloquial como en el caso de la poesía de
Ricardo Castillo.
Carmen
Dolores Carrillo Juárez
El Colegio de México
La
exploración de los deseos como un recurso metaficcional en Los
jardines secretos de Mogador
Alberto
Ruy Sánchez clasifica su novela como prosa de intensidades y
entiende por esto un género literario híbrido que los Contemporáneos
intentaron en sus novelas líricas. Se trata de una prosa que se
incorpora al ámbito poético. Por su tema, la literatura de Ruy
Sánchez es considerada erótica. Sin embargo, la idea de cuerpo se
extiende a la escritura y la exploración de los deseos se puede leer
en un segundo nivel de interpretación
como exploración de la escritura. De esta manera, se vuelve una
autorreflexión sobre la manera como el contador ritual de
historias va sensibilizándose y
encontrando jardines a los que era indiferente para crear poemas en
prosa que servirán de ofrenda para Jassiba, su amante embarazada.
La
estructura de la novela y sus partextos instan a que el lector
reconstruya el texto. Como otras narraciones metaficcionales,
plantea la relación entre ficción y realidad, se pregunta por el
límite entre lo cierto y lo incierto al acabar la historia. Ruy
Sánchez adopta la herencia romántica sobre la fuerza y presencia
del sueño en la realidad. Ve la escritura como un proceso, de la
misma manera que lo es la elaboración de los deseos y la
construcción de jardines.
Carlos
Castellanos
California State University,
San Marcos
Ambigüedad en la identidad: género, sexualidad y erotismo en La
cresta de Ilión
La
cresta de Ilión,
la novela más reciente de Cristina Rivera Garza, es una serie de
propuestas conceptuales donde se cuestionan tanto la escritura, los
géneros literarios, y más importante la identidad y las preferencias
sexuales. Un erotismo desnudo y desmitificado refleja la escritura
abierta y cruda de Rivera Garza, que sin
embargo no abandona al erotismo sublime ni al excelso lenguaje
poético. Así, La cresta de Ilión fluctúa
siempre entre polos opuestos que se duplican
constantemente creando un mundo
ambiguamente multidimensional. El texto, escrito como un homenaje
paródico de los cuentos de Amparo Dávila, es reflejo interpretativo
de las realidades inaprensibles y de las fantasías situacionales. De
este ambiente surge la búsqueda de la identidad que siempre está
cerca pero distante, el erotismo fugaz y espontáneo, el
descubrimiento y la disipación de los límites del género
sexual, y la siempre deslizante plétora sensual. La novela se
construye como nuestra visión de mundo: una identidad basada en los
cimientos de la ambigüedad.
Cavazos, María C.
University of Texas at Austin.
El
carnaval y el mito en Santa María del Circo de David Toscana
Santa
María del Circo de David Toscana es
una novela donde el microcosmos
del carnaval medieval vuelve a la vida en el circo con un renovado
concepto bajtiano de la carnavalización. El mundo se bifurca y al
circo sólo entra el lado anverso de él que es el único que vive en
el interior de la carpa. Todo lo que fuera de ella es “anormal”,
“fenómeno”, aberrante”, hasta “inmoral” pierde su significado en la
vida diaria de los que la habitan. Todos esos personajes atados al
circo por su apariencia física comparten sus sueños y pesadillas, se
reinventan y desinventan para encontrar el motivo de su vida. El
enano, el hombre fuerte, la mujer barbuda, la trapecista, el mago,
la malabarista, el hombre-bala, comparten el
sueño de crear una sociedad fuera
del entorno circense en un pueblo abandonado. La novela de Toscana
nos deja asomarnos al mito del circo como lugar idealmente feliz y a
la estructura interna una vez desligado de su “función” de divertir.
Los conceptos de “nación” y “rol social” son muy similares a la
teoría que encontramos en Barthes. En la ponencia discutiré con
detalle las teorías de Bajtín y Barthes encontradas en la novela de
David Toscana.
Hilda
Chacón
Nazareth College
Postmodernidad y poder civil en Las mil y una… (la herida de
Paulina) de Elena Poniatowska”
La
publicación de La Noche de Tlatelolco (1971) de Elena
Poniatowska, marca el inicio de una nueva etapa de discusión sobre
los derechos civiles en México y el género (genre) de la
crónica se convierte en locus de debate sobre los logros y
desaciertos del estado moderno. En adelante, Poniatowska se da a
conocer mundialmente como una escritora preocupada por hechos
actuales, los derechos humanos y las garantías constitucionales de
sus conciudadanos. El género (genre) de la crónica no es
fijo, ni claramente definible, y es más bien, en mi opinión, una
forma narrativa que constantemente muta para adaptarse al rápido
cambio en las formas de percibir sentido (meaning) de las
audiencias masivas. Elena Poniatowska ha afirmado que su escritura
fue influenciada por las ideas del “nuevo periodismo” (new
journalism), propuestas en Estados Unidos en la década de 1960.
Como señala Mark Kramer en
Literary Journalism (1995): "Literary journalists immerse
themselves in subjects' worlds and in background research", lo
cual
es verificable en la obra de Poniatowska.
Kramer afirma que los
"periodistas literarios" suelen combinar o mejorar las
escenas, agregar personajes, modificar las palabras exactas citadas
por los entrevistados, y de alguna manera alterar su material,
obedeciendo a estrategias narrativas que no necesariamente actúan en
detrimento de la veracidad de los eventos reportados.
Según Kramer: "what distinguished them
from fiction writers may have been merely intention
-presumably to convey to readers the sense of an actuality"
(mi énfasis,
24). Las crónicas
de Poniatowska, han generado fuertes discusiones sobre
autoridad-autoría en los círculos académicos, y se ubican en este
ámbito que Kramer define como “literary journalism”. Puede
encontrarse en las crónicas de Poniatowska una “intención” de
reportar hechos verídicos, con un “sentido de realidad” (sense of
actuality).
También es posible
verificar que las estrategias narrativas de Poniatowska se han
adaptado cada vez más a lo que Fredric Jameson llama “lo
postmoderno” o la lógica del capitalismo avanzado (1997). Según mi
análisis, las crónicas más recientes de Poniatowska muestran formas
de crear sentido afines con la lógica cultural del capitalismo
avanzado, o la globalización.
En el presente trabajo,
analizaré las estrategias narrativas de la postmodernidad en la
obra Las mil y una… (la herida de Paulina) (2000). Mi hipótesis es
que Poniatowska se reapropia de la lógica cultural del
capitalismo avanzado, o la globalización, para denunciar el impacto
negativo de este nuevo momento económico en las sociedades de la
periferia, así como para traer al foro de la discusión nacional los
derechos constitucionales de las mujeres mexicanas. Identifico una
interesante paradoja en su trabajo, y es que Poniatowska utiliza las
herramientas de la lógica cultural de la globalización, para
deconstruirla y para denunciar sus inconsistencias.
Selfa
Chew
University of Texas at El Paso
Saúl
Ibargoyen: Tres acercamientos a la poesía
El
presente trabajo se ocupa de tres libros: Palabra por Palabra,
El Poeta y la Niña y el Libro del Maestro, en los que
es posible identificar un cambio en temática y recursos a través de
los años.
Palabra por
Palabra es una colección de
poemas escritos principalmente en el Uruguay y que reflejan
claramente la preocupación del poeta por la situación social de su
país de origen. El momento de reflexión sobre el lenguaje y sus
recursos se plasma en "Ars poética 1966": La poesía ya no
significa nada, por lo tanto el poeta debe inventar otro lenguaje y
debe ser la voz de aquellos que “no pueden cantar” porque están
ocupados en “la muerte y el hambre”.
En El Poeta y
la Niña, poemario que se escribió y publicó en México en
1993, Ibargoyen se ocupa de contemplar a una niña mujer y su
relación erótica con el poeta. Así la preocupación por el entorno
social, económico, se transforma en una interrogación por el sentido
de la vida, por la relación del hombre con sus semejantes más allá
de sistemas políticos y geografías, por las particularidades de cada
experiencia amorosa. El Poeta y la Niña tiene que ver con
la síntesis de lo material y lo inmaterial, del espíritu y materia,
del tiempo y erotismo. El Libro del Maestro reafirma la
posición política de Ibargoyen, pero su escritura es un ejercicio
más sofisticado, más complejo conceptual y lingüísticamente, que el
emanado de Palabra por Palabra. En El Libro del Maestro
la cotidianeidad deja su lugar a la subjetividad, a la sutileza, lo
material es organizado por lo intelectual: Podemos decir que la
escritura de Saúl Ibargoyen, en un período de 20 años, se ha
mantenido firme en su afán de crear un lenguaje que tenga como
referente la esencia de las cosas y no las cosas mismas.
Isela
Chiu
Utah State University
Vivir
la vida: Las
múltiples vivencias de una mujer
La
creación novelística de Sara Sefchovich ha penetrado en el mundo
íntimo y complicado de la mujer moderna. Nadie que haya leído
Demasiado amor y La señora de los
sueños
olvidará sus personajes femeninos. Nuevamente la escritora hace uso
de su penetrante pluma para crear otro inolvidable
personaje. La novela más reciente de la escritora mexicana,
Vivir la vida, publicada en el 2001 es una obra
totalizante que expone las múltiples experiencias vividas por la
protagonista y a su vez el desarrollo de la mujer en la sociedad.
A través de las memorias de su protagonista y su relación con una
serie de singulares personajes, Sefchovich presenta las fuerzas
sociales y culturales que establecen la identidad de la narradora, e
influyen en su desenvolvimiento. En este estudio nos proponemos
analizar dichos aspectos socioculturales y los recursos narrativos
que la escritora ha empleado en la creación de su extraordinario
personaje.
Javier
Durán
University of
Arizona
Carlos
Monsiváis y la globalización imaginada: notas sobre nación y
multiculturalidad
¿Existe
una crítica a la razón globalizada? Y de ser así, ¿en qué consiste?
¿Cuáles son los elementos y estrategias de los que se vale tal
crítica y hacia dónde apuntan? En este trabajo analizo algunos
textos y posturas del polígrafo mexicano Carlos Monsiváis. Pretendo
aproximarme a su obra para ver cómo y desde qué lugar, Monsiváis
articula una visión particular de la globalización que le permite
desglosar, no sólo el lugar de la misma en el imaginario
cultural, sino también otros temas relacionados íntimamente con
ésta, como sería el caso de la multiculturalidad.
Mi aproximación se concentra en la
posición crítica que Monsiváis
mantiene en algunas de sus obras recientes principalmente en
Los rituales del caos, Aires de familia, y en
su columna periodística Por mi madre bohemios. Me enfoco
particularmente en las posturas del autor frente a las
políticas de globalización aplicadas en México y a sus
consecuencias durante los últimos años. Mi punto de partida es lo
que significa para Monsiváis la globalización. Asimismo, destacaré
las propuestas y los análisis de Monsiváis sobre el
posnacionalismo, la diversidad existente de preferencias sexuales y
la multiculturalidad. Estoy seguro que Carlos Monsiváis, por medio
de sus textos, ha contribuido al debate público de los temas atrás
mencionados, particularmente en
el medio cultural. Igualmente ha colaborado para establecer una
suerte de diálogo con las posturas de algunas intelectuales que
pertenecen a sociedades inmersas en la globalización. Aquí se
presentan dos temas recurrentes en el discurso monsivariano
que también analizo: por un lado la “americanización” de la cultura
latinoamericana y por otro, la “latinización” de algunas regiones de
Estados Unidos.
En tal marco coyuntural se insertan la crítica y la posición de
Monsiváis. En ambas emplea el concepto de melodrama,
entendido éste como aquello que apela a la inmediatez de los
sentimientos. Para nuestro autor, el melodrama representa uno de los
caminos por los que se ha institucionalizado el fervor
nacionalista posrevolucionario. Si la literatura mexicana de la
posrevolución tomó un aire épico desde el cual la novela se
convirtió, como afirmó la crítica de su tiempo, en la “tarea” de
México, el melodrama se transforma en un ambiente desde donde el
pueblo se inscribirá en la nación, aspecto que Monsiváis ha
tratado ampliamente en su obra. A principios del siglo XXI, la épica
y el melodrama, más que elementos perennes del nacionalismo, parecen
representar mejor las tensiones de la globalización. En textos
de Monsiváis es evidente una preocupación por ver qué
acontece cuando ambos puntos de tensión, épica y melodrama, se
juntan y entrelazan para narrar e imaginar, desde varios lugares y
con distintas voces, aspectos y consecuencias de la globalización.
Roxana Elvridge-Thomas
México D.F.
La
ciudad como mito en Algo sobre las tinieblas, de Guillermo
Samperio
Tal vez
una de las diferencias fundamentales entre el hombre "arcaico" y
el que habita en nuestro mundo
contemporáneo sea la concepción de lo sagrado. El hombre de las
sociedades tradicionales agrupaba entre sus experiencias aquellas en
las que se manifestaba "algo" misterioso, completamente
diferente, cargado de fuerza. Se presentaban ante ellos realidades
que no pertenecían a su mundo contenidas en objetos que formaban
parte integral de ese su mundo natural. Es a partir de estas
experiencias que los hombres formularon los conceptos de sagrado y
profano, señalando los acontecimientos luminosos y los
pertenecientes a la vida cotidiana. Es a partir de la explicación de
estas experiencias numinosas que nace el mito, como una forma
de contar la historia que
instituyó la aparición de esos acontecimientos en el mundo que
conocemos y el rito como la manera de hacer presente ese
tiempo primordial en que sucedieron los hechos sacros.
En nuestro desacralizado siglo XX perviven, sin embargo, algunos
rasgos de mitificación y ritualismo dentro de la vida de cualquier
ser humano promedio. Y es que nuestro mundo moderno está también
plagado de mitos caídos en semi-olvido o enmascarados, de
hierofanías en desuso, de símbolos gastados, de acciones rituales
que han perdido su trasfondo mítico.
No es, por lo tanto, disparatado pensar que en el cuento "Algo
sobre las tinieblas", de Guillermo Samperio, perteneciente al
libro Gente de la ciudad (Fondo de Cultura Económica, México,
1986), se puedan encontrar claras estructuras míticas. Lo cual no
quiere decir, por supuesto, que la intención de Guillermo Samperio
haya sido el crear un nuevo mito del héroe ni hablarnos de una
iniciación. Él nos ofrece su creación literaria y las distintas
maneras que tiene para abordar la ciudad de México a través de sus
cuentos, todos ellos de excelente factura.
Gente de la ciudad
es un libro en el cual se ve la
ciudad a través de sus habitantes, adentrándose en lo más humano y
universal de ellos, lo cual transforma a la ciudad de México y sus
habitantes, con todas sus peculiaridades, en un lugar y unos seres
arquetípicos, universales. Son acercamientos a la ciudad desde las
múltiples perspectivas de sus habitantes, sus transeúntes, sus
misterios y epifanías.
En "Algo sobre las tinieblas" de Guillermo Samperio, dentro
del mito cosmogónico de la separación entre el Caos y el Cosmos se
integran el mito de la Tierra Madre, el simbolismo del "Centro", la
asimilación de la ciudad como universo-cuerpo-centro del mundo, el
simbolismo de la ascensión, el mito del héroe y los ritos
iniciáticos. Todas estas estructuras míticas se interrelacionan en
el cuento para lograr la mitificación de la ciudad y la entrada
iniciática a ella.
Hugo
Espinoza Rubio
Universidad Nacional Autónoma de México
Razones
y sinrazones en la poesía de Vicente Quirarte
Examen
general de Razones
del samurai
(1978-1999), volumen que recoge más de dos décadas de la producción
lírica de este poeta, ensayista, dramaturgo y bibliólogo mexicano de
prestigio continental. En
suma, el trabajo consistirá en una valoración crítica de un poeta
signado, entre otras, por la influencia de las tradiciones
literarias francesa e inglesa, reelaborada muy peculiarmente en el
entorno del México contemporáneo, perfilado como el siglo de
consolidación de nuestras letras, fortalecimiento en el que figura
la obra de este autor.
Rosa
María Farfán Núñez
Benemérita Universidad de Puebla
La
presencia de Carl Jung en la obra de Ignacio Solares
En 1998
Ignacio Solares publicó El sitio y en 2001 El espía del
aire. Ambas novelas comparten, entre otras cosas, el interés por
la estructura y los límites de la realidad. Esta preocupación
aparece ya esbozada a lo largo de su producción narrativa, sobre
todo en las novelas Anónimo (1979) y Casas de
encantamiento (1987).
La literatura fantástica enmarca, por supuesto, el trabajo de
Solares, pero no es, según pienso, el punto de arranque de su
interés por la estructura de la realidad. Éste se encontraría, más
bien, en la psicología analítica de Carl Gustav Jung.
Los textos de Solares no tienen
un carácter ingenuo, meramente narrativo, pues detrás de sus
historias se observa una particular visión de mundo.
La literatura de Solares sería, pues, una literatura de ideas e
intuiciones sobre la realidad tanto palpable como intangible;
abordaría, según las categorías kantianas, la
correspondencia entre el mundo
fenoménico, máscara del otro mundo, el del epifenómeno. Por
ello no es casual que en El sitio, ante una situación
inexplicable, Solares escriba: “¿Con qué método de trabajo descifrar
lo sucedido? ¿Debía guiarse, en principio, por su horóscopo del día?
¿O por la teología cristiana? ¿O por la lucha de clases? ¿O por la
ciencia política? ¿O por el azar y la necesidad? ¿O por los
principios de la lógica? ¿O por la rueda de las reencarnaciones? ¿O
por la quiromancia? ¿O por la
interpretación de los sueños? Y todo ello entre una infinidad
pavorosa de similitudes y coincidencias y entrecruzamientos y
rupturas”. Esa “infinidad pavorosa de similitudes y
coincidencias” es la sincronicidad, un principio descubierto
por Jung recurrente en la obra de Solares. Y la teoría sobre lo
inconsciente esbozada por Carl Jung parece ser piedra angular del
pensamiento de Solares. Esto se observa en proposiciones que atentan
directamente a la cosmovisión del lector y la ponen en crisis.
Ejemplo claro de esto es aquella aseveración que aparece
en la primera página de El
espía del aire: “Lo de veras importante debe arrastrarse
inconscientemente con uno, como una sombra”.
Y abrazando la
analítica junguiana es como Solares se inserta en el pensamiento que
resiste a la visión científica y objetivista de la realidad, a la
vez que se ubica como un profundo
narrador de tesis que rebasa la concepción bidimensional de la vida
para entenderla de un modo particular y novedoso.
Patricia Fernós R.
University of Texas - Austin
Un
estudio sobre La lamentación de Dido de Rosario Castellanos
De
los monólogos dramáticos de Rosario Castellanos, sobresale la
"Lamentación de Dido”, donde se presenta la historia de Dido y
Eneas en La Eneida de Virgilio y en el Heroides de
Ovidio desde la perspectiva no del héroe sino de la heroína. El
poema es una contraépica y se sitúa en oposición a la visión clásica
del mito. En Castellanos unos reflejos femeninos de segunda
importancia en un esquema mayor escuetamente clásico y masculino se
convierten en la experiencia clave. La historia se vuelve íntima,
individual al enfocarse sobre Dido. Es una metáfora del sufrimiento
causado por el abandono y la soledad, no sólo de una mujer heroína,
sino de todo el género humano, un tema muy recurrente y actualísimo
en la psicoterapia de hoy. El cambio de enfoque se refleja en la
estructura del poema. Este trabajo se trata de un análisis de la
estructura y las metáforas del poema.
Adrián Flores Barrera
Michigan State University
El
alcohol como poética en la narrativa de Gerardo de la Torre
El
propósito del presente trabajo es el de analizar la presencia del
alcohol como poética
en las novelas del escritor mexicano Gerardo de la Torre que forman
parte de la tetralogía de la narrativa de los petroleros. Esta
tetralogía inicia con la publicación de su novela Ensayo general
(1970), continúa con Muertes de Aurora (1980), sigue con
Hijos del Águila (1988) y concluye con Los muchachos locos de
aquel verano (1992).
Proponemos que Gerardo de la Torre
utiliza el alcohol como un recurso y mecanismo literario para lograr
una evasión y catarsis por parte de los personajes de sus novelas
para expiar sentimientos de culpa que los agobia. Para acercarnos a
esta problemática, nuestro trabajo utilizará principalmente la base
teórica del sociólogo mexicano Roger Bartra y en particular sus
estudios críticos sobre el carácter del mexicano contenidos en su
obra La jaula de la melancolía: identidad y metamorfosis del
mexicano.
Finalmente, argumentamos que
en la narrativa de Gerardo de la Torre, la presencia del alcohol es
un elemento catalizador no sólo para resaltar la resistencia o
vulnerabilidad del cuerpo ante el consumo constante del alcohol,
sino como cohesionador y catalizador de una catarsis y fuga ante una
dolorosa realidad que rodea a los personajes de su mundo novelesco.
Delia
V. Galván
Cleveland State University
Geografía, identidad
cultural, memoria y leyenda en Cástulo Bojorquez
Tres hilos
narrativos que dialogan entre sí proyectan en conjunto la génesis de
algunos aspectos con que se identifica al estado de Sinaloa en el
noroeste de México. El cultivo de amapola dejó de ser legal después
de la Segunda guerra mundial y la prohibición promueve la leyenda de
héroes locales populares con calidad mítica dedicados a esta
actividad, como Cástulo Bojorquez, el personaje central en la novela
de César López Cuadras (México: FCE,2001). Los paisajes simbólicos
del estado, el habla regional, las costumbres, la economía, la
inmigración del extranjero, la violencia y la historia son elementos
de una geografía de resistencia ante la marginación nacional, pero
también de la construcción de identidad estatal por medio de la
memoria y la presencia de las voces de sus habitantes.
El estudio que se propone observa
en paralelo algunos aspectos del desarrollo del estado desde la
defensa de Juárez y los liberales ante la invasión francesa hasta
los años de la década de 1960, y se detiene en la manera en que el
proceso produce personajes como Cástulo. El estudio toma en cuenta
nociones de teoría literaria del poder y la marginación, de
identidad cultural, de tradición y memoria, y los montajes y
diálogos de las diferentes tramas. Es constante en la trama la
presencia de riqueza en forma de mineral de oro, de diamantes y de
oro verde, pero varía el grado de ambición dependiendo de los
diferentes personajes de que se trate. A Cástulo no le interesa
acumular la riqueza.
Gabriela García
University of California, Riverside
La
parodia como imitación y transgresión lingüística y cultural en
La casa del ahorcado de Luis Arturo Ramos
Este
trabajo es una aproximación a La casa del ahorcado de Luis
Arturo Ramos como obra paródica, para lo cual se ha preferido partir
de una definición amplia del concepto de discurso paródico que se
refiere a los diversos pre-textos
que entran en la composición de
la novela, es decir, los lenguajes y textos que interactúan, se
citan y se imitan para conformar el discurso de la novela.
En el plano estético se tiene entonces el modo paródico como el
factor estructurante; sin embargo, se toma en cuenta también la
intención satírica como un aspecto que es al mismo tiempo un recurso
dentro de la parodia, así como un
comentario sobre los ejes del funcionamiento de la sociedad mexicana
y sus instituciones a través de su recreación paródica.
Se intenta, en conclusión, estudiar los recursos estilísticos de la
obra como elementos que corresponden no solamente a una construcción
estéticamente sólida, sino que logran validez en el plano de la
realidad exterior a través de la transgresión de los límites de la
obra artística.
Hernán
Manuel García.
San Diego State University.
Francisco Tario: Abyección y desposeción en la literatura mexicana
A
60 años de su aparición como escritor profesional, Francisco
Tario sigue siendo para la mayoría de los críticos un total
desconocido del cuento
mexicano. Esto se debe esencialmente a que su obra fue relegada por
el canon dominante de su época. Por lo consiguiente, los críticos
omiten o sólo antologan un cuento --el caso de “Entre
tus dedos helados”-- de los 41 que Tario publicó. Paralelamente a
este olvido o displicencia crítica, se suman los estudios mal
encaminados hacia su obra por especialistas interesados en rescatar
a Tario pero que tropiezan al solo basarse en el ejercicio de la
intuición crítica para dar un significado poco riguroso de su
obra. Durante la presidencia de Lázaro Cárdenas (1934-1940) se
establecen las normas socialistas con las cuales se edificaría el
Movimiento Nacional Revolucionario. Como consecuencia, en el
aspecto artístico se manifestó que la literatura debía fungir como
parte de un instrumento nacionalista que reflejara fielmente la
realidad social y colectiva de la época. Al consolidarse el Estado
postrevolucionario bajo el
mandato de Ávila Camacho (1940-1946), y bajo los mismos esquemas y
la Institucionalización de lo que debía ser la literatura, irrumpe
en las letras mexicanas Francisco Tario (La noche, 1943).
Rápidamente Tario con sus ficciones fantásticas y de terror
se convierte en un escritor
abyecto y desposeído del buen gusto literario por transgredir el
ideal de la colectividad social. La intención de este estudio es
proponer una lectura que conduzca a probar la tesis de que Francisco
Tario manejó una epistemología constantemente y siempre presente en
su obra cuentística. Su estética fundamentada en los
subgéneros de lo fantástico y el terror fue el vehículo para
subvertir y transgredir los valores del socialismo monológico, del
capitalismo salvaje y consecuentemente, los discursos racionalistas
edificados en la realidad, el orden, el progreso, el equilibrio y la
razón para reducirlos al caos, el miedo y la incertidumbre del
principio de todas las cosas: el interior equívoco del individuo. La
ponencia se concentra en una muestra diacrónica de la producción
cuentística de Francisco Tario con la intención de exponer su
constancia como solidez epistemológica y artística en los cuentos:
“La noche del loco”, La noche (1943); “La mujer en el patio”,
Tapioca Inn: Mansión para fantasmas (1952) y “Entre tus dedos
helados”, Una violeta de más (1968).
José
Manuel García
New Mexico State University
Los
géneros híbridos: ideas y un ejemplo: Guillermo Samperio,
Cuaderno imaginario
Me
baso en la idea contemporánea de la división de la literatura en los
siguientes géneros: la novela, la poesía, el teatro, el cuento y el
ensayo. Estos son los principales modelos que se estudian en nuestra
academia. Coexiste en esta división la enorme producción de los
llamados sub-géneros como son: Las Cartas de relación, los Relatos
de Viajeros, los Comentarios (crónicas), el Diario (Journal), la
Biografía, la Autobiografía, la Monografía, los aforismos (por
ejemplo: greguerías), el
Periodismo Literario (Literary Journalism o New Journalism), el
Periodismo Cultural (artículo breve de tema libre), la Crónica
Urbana, la Viñeta, el Testimonio, el Documental, el
Ensayo-Comentario (tema y estilo libres), la Reseña (impresionista /
académica), la Crítica Literaria (impresionista / académica), el
Relato breve, la Poesía Visual. No hay que olvidar esos otros
productos literarios como son los “transgéneros
virtuales”, mezclas de
multimedia, representaciones escenográficas, o exposiciones
museográficas, la utilización de espacios y combinación de diversas
expresiones artísticas (cine, video, fotografía, pintura, escultura,
arquitectura, música, danza, performance), donde se utilizan textos,
sonidos, imágenes
(inmateriales o “realidades virtuales”).
Pues bien, los “Géneros Híbridos” surgen cuando un
autor echa mano de recursos que vienen de diversas expresiones
artísticas: la fotografía,
el comic, la pintura, el juego espacial con la página, etcétera, y
la combinación de estos recursos (verdaderos juegos interculturales)
con el empleo de técnicas que corresponderían a los géneros y
subgéneros arriba mencionados: diálogos, descripciones, narraciones,
versificaciones, reflexiones ensayística, citas testimoniales, usos
de técnicas periodísticas, etcétera. Amén de
los juegos comunicantes de
contenidos intertextuales e intercontextuales (mediante el empleo de
recursos que corresponderían a “campos del saber” científico
y humanístico como son: la
historia, la psicología, la sociología, etcétera).
“Los enanos”, dice Eduardo
Torres (Monterroso) “tienen una especie de sexto sentido, que les
permite reconocerse a primera vista”. A la obra “híbrida” le ocurre
lo mismo; vemos un texto como (por ejemplo) Territorios de
Julio Cortázar, y sabemos que no es novela, ni teatro, pero tiene
combinaciones temáticas en forma de poemas, ensayos, relatos,
fotografías, dibujos, y juegos intertextuales. Esto nos permiten
identificarlo a primera vista como “híbrido”. Lo mismo ocurre con
otras obras, pienso en Roque Dalton, Las historias prohibidas del
pulgarcito (México: Siglo XXI Editores, 1974. 6ta 1982), en
Augusto Monterroso, La palabra mágica (México: ERA, 1983), o
en el libro de Guillermo Samperio, Cuaderno Imaginario
(1990).
El género del Híbrido siempre ha
estado en nuestra literatura, de hecho, tanto nuestros novelistas
como ensayistas echan mano de los recursos de la “hibridez”. A
veces, por puro gusto lúdico estético, o por mero gusto experimental
o por simple disposición utilitaria. No en vano se ha dicho que en
“la novela todo cabe, es libre y acepta en sí todos los géneros”, o
que el ensayo es el “centauro de los géneros”, etcétera. Y de que
nuestra literatura tiene un origen “híbrido” basta mencionar a los
“modelos literarios” que inician la historia de la literatura
española como son: las Jarchas (siglo X, modelos híbridos en el
lenguaje) o los “Autos” (siglo XIII, representaciones dramáticas de
la iconografía religiosa), los libros didácticos como El Conde
Lucanor (1535) de don Juan Manuel (que contiene relatos breves,
parábolas con moralejas, traducciones de historias orales, dichos,
aforismos).Y la obra del Inca Garcilaso de la Vega, Comentarios
reales (1609-1615). ¿Qué son sino híbridos, las obras como
La Celestina (1499) de Fernando de Rojas, o Naufragios
(1555) de Cabeza de Baca, o en la literatura “ensayística”
latinoamericana del siglo XIX el libro de Domingo F. Sarmiento
titulado Facundo, civilización y barbarie, vida y obra de Juan
Facundo Quiroga (1845), o ya a inicios del siglo XX la extraña
obra de Macedonio Fernández --Papeles de reciénvenido,
escrito entre 1892-1920--?
Es, sin embargo, en la
literatura de los años sesenta a los ochenta de siglo XX donde la
práctica del género híbrido se convierte en un lugar común para
muchos escritores. Los principales autores que utilizan esta
expresión literaria son: Julio Cortázar (Rayuela, Fantomas contra
las multinacional, Último Round, Territorios, La vuelta al día en
ochenta mundos, etcétera), Elena Poniatowska (La noche de
Tlateloco y Fuerte es el silencio), Carlos Monsiváis (Días de
guardar, Amor perdido, etcétera), Guillermo Cabrera Infante (Tres
tristes tigres, O, Exorcismos de esti(l)o), Eduardo Galeano (los
tres tomos de Memoria del fuego), Augusto Monterroso (La
letra e, La palabra mágica, etcétera), Hugo Hiriart (Cuadernos
de Gofa, Disertación sobre las telarañas), y otros (Ignacio de
Loyola Brandao, Martha Cerda, José Fuentes Mares, Guillermo
Samperio, Jaime Moreno Villarreal y –ni modo- Laura Esquivel).
Me interesa hablar como ejemplo de esas ideas expuestas,
el “híbrido” de Guillermo Samperio, Cuaderno Imaginario
(1990) y sus
referencias
intertextuales (literarias) e intercontextuales
(multidisciplinarias).
Jesús
Eduardo García Castillo
El Colegio de México
El
miedo a los animales:
crítica de las falsas apariencias
Con El
miedo a los animales (1995), Enrique Serna actualiza las
convenciones de las novelas negra y policíaca para molestar a la
elite intelectual mexicana. Su principal mérito es agregar a las
urgencias del “subgénero” un tema que lo sigue obsesionando: la
utilización del prestigio literario para encumbrar obras fútiles de
autores que prefieren el alpinismo social por encima de una
verdadera comunicación con el lector. Sobre la base teórica de la
narración enmarcada y de su relación con otros textos (literarios y
sociales) que se mencionan en la novela, este artículo analiza la
manera en que Serna presenta el problema de la objetividad crítica
subyacente en el simple y placentero acto de leer.
Lilia
García Peña
Universidad de Colima
Lo
sagrado en poesía colimense contemporánea
Análisis
semiótico de la presencia de lo sagrado en textos de poetas
colimenses contemporáneos que empiezan a publicar a fines de los
sesentas; y cómo este proceso hunde sus raíces en la poesía
colimense del siglo XIX y primera mitad del XX.
Corpus:
a)
Poetas nacidos fuera de Colima que viven desde su niñez en
este estado:
Efrén Rodríguez (1957)
b)
Poetas nacidos fuera de Colima cuyo proceso escritural se
gesta en este estado:
Michel Torres (1976)
Gloria Vergara (1964)
c)
Poetas nacidos en Colima:
Guillermina Cuevas (1950)
Víctor Manuel Cárdenas (1952)
Armando Martínez de la Rosa
(1955)
Verónica Zamora (1965)
Sergio Briceño (1970)
Avelino Gómez (1973)
Rogelio Guedea (1974)
Carlos Ramírez Vuelvas (1982)
Miguel
Gonzalez Gerth
University of Texas – Austin.
La
narrativa de Gustavo Sáinz: onda y actualidad
La obra primeriza de
Gustavo Sainz se inscribe en la corriente de la llamada novela de la
Onda. Han pasado ya bien tres décadas. ¿En qué ha desembocado la
vocación literaria que comenzó con aquella moda? ¿Se habrá
actualizado para los tiempos que corren? Como se sabe, las modas
artísticas difícilmente se actualizan. Pueden, con suerte y
sorpresivamente, volver a emitir algún destello del pasado para
luego volver a desaparecer. Se dice, por ejemplo, que la moda de
haute couture de los años veinte o de los cincuenta reapareció
en alguna temporada más reciente y entonces sólo parcialmente, pero
nunca para ejercer la misma impronta. Todo arte es evolución. empleando un elevado paralelo podría
recordarse que Picasso pasó por varios períodos en su extensa obra
pero nunca regresó al azul sentimental. De manera análoga se podrá
considerar si, acaso, Gustavo Sainz dejó atrás en sus libros ciertos
juegos de palabras y de imágenes característicos de la novela de La
onda, pero no la crítica social que los sustentaba, para adentrarse
con nuevas técnicas
narrativas en sus últimas novelas tituladas: La novela virtual
(1998 y A troche y moche (2002).
Samuel
Gordon
Universidad Iberoamericana
Universidad Nacional Autónoma de México
Se
renueva la literatura fantástica en México: una aproximación a
Alberto Chimal
Escasa
ha sido hasta ahora la presencia del género fantástico en las letras
mexicanas. Considerado por Borges –uno de los grandes maestros y
practicantes– como el más antiguo de los géneros literarios, puesto
que aparece ya en mitologías y cosmogonías, y hasta mucho después
llega a la novela y al cuento.
Este género ha producido, sobre todo en el ámbito rioplatense de
nuestra lengua, autores y obras singulares de amplio reconocimiento
a nivel internacional. México, sin embargo, ha logrado cobijar a muy
pocos grandes virtuosos en esta área. Se recuerdan siempre a Juan
José Arreola, Elena Garro y Juan Rulfo entre los mejores exponentes
mexicanos.
Las razones de ello son variadas y disímiles y escapan a los
propósitos y alcances de este trabajo, cuyo objetivo central es
introducir una nueva veta de literatura fantástica a partir de un
novísimo narrador: Alberto Chimal.
El trabajo de Samuel Gordon se centra en un breve libro: Vecinos
de la tierra, publicado en 1996 por el Ayuntamiento de Toluca,
en el Estado de México, ciudad de la que es nativo Chimal. Dicho
libro se reeditó en el Fondo Editorial Tierra Adentro del Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes en los años de 1998 y
nuevamente en el 2001 bajo el título de Gente del mundo, lo
cual, para un joven nacido en 1970, es sumamente inusual.
Este trabajo revisa, por una parte, las coincidencias con los
clásicos del género y, por otra, las singularidades e innovaciones
que han llamado la atención a lectores y críticos. Asimismo, las
intersecciones con disciplinas y tradiciones narrativas
extraliterarias y, por último, interroga al género todo, así como a
las letras mexicanas recientes, para determinar si este renacer de
lo fantástico se trata de un caso aislado o, por el contrario, de
una vigorosa e inusual reaparición, en manos jóvenes, de este
subgénero tan escasamente practicado en la escena literaria de
México.
Elisabeth Guerrero
Bucknell University
Elena
Poniatowska, flâneuse posmoderna
La
distinguida ensayista y novelista Elena
Poniatowska (Paris, 1932) lleva
medio siglo documentando las tremendas transformaciones de la Ciudad
de México, que hoy día se ha convertido en una megalópolis con una
población que excede a los 25 millones de habitantes. En la
obra de Poniatowska, la ciudad capitalina seduce a los mexicanos de
todos los sectores sociales con sus riquezas culturales, la promesa
de empleo, y la calidez de sus habitantes. Sin embargo, Poniatowksa
problematiza las atracciones del
distrito federal. Revela que la zona urbana es capaz de ser brutal
para las clases populares y que sigue siendo hostil para las jóvenes
y señoras que intentan conservar un espacio propio dentro del
ambiente cosmopolita. Para teorizar la obra de Poniatowska, recurro
a la figura del flâneur, un ser que deambula, lee la ciudad
como si fuera un texto, y a su vez, escribe o pinta la ciudad que
observa. Este trabajo propone explorar la epistemología de
Poniatowska como flâneuse posmoderna.
Kevin
G. Guerrieri
University of San Diego
Historia, historiales e historias en Nadie me verá llorar de
Cristina Rivera Garza
Nadie
me verá llorar
(1997), la segunda novela de la escritora mexicana Cristina Rivera
Garza, constituye un logrado texto que compagina la historia
mexicana, la crítica literaria y un examen de los procesos
entrelazados de la modernización y la formación de la nación
moderna, en una narración que pone en tela de juicio tanto la
imposición de la palabra como la apropiación del silencio. La
historia de la novela avanza
revelando distintas manifestaciones de una tensión principal
que surge en torno a la figura de Matilda Burgos, una paciente del
manicomio de la Castañeda en la Ciudad de México; es una tensión que
surge, simbólicamente, del contraste de los historiales clínicos
escritos en el manicomio por el joven médico Eduardo Oligochea y las
fotografías sacadas por el fotógrafo Joaquín Buitrago. Por un lado,
Oligochea representa el deseo de la clasificación, de nombrar la
enfermedad con el fin de establecer y mantener un orden regido por
la palabra del historial. Las historias, vivas e
individuales, de sus pacientes le importan al médico sólo en la
medida en que le ayudan a colocarlos dentro de una taxonomía de la
locura. Oligochea encuentra su
único sosiego en las palabras de sus expedientes, las cuales le
proporcionan orden, simetría y seguridad. Sus esfuerzos pueden
verse como parte de un contexto más abarcador: la planificación y
formación de la ciudad moderna dentro del proyecto de la
construcción de la nación mexicana desde finales del siglo XIX hasta
las primeras décadas del XX.
En esta proyección hacia el
futuro, el control y la eliminación de lo que se concibe como una
amenaza para el bien de la sociedad--la locura, las patologías y la
prostitución, entre otros "males"--constituyen objetivos principales
e incluyen la implementación de diversas medidas, desde "la
influencia civilizadora de la higiene" hasta la persecución de los
insurrectos. Los esfuerzos de Buitrago, en cambio, no se centran
tanto en la proyección de un futuro como en la recuperación de un
pasado. A través de su relación con Matilda, el fotógrafo procura
desentrañar y entender las desgracias de su pasado incluyendo su
adicción a la morfina y su caída a los "bajos fondos" de la
sociedad. Lo impulsa un deseo de captar mediante la imagen
fotográfica aquellas historias individuales e inefables que
se resisten al orden impuesto; fotografía a las prostitutas, los
locos y los desamparados. En este sentido, Buitrago tal como
Oligochea pero con distintos medios, motivos y propósitos, está
buscándose a sí mismo a través de las historias de los marginados de
la sociedad, sobre todo, la de Matilda. Ésta última, prostituta y
paciente del manicomio, examinada por Oligochea y fotografiada por
Buitrago, no sucumbe a los esfuerzos de ninguno de los dos,
eludiendo tanto la imposición del orden psicológico del primero como
el afán de recuperación del segundo. Su reivindicación se halla en
el desplazamiento continuo por los intersticios de la historia
mexicana, del espacio urbano defeño, de los historiales transcritos
en el texto y de la literatura nacional del momento, entrando en
diálogo con Santa de Federico Gamboa y poniendo de
relieve un deseo de que hable el otro sin someterse al régimen
imperante ni entregarse a nuevas jerarquías de poder.
Ronald
Haladyna
Ferris State University
Transgresiones fronterizas: espejos, identidades y territorios en
Gringo viejo de Carlos Fuentes
En
Gringo viejo, una novela ostensiblemente histórica de Carlos
Fuentes, La Revolución Mexicana apenas sirve de telón de fondo para
un
caleidoscópico escenario de
complejas relaciones entre
los tres protagonistas que
se van atrayendo y repelando entre sí. Como frecuentemente
sucede en la narrativa de Fuentes, se destaca un
agudo interés en redefinir las
condiciones y los límites de la búsqueda de identidades personales y
nacionales, una circunstancia que en Gringo viejo es
explotada con técnicas narrativas que, a pesar de ser descomunales,
sugieren una visión unificadora en la temática. En este estudio
pretendo considerar cómo el juego entre una narración
realista por un lado, y por otra la constante y enfática trasgresión
de límites verosímiles de la ficción conduce a
perspectivas inesperadas y tal
vez más amplias de la realidad de lo que se podría lograr con una
narración estrictamente realista.
Toda la obra gira alrededor de la idea de la transgresión de
arbitrarios límites tradicionales, sean territoriales, sociales,
políticos, históricos o narrativos. El espacio geográfico de México
es invadido por dos gringos durante la Revolución Mexicana, una
provocación inocente que suscita una laberíntica búsqueda de
identidad personal por los mismos y por parte del general
revolucionario Tomás Arroyo. Pero hasta ahí la narración realista;
el narrador omnisciente también emplea como motivo el espejo no sólo
en su estricto uso literal, es decir, para reflejar fielmente las
imágenes, sino también para proyectar mágica y simbólicamente
condiciones sociopolíticas y
reflejos sicológicos. Así mismo, la telepatía y la transmutación de
personajes son recursos fantásticos (o paranormales) que
transgreden el ambiente realista de Gringo viejo en un
intento de sugerir recónditas motivaciones tras la superficie de sus
identidades.
La conclusión sugerirá que el
confuso torbellino de la Revolución Mexicana, tan lleno de
contradicciones, incertidumbres y verdades a medias, sirve como un
perfecto escenario para reflejar los ambiguos estados anímicos de
sus participantes.
Esther
Hernández Palacios
Universidad Veracruzana
Margarita León, una poeta bucólica del siglo XXI
En las
últimas décadas la poesía escrita por mujeres en nuestro país ha
vivido un gran desarrollo. No solamente hay cada vez más poetas del
sexo femenino editando libros, sino que estos son de gran calidad.
Aunada a la profusión se ha incrementado la variedad de temas y
estilos. Lejos quedaron las épocas en que la mujer escribía desde un
sitio único –su hogar- y para cumplir una misión piados.
Ya sea que aborden la
religiosidad o que construyan equilibrados edificios verbales
cimentados en la razón, ya que tematicen las improntas del deseo,
las voces poéticas femeninas se han abierto paso y han
alcanzado un lugar que ya nadie puede calificar de excepcional.
Dentro de la diversidad temática y estilística de la producción
poética femenina destaca la reciente aparición de un libro de la
poeta Margarita León. Heredero de la
tradición celta y de la mejor
poesía bucólica de la antigüedad clásica y de los Siglos de Oro, la
voz poética de León aborda la urgente necesidad de asumir un
compromiso con el medio ambiente, y esto lo hace sin traicionar el
tono y la profundidad de su poesía, cargada de resonancias
ancestrales pero paradójicamente nueva. La voz del bosque es también
la voz de un parque amurallado en el marasmo de la gran urbe moderna
y el canto recoge la melodía de los primeros versos ofrendados a la
Madre Naturaleza.
Amarilis Hidalgo
Bloomsburg University of Pennsylvania
Reflexiones sobre la postmodernidad mexicana y su resguardo caribeño
Raymond
Williams y Blanca Rodríguez en su libro La narrativa posmoderna
en México, hacen un estudio minucioso de los textos posmodernos
escritos en México en las últimas décadas del siglo XX. En el
prefacio del libro establecen que estudiaran la posmodernidad
mexicana dentro de una perspectiva posmoderna internacional. Para
ello desarrollan un marco teórico en el cual discuten el desarrollo
de la posmodernidad literaria mexicana vista a la luz de textos
canónicos como los del boom hispanoamericano y su evolución en las
distintas posmodernidades literarias latinoamericanas, entre ellas
las caribeñas. En mi intervención en la mesa redonda intento
conectar el último capítulo del libro de Williams y Rodríguez con
las distintas posmodernidades caribeñas, especialmente las de Puerto
Rico y Venezuela.
Herlinda James
California State University - Fresno
Violencia doméstica y justicia poética en "Una Tarde" (1987) de Raúl
Garro y "¿Qué te puedo decir, abuela?” (1992) de Martha Treviño
Uno
de los temas menos visitados en la cuentística mexicana es sin duda
el de la violencia doméstica. Este tema se da esporádicamente en
nuestra literatura, especialmente en la segunda mitad del siglo XX.
Algunos cuentistas presentan la violencia doméstica dirigida hacia
la mujer desde el espacio de la literatura fantástica, como es el
caso de Amparo Dávila, donde los lectores tienen que descifrar la
violencia como un código de lo que no se habla y que aparece
enmarcado en un ambiente extraño y distante de su "realidad"
inmediata. Este trabajo intenta estudiar dos instancias en la
cuentística mexicana en las que la violencia doméstica se presenta
de forma directa y realista. Tanto Raúl Garro en "Una tarde" como
Martha Treviño en "¿Qué te puedo decir abuela?" presentan narradores
que describen situaciones de violencia doméstica cuyos referentes
son la vida cotidiana en México. Mientras que Garro utiliza un
narrador omnisciente, objetivo, de manera casi periodística, Treviño
hace eco de este horror en la voz de la abuela de la narradora. Ésta
no es la única diferencia en las narraciones; ambos cuentos se
desarrollan en diferentes tiempos, lugares y clases
socioeconómicas pero convergen
en un final al que llamo justicia poética por falta de un término
más adecuado.
Tanius
Karam
Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores – Querétaro
De
tiempos difíciles y cosas peores: El terremoto de la ciudad de
México en la obra de José Emilio Pacheco y Elena Poniatowska
La
presenta ponencia presenta una lectura de dos textos escritos a
propósito de los trágicos acontecimientos que sacudieron a la ciudad
de México en septiembre del 1985: Miro la tierra de José
Emilio Pacheco y Nada, Nadie de Elena Poniatowska.
La realidad más cruda e impostergable se convierte en
fuente para la reflexión y la ensoñación por medio del discurso
literario en dos manifestaciones más que antagónicas,
complementarias que nos muestran como la literatura describe e
imagina la propia realidad social.
La ponencia presenta una lectura intertextual en el que
se comparan y aprecian sobre todo algunas similitudes. La ponencia
sobre sendos trabajos se convierte en un pretexto para reflexionar
sobre el sentido del tiempo y la teatralidad de las relaciones
humanas en la poética de José Emilio Pacheco, así como en las formas
de la literatura testimonial en el trabajo de Poniatowska. Estos dos
autores además de amigos son señaladas figuras del medio cultural y
en su obra denotan una visión de los hechos pero sobre todo de la
ciudad y de sí mismos como sujetos insertos en tiempos difíciles, de
cambios y disoluciones. Escribir sobre el terremoto es un medio para
considerar al país, sus grupos sociales y formas de organización
como tópico del material literario.
Andreas
Kurz
Universidad de las Américas y Tecnológico de Monterrey - Querétaro
La
literatura mexicana contemporánea entre regionalismo y
cosmopolitismo: una
posible inversión de los papeles de colonia y colonizador entre
América
Latina y Europa
Las
posibilidades del exitoso realismo mágico latinoamericano se
agotaron hace varios lustros. La joven narrativa mexicana busca
nuevos caminos que le permitan dejar atrás los modelos dominantes
del boom literario. El "crack" pretende ofrecer una alternativa a
los estereotipos gastados del realismo mágico: oscilar libremente
entre las culturas y los
idiomas, ser popular y
elitista al mismo tiempo, ser cosmopolita sin caer en la trampa del
esnobismo literario. Sin embargo, el "crack" necesariamente tiene
que fracasar precisamente por sus metas que resultan ser la
cuadratura del círculo. Una referencia literaria importante para el
nuevo movimiento, sobre todo para Ignacio Padilla, es la literatura
austriaca de comienzos del siglo XX. Las novelas de Joseph Roth,
entre otros, pueden proporcionar no sólo un rico temario nuevo, sino
también mostrar técnicas narrativas capaces de captar una realidad
en decadencia, un mundo que se autoaniquila y amenaza al individuo
por su falta de rumbos y asideros. No obstante, el crack no logra
adaptar tales
modelos a las realidades latinoamericanas,
los
toma a guisa de mera alusión docta, muy al estilo de Alejo
Carpentier. El finis Austriae, el mundo decadente de los Habsburgo,
ya había sido una referencia esencial en las dos novelas grandes de
Fernando del Paso. Del Paso logra mediante ella la inversión de los
papeles de colonia y colonizador en las relaciones culturales entre
América Latina y Europa. Ya no son los intelectuales europeos que
miran asombrados las realidades maravillosas del nuevo continente,
son los escritores americanos que describen incrédulos el mundo
absurdo europeo, con lo que dejan de ser definitivamente los
epígonos de la omnipotente tradición literaria europea. Este hilo lo
debería retomar la joven literatura mexicana
en su búsqueda por una manera de escribir después de las vacas
sagradas del gran boom.
Clary
Loisel
University of Montana
Queering the Early Mexican Homosexual Novel: A Study of Paolo Po’s
41 or el muchacho que soñaba en fantasmas
Paolo
Po’s 41 o el muchacho que soñaba en fantasmas (casi una novela)
(Costa-Amic 1964) is perhaps Mexico’s second novel with a
homosexual protagonist. In the “Nota editorial” of the novel, the
“author,” Paolo Po, states: “[Esta novela] es una historia humana,
sencilla, dolorosa; tal vez una de las
más
dolorosas que pueda vivir ser humano alguno.
‘Asi
soy…soy así
desesperadamente… no puedo ser de otra manera’,
dice el personaje central de la historia, y esta manera de ser suya
la sostiene a través del dolor y de la alegría. Por otra parte,
El Muchacho que Soñaba en Fantasmas, descubre a los ojos de los
no entendidos en estos casos, una serie de situaciones reales que se
viven a diario en todas las ciudades del mundo. ‘Los que se venden,
los que se alquilan, los que sueñan, los que se suicidan, los que
esperan…’ Allí están todos los jóvenes (y los viejos) que viven
dentro de este ámbito diferente. En ese mundo raro en donde han
sido arrojados (¿destino?
¿naturaleza?
¿voluntad
divina?)
miles de hombres.” (8) My intention in this presentation is to
(re)discover 41 by placing it in its
socio-historical/literary context and by offering a “Queer” reading.
Mario
Martín
San Diego State University
El
cuento policiaco bajacaliforniano; una realidad de doble fondo ante
la revisión de lo fronterizo
A
partir de la grave crisis de los ochenta, emerge el cuento
policiaco bajacaliforniano, como comentario al combate al
narcotráfico presentado como causa nacional de espectaculares
recursos logísticos y discursivos para maquillar el aspecto de orden
nacional y para tranquilizar el nerviosismo gubernamental
norteamericano. Este género cuentístico reaccionan ante las
iconografías del cine comercial fronterizo y de los censurados
narcocorridos, ante las nuevas condiciones de reajuste social frente
a la transformación multicultural de la
relocalización y de la standarización cultural, de cara a los complejos
procesos de hibridación, nacionalismos y globalización.
Toda frontera,
pero especialmente la nuestra, representa para los individuos y los
escritores la tierra de nadie, la utopía mil veces fallida, crisol
fortuito, refugio y fosa común de migrantes, de evadidos y de
buscasueños, escenario montado para el transcurrir carnavalesco del
crimen, el deseo, la venganza, el poder, la ley y la ejecución. En
la última esquina de nuestra California, Tijuana y Mexicali son
como cualquier ciudad fronteriza, igual a todas.
Casi no hay cuentista
bajacaliforniano que
escape del ejercicio del género policiaco, aunque coincidan con
diferentes estéticas, generaciones literarias y actitudes
ideológicas diversas. Se ha elegido un corpus de narraciones
escritas por: Gabriel Trujillo Muñoz, Luis Humberto Crosthwaite,
Leobardo Sarabia Quiroz, Ramón Betancourt, Edgar Umez Castellanos,
Federico Campbell, José Manuel Di Bella, Carlos Martín Gutiérrez,
Sergio Gomes Montero, y Harry Pulkinhorn. A pesar de la abundancia
de estos textos, no hay una tradición bajacaliforniana del género
policiaco ni de su narratología, ni de su temática. Se acude al
testimonio, a la crónica documental, al relato de claves sociales e
históricas, pero sobre todo son cuentos entramados en la complejidad
psicológica, en la tensión imaginativa del habla fronteriza, y en el
aliento ficcional que los propicia. Son recurrentes entre las
causas, naturaleza y consecuencia del narcotráfico: los emigrantes
extraviados y explotados, cierta ejemplaridad de los transgresores,
ciudades anónimas y violentas, incidencia de Estados
Unidos, la mitología pop,
antichilanguismo, contracultura,
entrecruzamiento de identidades, la veleidad de la ley, los
recursos bajos del poder, los inframundos de la policía, el alcohol
y las drogas. Los escenarios son recurrentes: la Calle Revolución
tijuanense y sus burdeles y bares, la chinesca de Mexicali, sus
hoteles y el cruce a la California predestinada y distante. Estos
cuentos no apuestan a conjeturas pulcramente racionales, ni conjuran
un desenlace feliz, ni promueven el simplista triunfo del orden y la
ley dos líneas antes del epílogo. Estos relatos son una sinécdoque
de la ilusión y del fracaso de las alianzas entre
pobreza desplazada y modernidad
hollywoodesca, trabajo y movilidad social, entre la obra
negra de la empresa privada y el corporativismo, entre los
andamiajes de la política venal y el narcopoder omnímodo y ubicuo
del aparato gubernamental.
Hugo
Méndez-Ramírez
Georgia State University
La
ideología de “lo universal” en la novela mexicana actual
Como
afirmaba Octavio Paz, la historia de la cultura latinoamericana se
podría definir como una constante lucha por alcanzar la modernidad.
A esta lucha, habría que agregar otra que se libra simultáneamente
-la que menciona Emir Rodríguez Monegal-, y que tiene que ver con la
no menos persistente tensión entre la herencia americana y europea.
La necesidad de satisfacer o resolver estos conflictos ante la
modernidad y la identidad y de encontrar una forma artística
adecuada de expresión ha preocupado por mucho tiempo a casi todos
los escritores latinoamericanos. Es por eso que nos llama la
atención la reciente producción novelística de algunos autores
mexicanos que parecen alejarse del tema o haber decidido no
“ocuparse” de la búsqueda de la identidad. En busca de Klingsor
de Jorge Volpi (Premio Seix Barral Biblioteca Breve 1999) y
Amphitryon de Ignacio Padilla (Premio Primavera de Novela 2000)
son dos buenos ejemplos de novelas en las que los autores, según
ellos mismos, no sólo han abandonado la búsqueda de la Identidad
mexicana, sino que activamente han decidido perseguir su tradición
cultural europea. De la novela de Volpi, por ejemplo, Guillermo
Cabrera Infante ha dicho, “ésta es una novela alemana escrita en
español.” La novela de Padilla, como novela “gemela,” también
regresa la vista hacia Europa.
En este trabajo, propongo responder a varias preguntas. 1) ¿Hasta
qué punto es posible escribir una novela mexicana o latinoamericana
sin el contexto de la cuestión de la identidad cultural? 2) ¿Se
trata de un nuevo rechazo del mito o de la existencia de tal
identidad? — ¿y por lo tanto, una crítica consciente a escritores de
color local (casi todos los escritores mexicanos de todas las
épocas, incluyendo la actual)? 3) ¿Podría ser que la novela
mexicana ha alcanzado una madurez global donde las cuestiones de
identidad trascienden las fronteras nacionales o locales? ¿Qué
refleja el hecho de que ambos autores han estudiado en Europa, y que
las dos novelas fueron publicadas y premiadas en casas editoriales
europeas, pero que tienen un mercado y distribución globales?
Graciela Monges Nicolau
Universidad Iberoamericana
En
los labios del agua
o los desdoblamientos de deseo, de A. Ruy Sánchez
En
los labios del agua
de A. Ruy Sánchez está ensamblada a manera de relato especular en el
que el protagonista Juan Amado, de la narración primaria, toma a su
cargo la narración de otra historia, ocurrida en otro espacio y en
otro tiempo con otro protagonista, Aziz al Gazali, que se convierte
en un personaje narrador intradiegético.
La
alternancia de las dos voces o discursos que se desdoblan uno a otro
se va dando intermitentemente. La voz de Aziz que aparece en
cursiva, interviene y cierra los nueve capítulos que conforman la
Primera parte, más una Segunda parte que consta de cuatro breves
capítulos y doce sueños de Juan Amado que a manera de
desenlace de su aventura mantiene
el mismo tono de ensoñación poética de "Los nombres del aire", la
novela anterior de Ruy Sánchez. Ambas voces giran en torno a la
entrega amorosa.
Según el teórico Lucien Dällenbach en su tratado titulado "El relato
especular": el texto se vuelve sobre sí mismo como modalidad de
reflejo en forma de enclave que guarda relación de similitud con la
obra que la contiene a manera de obra dentro de la obra." La
historia de Aziz es imprescindible porque con ella se articula la
historia contenida dentro de la historia continente, y la primera es
necesaria para apuntalar a la segunda.
En mi análisis abordaré los
traslapes o imbricaciones de los pasajes de Aziz dentro del texto de
Juan Amado explicando la forma en que se va desplegando el
desdoblamiento del deseo en ambos personajes.
Hugo Moreno
The University of
Michigan - Ann
Arbor
El ser
que va a morir, de Coral Bracho
En
este trabajo ofrezco una interpretación de El ser que va a morir
haciendo una comparación entre lo que Emmanuel Levinas llama en
Totalidad e infinito la relación erótica y la relación ética.
Levinas llama relación erótica al tipo de relación intersubjetiva
entre un primero ("yo") y un segundo ("tú") y relación ética al tipo
de relación intersubjetiva entre un primero ("yo") y un tercero (el
otro). Según Levinas, en la relación erótica el sujeto es un
"ser-para-sí" y en la relación ética el sujeto es un
"ser-para-otro." En la fenomenología de Levinas, la relación
erótica se da en el seno del hogar y es una relación de género en la
cual el "yo" es un sujeto masculino (el amante) y el "tú" es un
sujeto femenino (la amada). Por otro lado, la relación ética es una
relación de especie que se da tanto en el seno del hogar como en el
seno de la sociedad. En el seno del hogar el "yo" asume la figura
del padre y el "otro" asume la
figura del hijo. En el seno de la sociedad el "yo" asume la
identidad del Mismo mientras que el "otro" tiene el rostro del
huérfano, la viuda, el extranjero y/o el indigente.
En
El ser que va a morir se desarrolla lo que podría llamarse una
razón poética del otro (del otro en tanto que discurso femenino y en
tanto que discurso poético). La razón poética de Bracho rechaza y
subvierte el discurso androcéntrico de la fenomenología de
Levinas, la cual reduce a la
mujer a la esfera de lo doméstico, tanto en la relación erótica
como en la relación ética. La
fenomenología de Levinas presenta una ética economicista de la
existencia, la cual está fundada en la negación dialéctica
tanto del sujeto femenino, como de la relación erótica. En El
ser que va a morir, el sujeto resiste la ética economicista del
Mismo, rehusándose a aplazar o a sacrificar la vida de gozo y a
integrarse a, y perderse en, la totalidad. Enfrentada por la
disyuntiva de escoger entre la vida erótica y la vida económica, la
narradora se afirma a sí misma como "ser vivo" y opta por subvertir
el paso del hombre de la relación erótica a la relación ética),
recurriendo al aborto.
En El ser que va a morir
se manifiesta una pugna entre la relación erótica y la relación
ética, la cual se resuelve al final en favor de la primera con el
sacrificio del hijo y el retorno de la pareja al gozo y a lo
elemental. En este texto el sujeto asume una actitud cínica (en el
sentido filosófico del término) en la relación erótica. Es el
sujeto que Levinas llama "el yo del gozo," el cual se hace sujeto
del ser a partir del gozo de ser y no a partir del pensamiento sobre
el ser. En la relación erótica, el sujeto es ciudadano del Paraíso
y se comporta como "ser vivo." En esta relación sólo existen los
dos amantes y la obra que juntos construyen. La sociedad íntima que
ellos forman es la totalidad, que es aquí lo inmediato, lo concreto,
lo palpable. El otro no se le presenta al sujeto como el extraño
que importuna y que atenta contra su gozo y posesión (como en la
relación ética), sino como algo consustancial e inmediato a él. En
la relación erótica, la idea de lo infinito se le revela al sujeto
como rostro del amado. En esta relación, el acontecimiento
ético-metafísico de la trascendencia (lo que Levinas llama "el
recibimiento del otro" u "hospitalidad") se realiza a través de la
caricia.
Por contraste, en los poemas
que tratan sobre la relación ética, el sujeto es un ciudadano del
mundo que se comporta como "ser pensante." Para el sujeto, la
totalidad no consiste únicamente en la sociedad íntima que funda con
su amado y la obra que juntos construyen. También incluye al hijo
que ella lleva en su seno ("el ser que va a morir"), "la dimensión
oscura del porvenir" (lo que Levinas llama "Il y a"), la
sociedad, los ciudadanos y los desamparados, el mercado, el
instrumental de cosas necesarias para la vida, etc. A diferencia de
la relación erótica donde el sujeto percibe la totalidad como algo
cercano, palpable y adorable, en la relación ética lo percibe como
algo distante, extraño y preocupante. En vez de acercársele al otro
y hablarle, o de abrirle las puertas de su casa, el sujeto prefiere
observarlo desde el interior de su morada. Allí también se protege
del elemento, con el cual no está en perfecta armonía, como sucede
en la relación erótica. Asimismo, en la relación ética el otro no
es objeto de gozo, sino objeto de representación. Si en la relación
erótica accede a la alteridad del otro a través de la sensibilidad,
en la relación ética lo hace a través del pensamiento. Aquí el
sujeto no ama la felicidad de ser, sino que se preocupa por el ser.
El ser se le representa como exterioridad y la idea de lo infinito
como deseo de lo infinito, es decir, como lo que Levinas llama
"rostro."
Raquel
Mosqueda Rivera
Universidad
Nacional Autónoma de México
Conjurar la violencia. Parodia y humor en los cuentos de Francisco
Hinojosa
Francisco
Hinojosa (Ciudad de México,
1954), mejor conocido por su cuentística infantil, es autor de
importantes libros de relatos para adultos. Su obra, compendiada en
el volumen Negro, héticos, hueros. Ediciones sin nombre/Juan
Pablos Editor, 1998, exhibe una impronta común: la violencia. Este
mecanismo, más que en la temática, encuentra su verdadera expresión
en la actitud que permea, e incluso antecede cada relato, hablamos
de la ironía. De la exacerbación de este recurso, surge a su vez la
parodia, uno de los rasgos más significativos para aproximarse a la
obra de este narrador puesto que, como apunta Víctor Bravo,
“la
parodia es, a plenitud, uno de los procesos de la conciencia
irónica, la percepción desde la identidad, de la incongruencia de lo
real, de la dialéctica de la identidad y la diferencia, de la
identidad y la negación que se encuentra en las fibras mismas de lo
instituido” (Figuraciones del poder y la ironía, p. 90)
Ironía y parodia convergen en un mismo propósito: hacer frente a la
expresión de la cual proceden, es decir a la violencia. La
tautología de esta estructura deja claro no sólo la complejidad del
proyecto narrativo en cuestión, sino la elaboración estética con que
el Francisco Hinojosa busca, de algún modo, hacer frente a un
fenómeno de tan desafortunada actualidad. Otro de los recursos de
los cuales se vale lograr lo anterior es el humor; evidentemente, se
trata de un humor muy particular del cual surge una risa a medio
camino entre la farsa y la tragedia. Analizar el engranaje que hace
posible que tales mecanismos (violencia, ironía parodia y humor) se
articulen y cohesionen constituye el objetivo de este trabajo.
Rocío
Ocón Garrido
University of Texas at Austin
El
interés por la cultura popular mexicana cruza las fronteras: El
elemento mexicano en Pérez-Reverte
La última
novela de Pérez-Reverte, La Reina del sur, publicada este
verano pasado (junio 2002), está atestada de elementos mexicanos. No
sólo la protagonista es mexicana, sino que la obra toma lugar, en un
primer momento, en Culiacán (Sonora), usa vocabulario mexicano, e
incluso la “banda sonora” de la novela es puramente mexicana. Se
escuchan durante toda la novela los narcocorridos, música bastante
regional, que fuera del contexto en el que se inspiran, es difícil
comprender. Llega a ser tanto el peso de lo mexicano en esta obra,
que Pérez-Reverte no ha dudado en afirmar que esta novela fue
concebida como un narcocorrido literario.
Pérez-Reverte, por su parte, es uno de los autores más prolíficos de
España en esta última década. Debió en principio su fama a novelas
de intriga, seguidas más tarde por la serie de capa y espada del
Capitán Alatriste. En su última
novela, Pérez-Reverte se separa del estilo que lo ha convertido en
uno de los más importantes bestsellers españoles, para ofrecernos el
bildungsroman de una chica mexicana metida por inercia en el
mundo del tráfico de la droga. El personaje
evoluciona de la inocencia a la
plena conciencia y participación en el tráfico ilegal.
En el presente artículo, pretendo
estudiar el elemento mexicano en esta obra. Prestaré especial
atención al uso y reflexiones sobre la música del narcocorrido.
Quiero indagar en cómo se introduce esta música en la obra y con qué
funciones. Por otro lado, también me interesa investigar la
presencia del vocabulario mexicano y otras manifestaciones de la
cultura popular mexicana en esta obra.
Alejandro
Palma Castro
Universidad Autónoma de Puebla
La
ruptura de una tradición: literatura experimental en México
La
experimentación en la literatura ha ocurrido casi a poco tiempo de
inaugurada la escritura en Occidente, así “El huevo” de Simias de
Rodas (s. III a. de C.) cuestiona el orden de lectura de izquierda a
derecha y en orden descendente que se estableció en Grecia a partir
del s. VIII.
Tomando como punto de partida la noción de Octavio Paz ,
“la tradición de la ruptura” que según él comienza con el
romanticismo y culmina con las vanguardias de principios del s. XX,
se tratará en este trabajo de la ruptura de una tradición: la
experimentación o experimentalismo en la literatura mexicana que no
ha tenido la fortuna de contar con una continuidad y que en un marco
total de la literatura mexicana (con énfasis en la segunda década
del s. XX) aparece como una incursión temporal o distracción en la
obra medular del escritor. Bajo esta premisa se revisa una fase
desatendida en la obra poética de Octavio Paz que comprende los
“Topoemas”, los “discos visuales” y que está plenamente realizada en
Blanco. También se analiza un texto experimental,
Sastrerías de Samuel Walter Medina, el cual a pesar de la
repercusión que tuvo al momento de su publicación, 1979, en la
actualidad se encuentra en el olvido; por último se mencionan
algunos trabajos de Raúl Renán fundamentales para establecer una
tradición de la literatura experimental en México.
Establecer las conexiones o inconexiones de dichas obras
con el resto de la tradición experimental es fundamental para
comprender los motivos por los cuales, en pleno apogeo del
neoconcretismo o más adelante, con la incursión de la tecnología
digital, el escritor mexicano ha desatendido por completo las
amplías y variadas posibilidades de dichas corrientes para proponer
nuevos conceptos en la estructura significante del lenguaje.
Federico
Patán
Universidad Nacional Autónoma de México
La
cuentística de Pedro Ángel Palou
El interés
radica en examinar cuál es la temática privilegiada por el autor en
sus cuentos, así como cuáles las temáticas subordinadas y qué
relación guardan con la anterior. Desde luego, deducir la visión del
mundo que este conjunto de cuentos establece, y sus necesarias
relaciones con las novelas escritas por Palou, de las cuales se hará
referencia circunstancial. Por otro lado, ver si Palou es un
cuentista tradicional o si opta por técnicas narrativas modernas.
Esto incluye un examen del estilo, de los recursos narrativos, de
los personajes.
Federico
Patán
Universidad Nacional Autónoma de México
La
narrativa mexicana como posmodernidad
Se
trata de especificar qué entienden por posmoderno Raymond Williams y
Blanca Rodríguez, los autores del libro La novela mexicana
posmoderna, cómo y con qué resultados aplican ese concepto a la
narrativa mexicana escrita desde 1963 y que abarca hasta el 2000. Se
examinará el porqué de los autores incluidos, con especial atención
a los más atendidos por los autores (Sainz, Agustín, Ramos, Villoro,
Toscana, Fuentes, Poniatowska), y se hará un balance de lo
conseguido por este libro de ensayos.
Rita
Plancarte
Universidad de Sonora
A
contrapelo: “El Manifiesto de la generación del crack”
En
el verano de 1996, aparece un manifiesto literario firmado por cinco
jóvenes escritores: Ignacio Padilla (1968), Jorge Volpi (1968), Eloy
Urroz (1966), Miguel Ángel Palou (1961) y Ricardo Chávez Castañeda
(1961), que había pasado desapercibido, pero que a la luz del éxito
editorial de algunos de sus firmantes se ha vuelto a publicar. En
2001, casi cinco años después, los miembros del movimiento aparecen
regularmente en las páginas culturales de “El País”, “El Universal”
o “El Heraldo”, venden miles de libros, dan conferencias en todo el
mundo y sacuden, o creen que sacuden, las conciencias del
establishment cultural mexicano, debatido
entre la tradición indígena, la
influencia del vecino del Norte y la alargadísima sombra de Paz,
Fuentes o Rulfo, mexicanos universales.
En la ponencia me propongo analizar cómo es que el “Manifiesto de
la generación del crack” entabla un diálogo con la forma propia
de los manifiestos vanguardistas y propone un replanteamiento de la
tradición literaria mexicana desde el marco de la posmodernidad.
Trato, además, de establecer las formas en que dicho manifiesto
debate con la tradición literaria propia de la modernidad y se
inserta en ella reacentuando ciertos valores y dejando de lado
otros, para constituirse en lo que parece ser la nueva poética de la
novela mexicana.
Renato
Prada Oropeza
Universidad Veracruzana
El
enramado discursivo en
Viajes paralelos
de Aline Peterson
El
último libro de Aline Peterson presenta un gran desafío al lector,
pues no se trata de una narración
convencional que pueda ser tipificada de entrada, sino de una
propuesta narrativa que envuelve en su seno tanto el relato-memoria
tradicional, que es el hilo
conductor en cierto modo del
desarrollo discursivo, de textos tan distintos como los
iconográficos (fotografías, cuadros), los cuestionamientos y
reflexiones de indudable profundidad, las citas extensas
(algunas de varias páginas) de escritores, epístolas... Lo
significativo y el valor de este libro está en que todos esos
discursos convergen en una unidad que no sólo rompe con el impulso
simplificador de “clasificarlo” dentro de un género, sino que
integran una unidad orgánica y homogénea nueva que
constituye un aporte estético
propio.
¿Viajes
paralelos es la manifestación de una voluntad de quebrar la
unidad del discurso narrativo, o, se trata, al contrario, de
establecer un tipo de lectura dispuesta a dejar a un lado sus
prejuicios y de convertirse en el facto (el vector) que
construya un único y rico texto compuesto de facetas convergentes?
La pregunta anterior
manifiesta la tarea central de nuestra ponencia: esforzarse con
todos los medios teóricos y analíticos, de convertirnos en el
lector implícito que este discurso reclama.
Brian L. Price
University of Texas at Austin
Jorge Luis Borges y la cuentística mexicana
Jorge
Luis Borges es, como dice Guillermo Cabrera Infante, “una
literatura”, glosando un juicio
que el mismo Borges emitió sobre Quevedo, Voltaire, Goethe y Wells.
Esta literatura ha sido leída, recibida, rechazada, emulada y
alterada tanto en Latinoamérica como en el resto del occidente, pero
en ningún país tanto como en México. A partir del movimiento
expresionista, encabezado por autores como Juan José Arreola y Juan
Rulfo, la cuentística mexicana ha bebido de las fuentes borgeanas de
manera significativa, apropiando para sí la infatigable meditación
metafísica, la desconfianza del lenguaje, la exaltación del hombre
marginado y la crítica irónica de instituciones sociales. Los
grandes autores de este siglo, incluyendo a Paz, Fuentes, Arreola,
Monterroso, Elizondo y Avilés Fabila reconocen esta deuda y rinden
homenaje al gran bibliotecario bonairense tanto en sus ensayos
estéticos como en su escritura. En este trabajo estudiaré como los
escritores mexicanos han recibido a Borges tanto como una literatura
como un objeto literario. Como literatura desafía los límites de la
palabra escrita y como objeto literario se vuelve elemento crítico.
Examinaré textos de Juan José Arreola, René Avilés Fabila, Salvador
Elizondo, Guillermo Samperio, Augusto Monterroso, Samuel Walter
Medina y José Emilio Pacheco que se prestan a una lectura temática y que demuestran
coherencias estéticas entre éstos y el pensamiento borgeano.
Al terminar el trabajo, comentaré brevemente sobre la recepción de
parte de autores
contemporáneos como Toscana y Palou.
Cécile
Quintana
Universidad de Poitiers, Francia
Reglas de
actualización y actualización de las reglas en el cuento
mexicano contemporáneo
El
cuento mexicano contemporáneo realiza con vigor todas las
potencialidades internas del género (Schaeffer Jean-Marie,
¿Qué es un género literario?). Para dar cuenta de
esa madurez creativa, proponemos un enfoque estético que analiza las
reglas de actualización textual, es decir los movimientos de
lectura programados por el texto y operados por el lector. Esta
orientación supone a la vez una actualización de la definición del
texto literario como "objeto inacabado", que se constituye en una
interacción dinámica con el lector.
La creación de este objeto ya no depende sólo del trabajo artístico
del autor sino de la eficacia de un acto de lectura cooperativo (la
cooperación entendida según U. Eco, quien propone una teoría de la
"obra abierta"). Basándonos en los trabajos de Wolfgang Iser (El
acto de lectura, teoría del efecto estético), figura
emblemática de la Estérica de la
Recepción a fines de los 70,
determinaremos cómo el cuento mexicano contemporáneo exacerba esa
cooperación a varios niveles.
Primero al nivel fenomenológico, en que el
lector como destinatario implícito de los efectos de lectura
programados por el texto, es solicitado por una serie de hiatos
textuales (estudiaremos a Enrique Serna, Hernán Lara Zavala,
Francisco Hinojosa, Juan de la Cabada, Salvador Elizondo y Ricardo
Elizondo Elizondo). En segundo lugar, al nivel identifico-emocional
(según la terminología de J. Leenhard), en que el lector es sometido
a un proceso de identificación. Se aclararán precisamente
todas las estrategias textuales para quebrar dicho proceso y
exacerbar la conciencia del acto de lectura (estudiaremos a Oscar de
la Borbolla, Lazlo Moussong, Alain Derbez, Hugo Hiriart, Agustín
Monsreal).
Por fin, a un nivel más crítico,
se analizarán las aptitudes de un lector literario, capaz de tejer
los lazos intertextuales
necesarios para revelar la "literaridad" de una obra (estudiaremos a
C. Fuentes, Guillermo Samperio, Sergio Pitol.
Luis
Quintana Tejera
Universidad Autónoma del Estado de México
Intertextualidad en la novela
En
busca de Klingsor de Jorge Volpi
Pienso
abarcar un determinado número de referentes intertextuales con la
finalidad de indagar la índole cultural que se expresa a través de
las palabras del narrador, así como también observar el proceso que
conduce desde el movimiento lúdico del relato hasta las
consecuencias literario filosóficas de estos contenidos mencionados.
Además, la valoración de estos aspectos me conducirá por un mundo
naturalmente ficticio en donde la voz que cuenta los hechos se
esfuerza por "engañar" al lector, cuando en realidad lo que está
haciendo es tan sólo disfrazar la posibilidad casi cierta -en
términos de aproximación narrativa- de encontrar a Klingsor.
En la ponencia anterior habíamos sostenido que la búsqueda de
Klingsor tenía un valor implícito en su propia condición de hurgar
en un pasado misterioso. Ahora no sólo reafirmamos este aspecto,
sino que además pensamos que una adecuada deducción nos puede
conducir a saber en términos casi ciertos quién sea Klingsor.
Arturo
Ramírez Lara
Universidad Autónoma de Cd. Juárez
Presencia crítica de la narrativa mexicana en las revistas
electrónicas latinoamericanas y españolas
¿Cuál
es la importancia de la nueva narrativa mexicana en el panorama de
la literatura iberoamericana
actual? Posiblemente la respuesta la encontremos
formulándonos otras preguntas un poco más específicas: ¿Qué tanto
interés hay por la literatura mexicana en publicaciones electrónicas
iberoamericanas especializadas? ¿Cuáles son los textos narrativos
mexicanos editados en formato impreso aparecidos en los últimos diez
años que han recibido mayor atención por parte de la crítica
iberoamericana publicada en formato electrónico? ¿Qué tipo de
críticas han recibido estos textos?
En este trabajo trataremos
de dar respuesta a estas preguntas haciendo una revisión de los
orígenes, contenidos, fechas y autorías de las principales
publicaciones digitales producidas en los países iberoamericanos y
España disponibles en la World Wide Web en la actualidad.
Todo esto con el fin de determinar —por lo menos en este rubro— cuál
es la narrativa mexicana reciente que está recibiendo mayormente la
atención de los lectores y la crítica especializada. Esta
investigación la consideramos de un interés primordial y, al mismo
tiempo, escasamente abordada por los especialistas en la materia
La accesibilidad que
representa la publicación electrónica, tanto para críticos
como para los lectores, nos da
una idea del alcance en difusión que pueden alcanzar los textos
narrativos impresos. Además, esta accesibilidad ayuda a que la
investigación supere sus limitaciones físicas y geográficas para
obtener un panorama del campo con las dimensiones propuestas.
Israel
Ramírez
Universidad Nacional Autónoma de México
La
memoria como ofrenda:
Acercamiento a Origami para un día de lluvia, de Manuel
Ulacia
Manuel
Ulacia, quien además de poeta
estudió arquitectura, deja ver pródigamente sus atributos de ingenio
y creatividad en cada uno de sus libros. Ese arte de la disposición
espacial que es la arquitectura se tradujo en sus libros de una
manera sugerente; razón que hace de sus títulos una casa cristalina,
con decoración sobria, delicada y de buen gusto; de tono siempre
afinado y sin contrastes abruptos. Conocedor del arte de la
disposición y empleo del espacio, Ulacia explota con
maestría este recurso para entablar un fructífero diálogo de la
lectura con el acto de la –llamémosle así– visita. De tal
modo es este diálogo, que es posible equiparar una
lectura-visitación al acercarse a Origami para un día de lluvia.
Esta
ponencia revisará someramente la
trayectoria poética de Ulacia; sin embargo, centrará su análisis en
Origami para un día de lluvia, libro del que se comentarán
sus características principales, su tono singular en la tradición
poética mexicana, su estructura y temática.
Libro de madurez (de una distinta manera que su poemario El plato
azul), sin duda el Origami... es la obra cimera de la
escritura ulaciana. En él, se desarrolla un itinerario
“autobiográfico” en donde asistimos a la gestación de una voz sin
parangón en la poesía nacional. Sin duda, esta obra anunciaba una
etapa distinta a la de sus demás libros, además que la belleza y
composición poética la destacan en nuestro medio poético. Así, en
resumen, la ponencia será un acercamiento y una propuesta de lectura
de este libro de Manuel Ulacia en homenaje a su poesía y en recuerdo
a su memoria.
Bladimir
Reyes
Universidad Veracruzana
Una
aproximación a los personajes femeninos en la cuentística de
Inés Arredondo
Inés
Arredondo pertenece a la llamada Generación del Medio Siglo, en la
cual destacan escritores como: Tomás Segovia, Huberto Batis, Juan
García Ponce, Juan Vicente Melo, Salvador Elizondo y José de la
Colina, entre otros. Han realizado una labor crítica en distintos
ámbitos artísticos: teatro, cine,
pintura, música, poesía, novela, cuento y ensayo.
Inés Arredondo publicó tres
libros de cuentos: La señal (1965), Río subterráneo (1979) –con
el cual obtuvo el premio Villaurrutia–, y Los espejos (1988).
Ha sido considerada por la crítica una de las mejores escritoras
mexicanas contemporáneas.
Roberto Vallarino en la
reedición de La señal nos dice “Inés Arredondo crea una obra
única en la tradición cuentística de nuestro siglo y, acéptese o no,
es una de las autoras más significativas y auténticas de los últimos
años”. Añade: “Eligió la soledad y la obra escueta en lugar de la
producción prolífica y la algarabía de la socialité de
nuestro país” (1980:21).
En la obra de Inés Arredondo encontramos un complejo tejido de temas
tales como la locura, la muerte, el amor-pasión, la perversión, el
erotismo, la trasgresión, etcétera, pero en realidad lo que está
detrás de todos estos temas es una obsesión: “el interés de la
escritora por sumergir a
los protagonistas de sus historias ( y a nosotros lectores) en las
corrientes subterráneas de un río en el que la crítica especializada
ha intentado bucear valiéndose de distintas herramientas
conceptuales más o menos eficaces, como las nociones de “sagrado”,
“contaminación por el mal”, “experiencia de los límites” o “mística
arredondiana” (Albarrán, 1998; 325).
En este trabajo pretendemos ver la mirada, el instante y la
sensualidad de algunos personajes femeninos en los siguientes
cuentos: “Mariana”, “Estío”, “La sunamita”, “Apunte gótico”,
“Olga”, con la finalidad de ver cuál es el mensaje que subyace al
texto y explicar la vitalidad inacabable de sus narraciones. La
misma Inés Arredondo, en su ensayo autobiográfico, menciona su deseo
de producir literatura hasta “un punto en el que aquello de lo que
hablo no fuera historia sino existencia, que tuviera la inexpresable
ambigüedad de la existencia” (1988; 4). Lo que buscaba era un
sentido inmerso en el ser de lo humano, en la existencia misma.
Oscar
Robles
Dickinson College
Coloquialismo, desmitificación del mundo y alienación del individuo
en la sociedad moderna: la antipoesía en La zorra enferma de
Eduardo Lizalde
Este
ensayo se concentra en la visión de mundo pesimista, escéptica y
burlesca de La zorra enferma, la cual entronca con la
sensibilidad vital de la antipoesía hispanoamericana. Esta visión
amarga y humorística se basa en los tres elementos de la antipoesía
anunciados en el título de la ponencia. La metáfora central del
libro de Lizalde es la zorra enferma, la voz del antipoeta, que
razona sobre las miserias del mundo, se angustia y se burla de todo.
El antipoeta mexicano se burla de la belleza, de Dios, del poeta y
la poesía, la Revolución y los revolucionarios, el socialismo, el
poder y el poderoso, la sociedad moderna, la muerte, las profecías,
el amor, el sexo y otro temas.
Este análisis define desde dos ángulos la antipoesía que floreció en
Hispanoamérica entre 1950 y la publicación del libro de Lizalde en
1974: por un lado, las constantes ideológicas (desmitificación del
mundo, alienación del individuo en la sociedad moderna); por otro,
los recursos estilísticos (coloquialismo, humor, ironía). Asimismo,
se explora el contexto que rodea la creación y publicación de La
zorra enferma: el ambiente cultural y poético de la década de
los setenta en México, en el cual domina una poesía social,
conversacional, irreverente, ideológica, "antipoética".
Para explorar texto y contexto, se aplican las semiologías temática
y genético-histórica de Georges Mounin y algunos conceptos de Juan
Villegas tales como sensibilidad virtual colectiva, hablante lírico,
oyente lírico, motivos poéticos, imágenes poéticas y espacio
poético.
Blanca
Rodríguez
Universidad de Morelos
Nadie
me vera llorar, de
Cristina Rivera Garza
Enmarcada
en el espacio de la ciudad de México y con un enfoque particular
sobre la vida dentro del Manicomio de La Castañeda, inaugurado por
Porfirio Díaz en 1910, esta novela relata las vidas del morfinómano
Joaquín Buitrago, fotógrafo de profesión, y de Matilda Burgos, joven
originaria de una comunidad totonaca que arribó a la ciudad en 1900 y cuyo contacto con la
realidad urbana paulatinamente habría de deteriorar su psique hasta
llevarla a la locura. A su lado, otros personajes inscritos en las
clases media y baja como médicos, anarquistas y prostitutas,
muestran también ciertos conflictos humanos y sociales que la
sociedad mexicana vivió como consecuencia de la radicalidad en las
ideas del grupo de los Científicos durante el porfiriato, los cuales
tampoco encontrarían solución a pesar del triunfo de la revolución
mexicana.
Un punto de partida del examen
de esta dramática obra son algunas de las ideas que Émile Zola
expuso en su aún discutido
manifiesto naturalista La novela experimental, que se basó en
el tratado de medicina experimental de Claude Bernard y en
otros positivistas, en el que propuso la creación de la novela que
fuera resultado de la observación y la experimentación, esto es, un
documento cuyo resultado también fuera científico sin que perdiera
de vista el poder imaginativo de la ficción. Se examinarán asimismo,
algunas formas discursivas y técnicas narrativas con que se integró
la novela, cuyo estrujante resultado encontró un polo de equilibrio
en la creación de un estilo de escritura de poética intensidad en
que destaca el empleo unificador de palabras e imágenes anafóricas.
A su lado, otros personajes, como
médicos, anarquistas y prostitutas, mostrarán las contradicciones
sociales en que el país vivió durante las primeras décadas del siglo
XX.
El contexto en que la obra está
ubicada refleja los conflictos humanos y sociales que provocaron las
ideas positivistas sobre todo en las clases media y baja,
exacerbadas por la influencia del grupo de los Científicos.
Miguel G.
Rodríguez Lozano
Universidad Nacional Autónoma de México
Nostalgia de la sombra
de Eduardo Antonio Parra
Desde la publicación de sus libros de cuentos, Eduardo
Antonio Parra demostró una madurez en su escritura que lo colocó en
el ámbito de la narrativa mexicana de fines del siglo XX como un
escritor de primer nivel. Ese aspecto queda ratificado con la
publicación de su primera novela, Nostalgia de la sombra, en
la cual aparecen las obsesiones temáticas y formales de ese
escritor. El trabajo descriptivo y el manejo de la psicología del
protagonista, aunado al detalle de los espacios en los que se mueve
éste, con la necesaria tensión y acción que requiere una novela en
la que se tiene como centro la génesis de un asesino, son factores
que le imprimen a la prosa de Parra su sello de calidad. En la
ponencia se intentará mostrar la relevancia de esos factores que
hacen de la propuesta estética de Parra una literatura que vale
mucho la pena.
José Ramón Ruisánchez Serra
University of Maryland
El
68: expulsión y memoria
A
pesar de que el año de 1968 y los que inmediatamente lo siguieron
resultan prolíficos, la literatura sobre el movimiento estudiantil y
sus consecuencias parece cesar después de lo que llamo la fase
urgente.
No es sino a partir del treinta aniversario del movimiento,
cuando aparecen nuevos esfuerzos narrativos de primer nivel donde
las manifestaciones de descontento juvenil y su represión por el
aparato de poder resurgen como temas centrales. Pienso tanto en
proyectos periodísticos como el Parte de guerra de Julio
Scherer y Carlos Monsiváis, cuanto historiográficos como La
imaginación y el poder de Jorge Volpi así como las novelas Tu
nombre en el silencio de José María Pérez Gay o El fin de la
locura de Jorge Volpi que aparecerá en España más o menos en las
fechas del congreso.
En mi trabajo
propongo una lectura del
año de 1968 como un proceso de expulsión de la casa familiar --lugar
de silencio-- hacia tres destinos fundamentales: las calles y plazas
de la ciudad, la cárcel de Lecumberri y el exilio, no en pocas
ocasiones benévolo, en el extranjero. Los dos primeros tipos de
expulsión cuentan con libros característicos, en el primer caso,
La noche de Tlatelolco de Elena Poniatowska; en el segundo,
El apando de José Revueltas. Es el tercero el que
comienza a explorarse a últimas fechas.
Pérez Gay explora lo
sucedido durante los sesenta en uno de los focos de rebeldía e
innovación más importantes de Europa: la Universidad Libre de
Berlín, donde estudian tres estudiantes latinoamericanos. Volpi, en
cambio, ambienta la acción de su novela en el mayo de París, y la
narra --quizá con más de un guiño
a ese libro de Carlos Fuentes que
nunca ha vuelto a reeditarse
París: la revolución de mayo--
a través de los ojos de un mexicano.
El contraste de los dos libros es sumamente interesante
debido a que mientras que Pérez Gay construye una narración que
puede leerse a través de pactos autobiográficos, los libros de
Volpi, quien nació en 1968, representan
el primer esfuerzo en la
literatura mexicana por reinventar el 68, por incorporarlo al marco
de la novela histórica.
Leo ambas novelas como un esfuerzo para crear un
afuera/después para explorar el 68 mexicano, al mismo tiempo que
exploran "la imposibilidad del afuera".
Ignacio
Ruiz-Pérez
University of
California - Santa Bárbara
La
muerte en dos poemas de José Carlos Becerra
El
presente trabajo busca ser una aproximación a los tratamientos del
tema de la muerte en dos poemas de José Carlos Becerra
(Villahermosa, 1936-Brindisi, 1970), aquellos que llevan por título
"El ahogado".
Para efectos de mi ensayo he
dividido la obra del poeta tabasqueño en tres periodos creativos que
trazan no sólo un segmento temporal —de 1961 a 1970—, sino también
una evolución en la búsqueda estética del autor. El primer momento
agrupa los libros "Los muelles" (1961-67) y "Oscura palabra" (1964);
el segundo abarca Relación de los hechos (1967), Fiestas de invierno (1964-69) y "La Venta"
(1964-69), y el último corresponde al volumen "Cómo retrasar la
aparición de las hormigas" (1968-70). El primer tratamiento al
motivo del ahogado se encuentra en la primera etapa creativa de
Becerra, en tanto el segundo corresponde a su tercer y último
periodo poético.
Aunque ambos poemas están
articulados por motivos comunes (el ahogado, Dios, el mar, el
muelle) y temas (la muerte por agua, la vida como
sueño, el teatro del mundo), los tratamientos varían de texto a
texto. Entre la primera y la
segunda escrituras de "El ahogado" hay un distingo que apunta hacia
el reacomodo de un sistema poético que por desgracia quedó truncado
con la muerte del poeta tabasqueño. ¿Qué diferencia un poema de
otro? ¿Qué significados y/o implicaciones tienen esas diferencias en
la poética del autor? Mi objetivo es encontrar una respuesta a esas
preguntas.
María de
Guadalupe Ruz Mijangos
Universidad Autónoma de Campeche
Lo
fantástico y lo sobrenatural en algunas novelas de Ignacio Solares:
Puerta del cielo, Anónimo, Muérete y sabrás
A pesar
que la literatura fantástica tiene una larga tradición y existe
desde tiempos inmemorables, hay pocos trabajos que analicen esta
temática como género literario. En la actualidad la literatura
fantástica ha caído en manos de la industria comercial, misma que la
ha desnudado de su esencia literaria y la ha transformado en un
burdo material de consumo masivo. Esta situación ha conducido a una
pobre valoración de lo fantástico como una forma genuina y digna de
la literatura universal, por lo que son
pocos los escritores que en México cultivan hoy día el casi olvidado
género de lo fantástico.
En un sentido amplio se puede
definir a lo fantástico como todo aquello que es sobrenatural,
entendiendo por sobrenatural todo hecho que no acepta una
explicación racional o convencional. La literatura fantástica
explora la dimensión desconocida de la existencia humana, se propone
plasmar la existencia del misterio y de lo inexplicable en un mundo
dominado por una rigurosa racionalidad impuesta por el avance de la
ciencia y la tecnología.
El análisis de las novelas
Puerta del cielo, Anónimo, Muérete y sabrás permite demostrar la
existencia de una constante sobrenatural en la narrativa de Ignacio
Solares, que lo ha llevado a cultivar una vertiente fantástica donde
busca explorar los misterios existenciales que rodean al hombre. Los
motivos narrativos de las novelas de Ignacio Solares giran entorno a
la búsqueda permanente de lo desconocido-la otredad- como
medio de refugio para la soledad espiritual, y ofrece la fuga como
medio de escape de la cotidianidad.
Ignacio Solares constituye
de esta forma un ejemplo de que el género fantástico se encuentra
presente las letras
mexicanas contemporáneas. A pesar del limitado reconocimiento que
se le proporciona en el país, la trascendencia de su temática le
augura un lugar propio al género fantástico dentro de la literatura
nacional, siempre en espera de nuevos herederos deseosos de explorar
los misterios existenciales de la condición humana.
Jesús
Salas Elorza
Bloomsburg University
Los
límites interpretativos del hipertexto en Shiki Nagaoka: Una
nariz de ficción
Uno de los
mayores retos que presenta la lectura de Shiki Nagaoka: Una nariz
de ficción (2001), de Mario Bellatín, es establecer una relación
coherente entre los referentes textuales y los visuales con que ha
sido construida esta novela. El texto se caracteriza por la
utilización de referentes intertextuales reales,
referentes textuales inventados e
imágenes fotográficas que lo “enmarcan”. El propósito de
este trabajo es explorar la novela y exponer los límites de una
lectura de la novela como hipertexto. Aunque las teorías del
hipertexto son aún de uso común en el campo de la electrónica, no se
descarta la posibilidad de una importante
función en el campo
interpretativo de esta narrativa, principalmente cuando encontramos
sus bases en las teorías de Kristeva (intertextualidad), Bajtín
multivocalidad), Deleuze y Guattari (el pensamiento nómada),
Baudrillard (simulación) y otros teóricos literarios de igual
relevancia. Además, el lector de este tipo de texto abierto
cuenta con la libertad de escoger sus propios caminos
interpretativos y de funcionar como coautor a través de la lectura y
del proceso de interpretación.
Cecilia
Salmerón Tellechea
El Colegio de México
La
Generación Beat como correlato en la lectura de El vampiro de la
Colonia Roma
Entre los
universos literarios de la
llamada Generación Beat norteamericana, la literatura de la
Onda en México y la propuesta de El vampiro de la Colonia Roma
de Luis Zapata (que puede incluirse dentro de la “literatura
postondera mexicana”), se despliegan una serie de similitudes que
serán el objeto de estudio de la ponencia. Las poéticas de dichos
universos literarios parecen coincidir no sólo en la figura del
escritor y del protagonista como un vagabundo inmerso en los
excesos de las drogas, el sexo, la prostitución y la delincuencia,
sino también en la introducción de este mundo como tema literario, y
de las jergas de estos grupos sociales como posibles lenguajes
literarios; así como en un cierto tipo de experimentación narrativa
que echa mano del habla para renovar la escritura.
Será objeto de la ponencia
analizar algunos aspectos de El vampiro de la Colonia Roma de
Luis Zapata como novela postondera a la luz de la poética de la
Generación Beat, comparándolo –sobre todo- con Junky de
William Burroughs. Lo que se pretende no es sugerir una línea de
influencia directa, consciente y voluntaria por parte del autor,
sino señalar un posible campo de relaciones literarias a la luz de
las cuales El vampiro… no ha sido estudiado (y que ha sido
también poco tomada en cuenta por la crítica de la Onda y del resto
de la novela postondera) que pueden revalorar este texto por lo que
significó en la evolución de la narrativa mexicana del siglo XX.
Este análisis servirá también
para demostrar que la revolución en los conceptos del escritor y de
la literatura que desarrolló la Generación Beat tuvo un gran impacto
en el trabajo de novelistas mexicanos posteriores. La literatura
mexicana respondió de cierto modo a la propuesta beat y se
revolucionó a sí misma de una manera semejante.
Algunos subtemas que se
desarrollarán en la ponencia:
-
Las jergas y la mímesis del habla.
-
La grabadora y la experimentación literaria.
-
Los remansos surrealistas.
Marina
Saravia
Universidad de Colima
De lo
verosímil a lo verdadero. Reflexiones sobre la obra dramática de
Víctor Hugo Rascón Banda.
Víctor
Hugo Rascón Banda, (Uruáchic, Chih., 1948) pertenece a la llamada
nueva generación de dramaturgos mexicanos, que proviene de los
maestros Hugo Argüelles y Vicente Leñero. Desde su primera obra,
escrita en 1979 pero escenificada hasta el 84, Rascón ha construido
una sólida producción dramática –más de cuarenta piezas, así como
guiones para cine y televisión- en la que muestra la realidad
nacional, a partir de sus propias convicciones, su observación y
oído literario.
Premisas importantes en la
creación rasconiana –eje sobre el que girará la ponencia que
presento- son las siguientes: Rascón, como él mismo lo ha dicho, no
cree en el teatro escrito para los libros, sino para el escenario,
para actores de carne y hueso. Su teatro ha sido denominado “teatro
del delito”, en el que ningún personaje se salva, en el que son más
los obscuros que los claros y los vicios de la sociedad prevalecen
sobre las virtudes.
La semilla de las obras de
Rascón, está en la realidad. “Yo no invento historias, ni trabajo
con un plan. Parto de una reacción emotiva, escribo por
indignación, por reacción, por conmoción”, dice el autor, porque la
dramatización le permite dar cuenta de su indignación ante hechos
concretos o ante situaciones sociales establecidas.
Dos aspectos fundamentales en la
obra de Rascón que en la ponencia desarrollaré con ejemplos
pertinentes son el lenguaje y la estructura dramática.
La actitud de Víctor Hugo Rascón
Banda ante el texto y el hecho teatral, ha seguido una línea
coherente y consistente, por eso, como todos los grandes
escritores, no es autor de obras aisladas sino de un corpus cuyos
ejes temáticos y estilo han logrado conjuntar un todo, que podemos
identificar, por su solidez y originalidad, como teatro rasconiano.
Verónica Saunero-Ward
New México Highlands University
Elena
Poniatowska: Un personaje más.
El propósito
de este trabajo es el de analizar el discurso humorístico de Elena
Poniatowska durante las entrevistas que se le han venido haciendo
desde los comienzos de su carrera literaria. En ellas, EP ha
desarrollado un personaje cuyas características se han afianzado a
través de la continua repetición de
datos biográficos y de técnicas
humorísticas que tienen como fin el de subvertir las intenciones de
su entrevistador (a). EP va de la burla velada a ridiculizarse a sí
misma en el afán de crear otra matriz de agencia como mujer que se
resiste a la abstracción del escrutinio académico. Veremos que a
través del humor, P. ejecuta un papel reflejando lo absurdo de una
ideología de una élite cultural, al mismo tiempo que debilita los
mismos fundamentos de su discurso.
Un análisis de la ironía hegeliana y de la socrática introduce este
ensayo al identificar el tipo de humor que parece servir mejor al
sujeto subalterno para decentralizar y desestabilizar un discurso
hegemónico cuya intención es la
homogeneización del sujeto. Una vez hecho esto, se proseguirá a
tomar ejemplos de diferentes entrevistas (académicas), en video o
publicadas, para demostrar la tesis mencionada. Los textos
teóricos / críticos de Hegel, Judith Butler, Candace Lang, Nancy
Walker y Rey Chow representan el contexto teórico en que baso este
análisis.
César
Sotelo
Universidad Autónoma de Chihuahua
Dolores o la felicidad
de David Olguín: El teatro
como cuestionamiento de la búsqueda existencial
El
movimiento histórico cultural que surge en Occidente a partir del
siglo XVI y se prolonga hasta el siglo XX, conocido como modernidad,
se agota en las últimas décadas del siglo pasado, generando la
crisis ideológica que vive la sociedad contemporánea. Ante el
fracaso de la propuesta industrial capitalista y de la alternativa
socialista, los parámetros fundamentales del proyecto moderno son
cuestionados y sus ideales se resquebrajan, mientras el hombre busca
un nuevo modelo para su desarrollo, con ideales acordes a la
realidad globalmente tecnificada en cual se encuentra inmerso.
Para el teatro mexicano contemporáneo, en algunos
autores, esta búsqueda se presenta como una reflexión sobre el
sentido del ser y su existencia, búsqueda vital para el hombre de
fin de siglo que vive en una sociedad que ha dejado de creer, que ha
perdido sus ideales; un hombre que, gracias a la sociedad
posindustrial, vive un enajenante consumismo con el que pretende
llenar su vacío existencial.
La obra de David Olguín, Dolores o la felicidad,
es una exploración sobre los valores y los ideales que le dan un
sentido a la existencia del ser humano actual. Estructurada como una
odisea espiritual, que se desarrolla en el tiempo que tarda un
cuerpo en caer de un edificio de diez pisos, un tiempo dislocado,
suspendido, la trama se desenvuelve en distintos espacios, en los
que la realidad se lleva a sus límites, exagerando los rasgos de la
vida contemporánea, espacios en los que la protagonista recorre la
Ciudad de México en busca de sí misma, en su intento por encontrar
una razón para seguir viviendo.
A fin de realizar este análisis de la crisis espiritual
posmoderna, Olguín cuestiona, con un tono fársico, los mitos que han
sustentado hasta hoy a la civilización occidental y los relaciona
con los mitos que han surgido como producto de una sociedad plural
en donde los rígidos esquemas culturales se están deshaciendo. Así,
dioses griegos y ángeles cristianos se mezclan con las creencias
orientales asimiladas por occidente, el culto a la belleza física y
el mundo de las drogas, para presentarnos un panorama desolador del
ser humano que se enfrenta a un nuevo mundo cruel, absurdo, caótico
y sin sentido, en donde su única esperanza se encuentra en sí mismo.
Shawn Stein
University of California-Riverside
Hacia
una sátira posmoderna en Trajinar de un muerto de Susana
Pagano
Esta
ponencia es un análisis de Trajinar de un muerto (2001), una
obra que demuestra tendencias satíricas y posmodernas. El
concepto de una sátira posmoderna se basa en las teorías de la
tradición satírica de tales críticos como Northrop Frye y Gilbert
Highet, tanto como en la consideración de una estética posmoderna
tal como la han teorizado Brian McHale y Linda Hutcheon, y como la
ha estudiado en el contexto de la narrativa latinoamericana Raymond
L. Williams. El blanco externo de la sátira de Pagano es el México
urbano que al comenzar el nuevo milenio se encuentra enredado en y
sofocado por un ciclo perpetuo de crimen y violencia. La escena
toma lugar en una verosímil ciudad de México anegada en una especie
de pesadilla distópica, llena de violencia y crimen. La obra es un
ejemplo de un pastiche posmoderno de la cultura mexicana actual. La
dominación y violencia siniestras de mujeres por parte del
protagonista, Lolo Manón, en particular, y por parte
de la mayoría de los personajes
masculinos, en general, articula una actitud amoral que se asocia
con algunas obras posmodernas. La obra revela e implícitamente
condena la profunda hipocresía de una sociedad sumamente
controlada por impulsos machistas. Como resultado, se
desarrolla una temática que se asocia con la de la tradición
satírica, en la cual se critican los diferentes estamentos de la
sociedad que, según el autor (autora), contribuyen a una deficiencia
moral que perjudica a la sociedad. Además, la censura de la urbe
mexicana se manifiesta a través de la incorporación de aspectos
formales de la sátira tradicional. Tales figuras retóricas como la
ironía, la parodia y el humor proveen una estructura que desafía al
lector a cuestionar la existencia de costumbres y valores que
encarcelan a la sociedad. La obra de Pagano satiriza el sistema
misógino, los personajes femeninos que se adhieren dócilmente a
dicho sistema aún cuando las denigra y hasta amenaza aniquilarlas, y
también los demás instrumentos que respaldan una supervivencia de
tal sistema. La obra de Pagano fuerza al lector a reconocer las
fallas de la cultura.
Socorro
Tabuenca
El Colegio de la Frontera Norte
El
placer de Morir de
Eduardo Antonio Parra. Una lectura de género
Judith
Butler, plantea que las categorías fundamentales de la identidad son
producciones sociales y, más que otra cosa, son el resultado de una
cooperación política, que su condición de posibilidad. Para Butler,
las categorías de género crean el efecto de lo natural ya que
al imponer normas (definiciones de lo que es ser mujer u hombre),
amenazan con excluir a quienes se no se ajustan a ellas. Ella
propone que el género sea preformativo, en el sentido de que una no
es por lo que es, sino por lo que hace, por una condición que
representa. Butler dice que el género es creado por nuestras
acciones. Se es mujer u hombre a través de actos repetitivos que
dependen de condiciones sociales, de formas habituales de hacer algo
en una cultura. Lo anterior no significa que el género se elija; en
este régimen cultural de géneros, no se puede ser una persona sin
ser masculina o femenina. El género es una práctica que se menciona
y es reiterativa su mención. A través del lenguaje vamos haciéndonos
hombres o mujeres ya que al nombrar, por ejemplo, “niña” se nos
asignan una serie de normas de género repetitivas y compulsivas.
Para la crítica una es sujeto (gramatical y personal) según sean las
funciones y la repetición, pero esas funciones no necesariamente las
realizamos de acuerdo con las expectativas, así que nunca habitamos
plenamente las normas de género o ideales que se supone debemos
aproximar. Para nuestra fortuna, es en esos vacíos y en las
diferentes formas en las que llevamos nuestro género, radican
nuestras posibilidades para la resistencia y el cambio.
Dado que la construcción del
género se basa en representaciones culturales el presente trabajo
pretende plantear una serie de reflexiones, que si bien no tienen la
intención de dar respuestas precisas sobre un problema real: la
violencia de género, sí pretenden revisar “El placer de morir” de
Eduardo Antonio Parra y ver de qué forma se plasma o se representa
la violencia de género desde su perspectiva masculina.
Para este efecto, tomo básicamente dos propuestas teóricas: las de
Iris Zavala y Myriam Díaz-Diocaretz y las de Norman Fairclaugh; la
primeras se refiere a aproximaciones propiamente de género y la
segunda trata de lo que le mismo Fairclaugh define como estudio
crítico del lenguaje.
Ana Lúcia
Trevisan Pelegrino
Universidad Presbiteriana Mackenzie -Sao Paulo
La
ciudad de arena:
una imagen de frontera
El
trabajo estudia los sentidos de la elaboración estética de la novela
La ciudad de arena
(1987), del escritor mexicano Luis Arturo Ramos. Analizando la
incomunicabilidad de los personajes principales - emigrantes
españoles que llegaran en el puerto de Veracruz a comienzos
del siglo XX - establece la inmanencia de una frontera entre la
memoria y la experiencia del cotidiano. La escasez de diálogos
propone metafóricamente que hay una frontera interior que no se
disipa, este límite fronterizo involucra a los personajes y se
resuelve estéticamente por medio de la elaboración de los simulacros y de las
ironías.
Tita
Valencia
University of Texas – Austin
Miguel
González Gerth y las fronteras de la poesía
Miguel
González Gerth es un poeta nato, esto es, un esteta cuya materia
prima es la palabra, con todo lo que este elemento primario posee de
color, valor fonético, peso específico, potencial de brillo y
arrojo, raíces y significantes lingüísticas de origen,
ramificaciones y frutos.
Su circunstancia biográfica –nace en México y desde su
primera juventud vive en Estados Unidos- lo ubica en este territorio
fronterizo y dual que es de todos y no es de nadie, y en que el
lenguaje, símbolo de tránsito, sufre todos los canjes de la
valoración, marginación, suplantación. Como poeta, González Gerth
repudia la fusión corruptora de ambos, tan propia de la literatura
chicana y o transcultural, como hoy se llama a la inserción de
modismos mexicanos, cubanos, portorriqueños, etc. en el inglés. Y
viceversa. Asume el reto de no ser un poeta bilingüe sino un poeta
ambilingüe. Declara su propia independencia idiomática obligándose
al dominio exhaustivo de uno y otro idioma, ejerciendo una
vigilancia de terrorismo migratorio entre ambos. Cada uno desde su
centro; jamás desde el centro de uno hacia la invasión periférica
del otro.
González Gerth –que obtuvo su licenciatura y maestría en
literatura inglesa y norteamericana en la Universidad de Texas en
Austin, y su doctorado en lenguas y literatura románicas en la
Universidad de Princeton- ha publicado alternativamente
cuatro títulos de poesía en
inglés y siete de poesía en español. Su obra sigue una línea recta
dentro de uno u otro idioma, creando así una suerte de ideolecto
literario en la tradición de Samuel Beckett –inglés y francés-,
Joseph Conrad –polaco, inglés-, Vladimir Nabokov –ruso, inglés,
francés-, Rainer Maria Rilke –alemán, francés-, Vicente Huidobro
–español, francés- y Carlos Fuentes –español, inglés-.
Gloria
Vergara
Universidad
Iberoamericana
En
otra memoria una lámpara encendida.
Acercamiento a la poesía de Gloria Gervitz
En la
presente ponencia se estudiará la representación de la memoria en la
conformación del sujeto lírico femenino en "Fragmentos de la
ventana" de Gloria Gervitz. Partiendo de una visión hermenéutica de
los objetos representados, tomada del filósofo polaco Roman
Ingarden, veremos cómo surge la memoria como un elemento
correpresentado, convocador de la sujeto y de las otras voces que la
van conformando en el discurso poético. Ellas, las voces, dan una
historia y un destino que se percibe a través de la ventana, de la
memoria como una lámpara encendida.
María
Elvira Villamil
University of Nebraska – Omaha
Sobre
lo postmoderno en la novela mexicana
Ver Addendum
Carlos
Von Son
California
State University - San Marcos.
La
escritura erótica de Juan García Ponce: fijación y efugio de
imágenes en el rito de La cabaña.
En
la novela La cabaña, Juan García Ponce establece un diálogo
entre las artes visuales y la escritura erótica. Dicha novela
instaura un referente participativo y metonímico entre el arte
fotográfico y la escritura bajo el marco del erotismo. La novela
instituye una participación activa a través de la lectura como
percepción por la asociación de la apreciación entre la cámara y la
vista del observador en una apelación de los sentidos como conducto
a la reflexión y, por consecuencia, a propuestas teóricas sobre el
arte. La escritura erótica de García Ponce crea una perversidad
duple: una vez inmersos en la lectura nos exige, de una manera
oblicua, a reflexionar en la inmersión misma de ésta. Su escritura
es una apertura diafragmática.
Como en la fotografía, las imágenes en su literatura
perduran más que el instante que las producen. García Ponce explora
la ruptura y la subversión del
tiempo, y cuestiona la relación entre inocencia y perversión, entre
presencia y ausencia, entre vida y muerte, entre continuidad y
discontinuidad, y entre cuerpo y lenguaje. En este ensayo exploro la
propuesta teórica de la escritura de García Ponce, la cual a
través de la creación de
imágenes, provoca y convida a la experiencia estética a través del
placer de leer observando y de observar leyendo. La escritura
sensual insta a la relación simultánea y paradójica entre la
penetración y la impenetrabilidad de la experiencia así como de la
representación de la experiencia misma. A su vez esta relación crea
una cadena metonímica la cual, simultáneamente, es la experiencia de
la lectura. Como propone Roland Barthes, la perversión escritural
consiste en resistir a cualquier “finalidad imaginable” y se
localiza en la "infatigable expresión" artística. La
escritura, como la fotografía,
siempre es invisible pues "nunca son lo que vemos".
Raymond L. Williams
University of
California - Riverside
La
novela posmoderna en México: posdata sobre el fenómeno “post”
En
los años setenta se comenzó a
hablar de un “postboom” de la novela hispanoamericana. Shaw,
Skarmeta y otros han teorizado conceptos del Postboom.
En los años ochenta y
noventa se ha hablado de una novela “posmoderna” mientras
últimamente se utilizan conceptos como “posnacional” y
“posfeminista”. En esta breve presentación, se considerará, como
posdata a nuestro reciente libro La novela posmoderna en México,
el fenómeno “post” en la literatura y la crítica.
Jorge
Zamora
Texas Tech University
Heroísmo y mexicanidad en Los pasos de López de Jorge
Ibargüengoitia.
Los
pasos de López es
novela histórica de alto contenido humorístico‑paródico. En ella
deambulan los forjadores de la historia patria mexicana totalmente
humanizados y en ocasiones rebajados a un nivel que raya en lo
burlesco. Sin embargo, lejos de producir un resultado meramente
jocoso y degradador, lo que surge es una novela con cierto
ingrediente realista. Lo que hace Jorge Ibargüengoitia es crear una
realidad, como dice Federico Campbell, “más humana y plausible”
(1055) Tomando esta idea de Campbell como punto de partida, se
pretende analizar la manera en que Ibargüengoitia ha creado además
una realidad muy mexicana. A través de sus descripciones
costumbristas y, también de su uso del lenguaje, el autor
guanajuatense creó un cuadro en el que se percibe la mexicanidad de
los caudillos criollos frente a la hispanidad (valga la redundancia)
de los españoles.
El otro aspecto que se pretende abordar es el de la
figura de Don Miguel Hidalgo y Costilla y la manera en que, a pesar
de su “humanización”, Hidalgo surge como hombre extraordinario. Se
analizará la manera en que, por designio o por accidente,
Ibargüengoitia ha creado un personaje novelístico quizás más humano
que la figura histórica, pero no por ello menos heroico.
Solicite información a:
Congreso de
Literatura Mexicana Contemporánea
The University of Texas at El Paso
Department of Languages and Linguistics
El Paso, Texas 79968-0531
Teléfonos: (915)
747-6511/7030; fax 747-5292
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Literatura Mexicana Contemporánea
The University of Texas at El Paso
Department of Languages and Linguistics
El Paso, Texas 79968-0531
Teléfonos: (915)
747-6511/7030; fax 747-5292
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